No puedo hablar de la Segunda Guerra Mundial sin relatar una de las historias más terribles que he conocido. Llevaba menos de un año en el municipio de Sumida-Ku, al este de Tokio. La situación entonces no era fácil, el número de muertos como consecuencia de la guerra seguía en aumento y cada vez era más difícil conseguir algo de alimento para subsistir.

Recuerdo con mucho cariño nuestra casa de papel, aquel atardecer era de una belleza descomunal, la luz se filtraba creando en la casa un extraño romanticismo, pero la magia no estaba en la casa sino en los ojos de NA, una niña de 8 años que tuvo la desgracia de haber nacido en una época difícil. Solo contaba con el apoyo de su madre, Kaede, que vivía desbordaba y cada vez más enloquecida por la crisis, pero eso no le impedía tener una de las sonrisas más bonitas que jamás he visto en una niña. NA siempre me contaba todo, no paraba de hablarme, porque creía que yo era la reencarnación de su padre. Tenía sentido teniendo en cuenta que me encontró en un callejón el mismo día que este, combatiente nipón, falleció ejerciendo de kamikaze durante un combate por lealtad al emperador. Yo no podía entender porqué era considerado un héroe en aquel barrio si aquel hombre había destrozado la vida de su familia, matando a su vez a miles de personas que todos consideraban enemigos.

La noche del 3 de Marzo de 1945 dormía en los brazos de NA cuando un ruido ensordecedor hizo temblar toda la ciudad, en el cielo los bombarderos estadounidenses dibujaban la palabra "venganza". Kaede entro a la habitación, cogió a su niña mientras esta me agarraba con fuerza y con lo puesto salimos a la calle y comenzó nuestra huída... ¿hacia donde? no lo sé, probablemente ni la madre de NA lo sabía, pero la mayoria de gente hizo lo mismo. Estuvimos corriendo durante 15 minutos, dudo que era más terrible si las explosiones que se sucedían de manera continua o el desesperado llanto de toda esa gente. NA lloraba amargamente, cerraba los ojos y con la voz entrecortaba presa del pánico me gritaba: - ¡papá ayúdame!. Si existe el infierno debe ser muy parecido al panorama que pude ver aquella fatídica noche.

El cielo primero era rojo del color de las llamas y de la sangre; pronto ni siquiera había cielo, el aire se fue cargando hasta que llegó un momento que todo era del color del humo y de la ceniza. Todo sucedía rápido aunque si los supervivientes rompieran la ley del silencio dirían que duró una eternidad. Cada vez había menos gente corriendo y menos gritos, cada vez más cuerpos en el suelo y calcinados.

De pronto, cuando el aire era prácticamente irespirable sucedió el peor de nuestros presagios. Una nueva explosión cayó muy cerca de nosotros tres e hizo que saltáramos por los aires. Caí boca arriba, sentí algo parecido a lo que llamáis impotencia, en ese momento hubiera dado cualquier cosa por no ser un muñeco de trapo y poder levantarme para ayudar a mi pequeña NA. Ser quien soy me condenó a contemplar el bombardeo durante las dos horas que duró y me castigó a no volver a acurrucarme en los brazos de aquella niña de ojitos rasgados...

Evidentemente, no he vuelto a saber nada de ellas. Durante mucho tiempo estuve pensando que lo mejor era que madre e hija hubieran fallecido después de aquel impacto antes de haberlo hecho por asfixia. La probabilidad de supervivencia era muy baja, pero en alguna parte de mi ser queda la esperanza de que se hubiera producido un milagro, y hoy, NA sea una mujer madura que ha tenido la posibilidad de disfrutar de todas aquellas cosas que le arrabataron durante su infancia, como consecuencia de una guerra que no era suya.

Tokio quedo sumida en el caos, aquellas dos horas de infierno Dantesco mató 83.783 personas más miles de desaparecidos según la policía metropolitana de Japón; dato superior al de la bomba atómica que aniquiló Nagasaki. En muchos países se hablaba de "éxito rotundo", "victoria", "motivo de celebración"... no entiendo como con algo tan terrible se puede hablar de éxito... lo peor de todo es que han pasado los años y si preguntamos a los libros de textos ¿quien ganó la segunda guerra mundial? te dan una respuesta cerrada. Supongo que tendría que dejar de ser un muñeco de trapo para entenderlo, mientras eso no ocurra seguiré pensando que el único perdedor fue el ser humano independientemente de su país, sexo, raza o religión y lo que perdió es lo único que le hace diferente de los animales: su condición de humano. Ante tanta frivolidad he llegado a pensar que las personas son asesinas por naturaleza, lo único que necesitan son motivos.

Título original: De Dunquerque a la victoria / Contro 4 bandiere / De l’enfer à la victoire

Año: 1979 (Italia, España, Francia)

Director: Umberto Lenzi

Productores: Edmondo Amati y José Frade

Guionistas: Anthony Fritz, José Luis Martínez Molla y Gianfranco Clerici [sin acreditar] sobre un argumento de Umberto Lenzi y Gianfranco Clerici [sin acreditar]

Fotografía: José Luis Alcaine

Música: Riz Ortolani

Intérpretes: George Peppard (Brett Rosson), George Hamilton (Maurice Bernard), Horst Bucholz (Jürgen Dietrich), Anny Duperey (Fabienne), Jean-Pierre Cassel (Dick Sanders), Capucine (Nicole Levine), Sam Wanamaker (Ray MacDonald), Ray Lovelock (Jim Rosson), Georges Claisse (Karl Wessel), May Heatherly (Mary Jennings), Howard Vernom (Karl, Mayor de las SS) Ritza Brown (Novia de Jim), Franco Fantasia (Capitán Venderkreut), André Lawrence (Jean), Michel Voletti (Pierre), Fortunato Arena (soldado anciano), Pierangelo Civera (Jefe de la escuadra anti-tanques), Paul Mercey (Barman), Antonio Mayans, Ángel Aranda, Lambert Wilson...

Sinopsis: París, agosto de 1939. Un grupo de seis amigos se fotografía tras pasar una agradable tarde en un café al lado del Sena y prometen volver allí cada año en la misma fecha. Naturalmente, el estallido de la guerra hará que sus destinos se separen y no puedan cumplir su promesa. El norteamericano Brett vuelve a su país y comienza a trabajar para la inteligencia militar. Maurice, tras ser evacuado de Dunkerke, ingresa en el ejército británico; el alemán Jürgen se alista en la Werhmacht; mientras que la mujer del grupo, Fabienne, es captada por la resistencia. Finalmente, Rick se une a la RAF y Ray se hace corresponsal de guerra. Las historias de estos seis personajes se irán entrecruzando hasta la liberación de París en 1944.

Rodada de forma casi correlativa a Los jóvenes leones (Il grande attaco, 1978), cinta con la que guarda grandes similitudes, tanto argumentales, siendo la historia de ambas muy parecida, de premisas, como el hecho de que el reparto de los dos títulos esté repleto de actores internacionales, en este caso George Peppard, George Hamilton, Jean-Pierre Cassel, Howard Vernon, Horst Bucholz, Capucine, Sam Wanamaker o Ray Lovelock, copiando así los moldes de La batalla de Midway (Midway, 1976) de Jack Smight, cinta bélica de moda del momento, supuso uno de los más ambiciosos proyectos en los que se vio metido el director italiano Umberto Lenzi, y su retorno a un género, el bélico, en el que ya había hecho sus incursiones una década antes con títulos como La brigada de los condenados (La legione dei dannati, 1969) o Attento ai tre grande (1967).

Y es quizás la pretenciosidad de esta coproducción hispano-italo-francesa la que acaba por arruinar la película, merced a un guión deslavazado y totalmente descompensado, que trata de abarcar mucho, dando de esta manera vida a un ingente número de personajes que son abandonados a su suerte en medio del metraje, sin siquiera procurarles un mínimo de desarrollo.

La dirección de Lenzi tampoco es que mejore el asunto, a pesar de mostrarse algo más contenido de lo que en él era habitual, aunque no por ello renuncie a la utilización de sus queridos zooms, no sabiendo muy bien por dónde tirar en esta curiosa mixtura entre cine bélico y drama, dando una primera parte centrada en la historia del grupo de amigos protagonistas, todos ellos de diferente nacionalidad, a los que el estallido de la II Guerra Mundial separará, mostrándonos las peripecias de cada uno, para a continuación pasar a una segunda parte donde la acción y las escenas de lucha se suceden casi sin descanso y en las que Lenzi tampoco parece encontrarse muy a gusto, a pesar del aparente derroche de medios con el que contó. Y digo aparente, pues si bien es cierto que la mayoría de las secuencias de combate están bien conjuntadas, una gran parte de sus planos proceden de documentales de la época en la que está ambientada, así como de otras cintas bélicas trasalpinas como El largo día del águila (La battaglia d’Inghilterra, 1969) de Enzo G. Castellari, o de Dalle Ardene all’inferno (1967) de Alberto de Martino.

En definitiva, se trata de un pastiche con no pocos momentos forzados, caso de la ejecución del personaje interpretado por Capucine, y repleto de momentos sentimentaloides, como la escena final, lastrado ya desde las mismas perspectivas con las que fue creado, que quizás con un guión más conciso y menos pretencioso, hubiera dado, al menos, una cinta más digna.

José Luis Salvador Estébenez

1937: Drama: BLANCO Y NEGRO : 60 min.
Productora: SIE Films.
Director: Antonio Sau Olite.
Guión: Antonio Sau Olite.
Fotografía: Adrien Porchet.
Música: Jaime Pahissa.
Decorados: Antonio Burgos.
Montaje: Juan Pallejá.
Intérpretes: Félix de Pomés,  Enriqueta Soler,  Román
González "Chispita",  Ana María Campoy,  Pilar Torres,
Modesto Cid,  Juana Mansó.

Sinopsis:
Al regreso de vacaciones con su familia, un obrero se
queda en paro. Tras una denodada búsqueda de
trabajo, Juan se siente decepcionado y cobra cierta
inquietud social. Su mujer, Marta, se ve obligada a
tomar un trabajo humillante para poder dar de comer
a sus hijos. Juan reacciona enviando a su esposa y
pequeños al pueblo, mientras él vagabundea por la
ciudad. Indignado por el conformismo de la gente,
monta un mitín, a la vez que organiza una Marcha de
Hambre entre los parados. Cuando se dirige con sus
compañeros a protestar ante las autoridades, y
precisamente cuando pasa por el pueblo donde está
su familia, estalla la revolución. Juan toma las armas
junto a los demás y marchan todos al frente, con la
esperanza de que amanezca una aurora mejor. (Del
libro "Arte y política en el cine de la República.
1931-1932, de José María Caparrós Lera).

Cita:
"En parte para llenar un vacío y en parte también para
dar ejemplo estimulante a los productores, el
Sindicato de la C.N.T. se lanzó en el otoño de 1936 a
elaborar, paralelamente a sus películas de
propaganda revolucionaria y de guerra, otras de índole
comercial sin relación con lo esencial que estaba
ocurriendo. El primero de esos films, "Aurora de
esperanza", tiene un acusado carácter social dentro
de las concepciones anarquistas y con claras
influencias del cine soviético". (Carlos Fernández
Cuenca en "La Guerra de España y el cine". Editora
Nacional. Madrid, 1972.).
"Esta primera producción sindical entraba de lleno en
las aspiraciones anarcosindicalistas de ofrecer una
alternativa al exponente de un cine "burgués" que, aún
después de la sublevación militar del 18 de julio,
continuaba presentando batalla en las pantallas
españolas. (...) La alternativa se encarnaría en un film
"social", un film en que "las masas" fueran
protagonistas". (Ramón Sala Noguer en "El cine en la
España republicana durante la guerra civil
1936-1939". Editorial Mensajero. Bilbao, 1993.)
"Antonio Sau nos dio el primer retrato auténtico del
mundo proletario catalán -centrado en el obrero
anónomo de una gran urbe- con el problema del paro
en el fondo y la vida familiar cotidiana como línea
argumental" (J. M. Caparrós Lera en "Arte y política en
el cine de la República (1931-1939)". Ediciones
Universidad de Barcelona, 1981).

1937: Drama: BLANCO Y NEGRO : 93 min.
Productora: SIE Films.
Director: Pedro Puche.
Guión: Federico Elías,  Pedro Puche.
Basado en: "BARRIOS BAJOS" autor adaptado  Luis Elías.
Fotografía: José María Beltrán.
Música: Juan Dotrás Vila.
Decorados: Antonio Burgos.
Montaje: Juan Pallejá.
Intérpretes: José Telmo,  Rosita de Cabo,  José Baviera,
Rafael Navarro,  Pilar Torres,  Matías Morro,  Matilde
Artero,  Modesto Cid.

Sinopsis:
Un joven abogado se ve obligado a matar a una
persona, y en la huida encuentra refugio en los
muelles, donde se esconde en casa de un
descargador. Así conoce a una muchacha, acosada
por su tremendo atractivo físico, y de la cual está
perdidamente enamorado el descargador.

1939: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 88 min.
Productora: Subsecretaría de propaganda del ministerio,
Productions Corlignion - Molinier.
Productor: Edouard Corlignion - Molinier.
Director: André Malraux.
Guión: André Malraux,  Denis Marion,  Antonio del Amo,
Boris Peskine,  Max Aub.
Basado en: "L´ESPOIR" autor adaptado  André Malraux.
Fotografía: Louis Page.
Música: Darius Milhaud.
Decorados: Vicente Petit.
Montaje: André Malraux,  George Grace.
Intérpretes: Andrés Mejuto,  Julio Peña,  Pedro Codina,
José María Lado,  Nicolás Rodríguez,  Serafín Ferro,
Miguel del Castillo,  José Santpere.
Recaudación: 9.144.820 Ptas.
Espectadores: 66.234
Rodaje: Coproducción hispano-francesa. Título francés:
"Espoir".

Sinopsis:
Una serie de combatientes extranjeros coinciden en
una escuadrilla aérea perteneciente al ejército
republicano durante la guerra civil española.
Superando a base de entusiasmo la pobreza de
medios bélicos, destacan Attignies, de origen belga,
Saidi, un árabe harto de que se piense que sus
paisanos sólo luchan en el bando franquista, y el
alemán Schneider, gloria de la aviación durante la
primera guerra mundial.

Comentario:
Uno de los grandes clásicos del cine español de los
años treinta, puesto en marcha en plena guerra civil
por una serie de intelectuales franceses
antifranquistas. 

Cita:
"Sierra de Teruel" es la obra cinematográfica singular y
atípica de uno de los escritores más importantes de
nuestro siglo, realizada además en cincunstancias
históricas excepcionales. Esta excepcionalidad de
"Sierra de Teruel" la ha convertido en un film mítico,
desaparecido durante bastantes años de la
circulación pública, extraño y de difícil clasificación.
Malraux organizó la escuadrilla de aviación "España",
formada por pilotos extranjeros pertenecientes a las
Brigadas Internacionales. Como piloto de guerra
participó la oportunidad de realizar un gran film de
propaganda de cara al mercado internacional, para
ayudar a romper el bloqueo de la No-Intervención. Las
dificultades derivadas de la guerra hicieron que el
rodaje de "Sierra de Teruel" fuera sumamente
accidentado y lleno de contratiempos (...) Todos los
factores históricos y políticos que determinaron la
producción de "Sierra de Teruel" explican las
características de la película. Sus dos ejes centrales
fueron, por lo tanto, el mostrar la penuria material y
militar del bando republicano, y el de invocar la
solidaridad internacional para luchar contra el
fascismo (...) La solidaridad de los voluntarios
extranjeros se funde con la solidaridad campesina en
la espléndida escena final del cortejo que desciende
la montaña transportando a las víctimas del accidente
aéreo republicano. Esta escena justamente famosa y
estructurada en un serpenteante cortejo tienen
algunos antecedentes plásticos ilustres en la historia
del cine. Todas estas referencias plásticas no
disminuyen el vigor ni la invención cinematográfica de
esta secuencia, que en la historia del cine épico
soviético y el neorrealismo italiano que en 1939
estaba a punto de nacer". (Román Gubern en
"1936-1939: La guerra de España en la pantalla".
Filmoteca Española. Madrid, 1986).

Secreta invasión (The secret invasion)

Año:1964
Duración: 95 min.
Género: Bélico y Drama
Director: Roger Corman
Actores: Stewart Granger, Raf Vallone, Mickey Rooney, Edd Byrnes, etc.
Más datos en la IMDB

Minisinopsis: Los nazis recluyen a un general italiano que planea cambiarse de lado y combatir contra ellos. Por su parte, los aliados planean enviar a un pequeño grupo de convictos en una misión suicida para liberarlo.

Si ya has visto la película, puedes seguir leyendo.

El otro día estaba viendo uno de esos canales de películas de las plataformas digitales que te venden como si fueses a poder ver buen cine todo el día, no sé si era la MGM, la TCM, el PCP o el USB, y vi dos nombres juntos que me chocaron: Roger Corman y Stewart Granger. El caso es que seguí viendo la película y, oye, tiene su punto. Pero hoy me voy a aprovechar de tener un abuelo que luchó en la Segunda Guerra Mundial, casualmente en Dubrovnik, donde se desarrolla la película, para que la comente él, así que os dejo con mi abuelo:

- ¡Qué curvas tenían las italianas! ¡Ay, madre mía, y unas tetas más redondas que las albóndigas de los espaguetis que nos hacían!

Bueno, será mejor que comente yo la película, que el viejo chochea y dejarlo seguir sería malo -si puede ser peor- para mi re-puta-ción, además, le digas lo que le digas, siempre acaba hablando de las italianas, el puñetero.
Vamos a centrarnos en el tema, que desvarío más que el vaquilla en una tienda de bolsos. Si alguien ha visto Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), lo primero que piensa es que Corman ha vuelto a hacer de las suyas, pero ¡no!, ¡vaya sorpresa! Si acaso Aldrich hizo de las suyas -y lo hizo infinitamente mejor que Corman-, así que descartado el plagio barato por dinero al que nos acostumbra Corman, podemos seguir sorprendiéndonos viendo que la película no está mal rodada y que mantiene una calidad, en cuanto a lo técnico, fácilmente aceptable.
Los actores, dejando al oficioso Stewart Granger (Mayor Richard Mace) a parte, podrían ser lo más reseñable de la película: Raf Vallone (Roberto Rocca), Mickey Rooney (Terence Scanlon), Edd Byrnes (Simon Fell), Henry Silva (John Durrell) y William Campbell (Jean Saval) son los cinco componentes del grupo y cada cual tiene lo suyo.
Vallone, que era un actor italiano muy curtido, interpreta a un tipo con dos carreras, filósofo y una especie de mente criminal o Miniyo. El problema es que Vallone tiene una pinta de bestia que no puede con ella y no hace nada, salvo llevarse la mano a la boca a modo de reflexión, para intentar parecer lo contrario.
Rooney es uno de esos actores con los que no puedo, perteneciente al grupo de bajitos que tienen que hacerse los graciosos. Nunca lo he aguantado y después de ver su papel en esta película lo aguanto menos. Yo voy con alguien que hace chistes mientras los nazis te disparan y en lugar de lanzarles una granada les tiro al gracioso.

Byrnes tiene un aire a David Bowie de joven, no puedo decir más.
Lo de Silva es un caso muy extraño. No se sabe si es que es ironman, ceraman o que se ha pasado con el botox porque semejante rostro no es de este Mundo. Amén de ésto, su expresividad es la misma que tiene Swachwarzenegger: tiene la cara normal y la de estreñido; la de estreñido la utiliza cuando le hieren o está muy cabreado y la otra para cuando tiene un hijo, le hacen Gobernador de California, etc. Bien pensado, Silva sólo tiene una cara, así que me decanto por el botox.
Y Campbell, ¡oh, Campbell! Campbell es el responsable de ese hermoso papel de mafioso en El día del fin del Mundo (1951 y también de Corman, así que deduzco que eran primos o algo) y sobra decir que su afinidad interpretativa no mejoró con el tiempo.

=

La aproximación de Antoniosan quizá sea mejor: "Pues a mi que el Byrnes este se me parece mas con Rutger Hauer… con un toque de Christopher Walken, quizas?"

= +

El guión, malintencionadamente analizado, es una mezcla curiosa: podría ser un cruce entre El equipo A (1983), McGyver (1985) y la mencionada Doce del patíbulo pero, como todos son posteriores, hay que reconocer la originalidad de la trama, lo que no le excluye de poseer más de una escena sobre la que podría haberse parado un poco más el guionista y escritor, R. Wright Campbell, coautor del magnífico biopic El hombre de los mil rostros (Joseph Pevney, 1957), basado en la vida de Lon Chaney.
Sobre todas las escenas de la película destaca una aberración sin igual que se produce en el cementerio, con Durell sosteniendo en sus manos al hijo de Mila (Spela Rozin) y cortándole la respiración hasta la muerte para que no llore. Digo que me parece algo aberrante porque, que yo sepa, los críos no lloran por la nariz, sólo por la boca -fijo que habría menos críos si llorasen por los dos sitios-, lo que hace que la escena entera siente como cuando te pegan una bofetada sin haber hecho absolutamente nada, que en lugar de devolverla tu cerebro se queda pensando: ¿pero qué he hecho? ¿qué ha pasado?

Pero antes ya había habido otra escena destacable: cuando los mismos protagonistas se dirigen hacia Dubrovnik en carro y Durell se queda mirándole con ojos lascivos la teta a Mila mientras amamanta a su hijo... ¿qué tipo de persona -he dicho persona, adolescente menor de 18 años con hormonas en rebelión no cuenta- se puede relamer ante semejante imagen y asociarla a algo sexual? Luego que nadie se extrañe de que las madres pidan lugares para amamantar en todos los sitios porque estoy convencido de que tipos como Fell hay a patadas...

- ¡Pues se les ponen bien grandes, como botijos, ay que mamellas!
- Abuelo, ¡a callar! - En buena hora se me ocurrió llamarle para que comentase la película...

El tema de la fuga de la prisión también tiene tela porque es la parte que recuerda a El equipo A y McGyver a partes iguales. Para empezar, hacen un sello con una patata. Hasta ahí bien, si no fuese porque la patata está cocida y es imposible hacer un sello con una patata cocida, coñe, que a mi me van a hablar de hacer sellos con patatas, que anda que no me mandaron hacer tampones de crío en el colegio, que íbamos todo el día con las patatas, el cuchillo y la tinta Pelikán de aquí para allá. De hecho, tanta gaita con las patatas, que un día le clavé un cuchillo en la mano a un compañero de forma totalmente involuntaria -lo juro, estaba a mi espalda y ni lo vi-. Pero no acaba ahí la cosa, porque con un plato de metal construyen una herramienta para el cerrajero, una pluma para escribir y un puñal para cortarse las venas; ¡olé!. McGyver era un mierdas.

Orto, digo otra cosa de la fuga que tiene tela es el tema de la coordinación. Rocca se empeña en que todos chasquéen los dedos cada segundo para hacer una especie de reloj interno. El caso es que cada cual lleva el ritmo como le da la gana y la coordinación es nula, así que, considerando que basan su fuga en que todos hagan lo que deben cuando deben, es un milagro que lo logren.

Y por último hay tres escenas en el clímax de la película que merecen una mención rápida: El tema del herido que se queda para retrasar a los perseguidores está muy visto y se repite dos veces en la película; lo de que se pongan a trepar la pared vertical de una montaña cuando tienen a 100 soldados con fusiles persiguiéndoles no es que demuestre mucha inteligencia por su parte, pero ver a Saval haciendo de catcher o como se diga con una granada alemana para salvar al resto es un poco de risa; y por último, la carga en plan banzai de los milicianos -la mitad de ellos sin armas- es de lo más caótico e inverosímil que he visto en tiempos.

Del aspecto visual de la película hay unas pocas cosas que comentar:
Siempre que los seis se tiran al agua, luego aparecen completamente secos y con las gorras puestas, con lo que deducimos que por el 43 ó 44, cuando sea, ya existían las secadoras portátiles; o éso o llevaban minisubmarinos hinchables o algo.

Los uniformes de nazi que les ponen a los extras les van, por lo general, 2 tallas por encima de la suya.
Y la enfermería de la cárcel es una farmacia en toda regla. Cualquiera que haya visto una farmacia en 1960 se daría cuenta, ¿a que sí, abuelo?
- ¡Como albóndigas y qué prietas, madre santísima!

Comentarios del salido de mi abuelo a parte, Secreta invasión es una película que se deja ver con facilidad, con algunos fallos -la elección de los actores y el guión lateral, sobre todo- asumibles hasta cierto punto y que te reconcilia un poco con Corman.

El Killer Bee reemplazará al actual vehículo aéreo sin tripulación (UAV por sus siglas en inglés) ScanEagle que es utilizado por el Cuerpo de Marinos y Fuerza Naval de los Estados Unidos. El Killer Bee ofrece tiempo y distancia de vuelo más amplio - capaz de alcanzar más de 100 millas y capaz de llevar más cargas explosivas para desatar un mayor poder destructivo contra el enemigo. De manera interesante, la punta de las alas le proporcionan mayor estabilidad durante las vueltas cerradas mientras que resuelve el problema del posicionamiento de la antena. Utiliza sensores infrarrojos y un sistema de video en vivo para rastrear objetos, sea de día o de noche, mientras que un láser integrado lo hace capaz de disparar precisas municiones guiadas con impunidad. Lo bueno es que aún habrá guerras en el 2011 cuando sea lanzado el Killer Bee.

1949: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 102 min.
Productora: Valencia Films,  Centro Film.
Director: Arturo Ruiz-Castillo.
Guión: Arturo Ruiz-Castillo.
Fotografía: Juan Mariné,  Alfonso Nieva.
Música: Jesús García Leoz.
Decorados: Francisco R. Asensio,  Arturo Ruiz-Castillo.
Montaje: Sara Ontañón.
Intérpretes: Alfredo Mayo,  Beatriz de Añara,  Tomás
Blanco,  Mary Lamar,  Carlos Muñoz,  Fernando
Fernández de Córdoba,  José María Lado,  Eduardo
Fajardo,  Antonio Casas,  Angel de Andrés,  Arturo Marín,
Rafael Bardem.
Vestuario: Humberto Cornejo.

Sinopsis:
Marisa Fuenterreal recuerda los días de la resistencia
en el santuario de la Virgen de la Cabeza. Allí caminó
durante varios días con Aracil, un hombre de ideas
extremistas que la salvó de las tropas enemigas, y
luego con el capitán Cortés, que muere en la batalla
final junto a la mayoría de los defensores. Trás la
batalla, María sufre un ataque de amnesia y Aracíl
consigue escapar.

Cita:
"Es en 1949, en un contexto de victoria política
franquista, cuando aparece la primera cinta que
reanuda en rigor el "cine de Cruzada", interrumpido en
1942. Se trata de una película que obstenta además
el simbólico título de "El Santuario no se rinde". La ha
dirigido con grandes dificultades e interrupciones del
rodaje el ex-cineasta republicano Arturo Ruiz Castillo,
inspirándose en la defensa militar del Santuario de
Nuestra Señora de la Cabeza, asediado durante
nueve meses y cuyas tropas defensoras mandó el
capitán de la Guardia Civil, Santiago Cortés, quien
falleció en este combate en mayo de 1937. En la
tradición del cerco militar a ultranza que se hace
remontar a Sagunto y a Numancia y que tuvo su
episodio bélico más divulgado en el Alcázar de
Toledo, "El Santuario no se rinde" se alzó como una
neta alegoría de la resistencia del franquismo ante el
cerco político de las democracias occidentales,
cuando tal reto beligerante no resultaba ya peligroso.
Se rescata a Alfredo Mayo de la vieja galería de
héroes para darle esta vez un perfil más complejo de
republicano converso al franquismo y recurriendo al
armazón de una trama sentimental, tejida en esta
ocasión por una residente del Santuario y un
republicano del cerco, que sellarán su unión en la
postguerra, en el escenario de la vieja fortaleza. De
este modo, la película se ofrecía como un puente
entre la exaltación épica del viejo cine "de Cruzada" y
la nueva consigna de apaciguamiento y reconciliación
entre vencedores y vencidos, que sería el leit-motiv
propagandístico de los años cincuenta". (Román
Gubern en "1936-1939: La Guerra de España en la
pantalla". Filmoteca Española. Madrid, 1986).

Premios:
1949; Círculo de Escritores Cinematográficos,  Mejor
Actor de Reparto, Tomás Blanco.
1949; Sindicato Nacional del Espectáculo, Segundo
Premio, Mejor Película, Arturo Ruiz-Castillo

Assistam e entendam o porque!

OK...

São 00:27 e já estava com o post esperando para ser postado(brilhante frase)... Sim, terminei de ver a primeira temporada de JERICHO. Porra, é uma segunda-feira... digo, terça... mas e daí, como eu disso no post anterior sobre a série... eu tava louco pra terminar de ver.

Eu disse no post anterior também que o tema de JERICHO me inspirava... tudo bem... mas quando o tema mudou... esqueceram-se as bombas nucleares como peça-chave da trama, o negócio ficou ainda melhor.... Lembrem-se também que falei sobre o mesmo problema de LOST, "lerdeza dos fatos"! Tudo mudou. Do capitulo 13 ao 22 a série se tornou insensa com muitas armas, tiros e guerra, muita guerra!!! HAHAHAHA Eu estava supitando de emoção... Será o efeito de 7 latinhas de SKOL??? Não sei... mas eu estava xingando personagens e mandanto eles irem a m***... até os diretores eu mandei se F***... Tem uns Flashbacks ridículos (lembram também que falei que tinha LOST no meio?)

Bem... enquanto assistia o episodio 2o começei a providenciar o primeiro da segunda temporada (também xinguei o meu provedor por não ter baixado até o fim do capítulo 22)

No final das contas JERICHO não passa de mais um enlatado americano (isso eu tive a idéia sozinho) mas apos ver um pouco vais sobre a série no google, achei isso, que é justamento o que eu pensava: "Jericho começou com o que poderia ser uma idéia espetacular, e acabou focando muito em um personagem, destruindo o imaginário e por isso tornou-se mais uma qualquer. Contudo, valeu a pena." Sim, valeu... quem disse que eu não gosto de enlatados?

Mais ainda quando tem equipamentos bélicos como tanques, avioes, navios, etc... Não, não sou terrorista... rs, apenas adoro equipamentos bélicos. (Um dia vou ter uma AK47, não precisa de munição... só quero poder ter uma na parede do meu quarto. Oh shit... bastards, os americanos vao ler esse post e virão atras de mim... antes de chegarem aqui, quero que saibam que gostei muito sa série, mesmo com os "mocinhos" botando pra fuder, digo quebrar) GO US ARMY, GO

HAHAHAHA

OPS, já são 01:05 e estou edintando o post... esqueci de colocar os TAGS...

Cinco minutos sin corte alguno, recorriendo la playa, siguiendo al protagonista (aunque también dejándolo por momentos fuera de plano) y confirmando su calidad como realizador con tan magno plano. Quizás no aporte excesivamente a la trama este alarde, pero técnicamente, reconozcan que es colosal!.

Una maravilla de secuencia, adornada con el fenomenal score de Marianelli, disfrútenlo.

[dailymotion id=x4jfwo&v3]

Pocas veces se sale del cine con la satisfacción que otorga al espectador un film del calibre de "No es país para viejos". Por supuesto, no es un film fácil y no es para todos los públicos, pero quien pensara que sería una película comercial más, andaba plenamente equivocado. Es cine de autor puro y duro y como pensé el día que la vi, no a todo el mundo gustará, sobre todo porque mucha gente no suele tener algo básico para poder degustar el gran cine que habita en ella: paciencia y atención.

La falta de costumbre y la inmediatez de hechos a la que tiene a algunos acostumbrado el cine actual, hace que un film como el de los Coen parezca realmente una rareza en el horizonte y, porqué no decirlo, toda una celebración para los cinéfilos. Ya era hora de tener en cartelera una obra tan llena de profundidad y que invita a la reflexión.

Gran parte de su grandeza radica en su excepcional adaptación de la novela de Cormac McCarthy, haber conseguido captar todo su tono sombrío sin olvidar un humor negro característico también de los realizadores. El film ahonda en términos tan interesantes como la codicia, el respeto, la elección, la fortuna, el cazador y la presa o el lugar en la sociedad de los veteranos.

El concepto de cazador-presa es muy interesante como está tratado. Ya desde un inicio se nos muestra a Josh Brolin cazando, posteriormente su personaje parecerá haber entrado en gracia al encontrar una enorme fortuna, pero no es más que el inicio de un espiral al infierno y no dejará de ser una presa en continua huida. El personaje de Bardem siempre va por delante del resto, como un cazador tras su presa. Nunca falla, nunca perdona, nunca incumple una promesa, por muy macabra que sea. Al final del film, es él quien se convierte en una presa acechado y aturdido por las sirenas de la policía, huyendo ensagrentado. Dicha escena es muy interesante porque concuerda con una escena anterior de Josh Brolin, cuando pedía una chaqueta a unos chicos y les pagaba desproporcionadamente. En este caso, como en áquel, vemos comos los críos discuten por el dinero que les ha dado el personaje de Bardem, como los chicos en la otra escena. La codícia del dinero y sus consecuencias está perfectamente plasmado en la cinta. El dinero puede ser tan cancerígeno como un asesino.

Sin lugar a dudas, me quedo con varias escenas memorables: La escena de la moneda en la gasolinera, cualquier diálogo de Tommy Lee Jones (sobre todo el del sueño al final y el de su conversación con el viejo), el cara a cara entre Bardem y Woody Harrelson, cuando Bardem sale de la casa de la novia de Brolin y se mira si la suela de sus botas se han manchado de sangre, con una economía de planos y una sutileza increíble, dándonos mucha información con lo mínimo, evitando lo explícito y confiando en la inteligencia del espectador.

Lo que refleja también el film de los Coen es que los veteranos apenas entienden lo que está pasando, les aturde, les sobrepasa la violencia que nos rodea, violencia sin sentido, violencia macabra y sin lugar a explicación. La violencia solo conlleva a más violencia y la combinación armas, dinero y codicia solo hacen que incrementar a la misma.

Su espléndido guión, las enormes actuaciones (en general todos pero sobretodo dos: Bardem está magnífico -con acento neutro incluído-, pero sería injusto olvidar el monumental y sobrio trabajo de un actor de la talla de Tommy Lee Jones), su sutileza, el respeto hacia el espectador que posee y su enorme elegancia la convierten en un verdadero clásico instantáneo y una obra maestra para paladares exigentes.

Debería ser la gran triunfadora de esta noche. Para un servidor, es la que más cine posee de las nominadas a mejor película.


JUNO (Jason Reitman, 2007):

"Juno" es la cinta indie del año que no podía faltar en las nominaciones!. Parece que en los últimos años si o si debe estar nominada al menos una cinta independiente para que un sector no se sienta (presumiblemente) marginado y para que los académicos eviten escuchar sus quejíos el resto del año. Pero, seamos realistas, "Juno", como ocurría el anterior año con la insufrible "Pequeña Miss Sunshine", no es un film totalmente independiente, nada más hay que ver su costosa campaña publicitaria pro oscar, más bien, es una cinta pseudoindie. Mantiene un poco la forma y esos personajes estrambóticos de las cintas independientes, pero a la vez, contiene estrategias comerciales ciertamente cuestionables.

Aunque no suponga un peliculón ni mucho menos, lo más destacable de "Juno" es lo bien contruídos que están los personajes, a parte de un guión no excesivamente original pero muy fresco, ameno y entretenido. La cinta no cae en tramos aburridos, va bastante al grano y se sostiene sobre todo por la tremenda actuación de Ellen Page, que a quienes ya la disfrutamos en "Hard Candy", no nos supone una sorpresa su elevado talento. Por lo demás, destacar una cuidada y magnífica selección de canciones para la banda sonora, una dirección correcta de Jason Reitman (director de la destacable "Gracias por fumar" (2005)), los diálogos entre Juno y el marido de la pareja (desde música punk hasta el cine de Argento), el tono cómico e irónico que envuelve a toda la cinta y el carisma de un personaje magnífico: Juno.

Una cinta estimable y con detalles muy interesantes pero desde mi punto de vista, un poco sobrevalorada y con la etiqueta demasiado visible de "peli Sundance".


EXPIACIÓN (Joe Wright, 2007):

Aunque la cinta contenga un marcado aroma academicista, posee evidentes virtudes de las cuales destaco una dirección mucho más virtuosa y ágil de lo que a primera vista parece. Las actuaciones en el film son más que correctas, la fotografía muy trabajada, un gran montaje y la música de Dario Marianelli magnífica, el mayor rival de Alberto Iglesias en la conquista del oscar de este año en el apartado de banda sonora.

Pero aunque la cinta no cuente nada nuevo ni excesivamente original, el ritmo y la dirección hacen de ella un film destacable y notable en muchos momentos. La cámara siempre se mueve con una suavidad y elegancia magistral y en los momentos de acción el montaje funciona a la perfección. Yo destacaría ante todo, el maravilloso plano secuencia que se marca Wright cuando el protagonista masculino (Robbie) llega a la playa y observa el panorama militar: una secuencia memorable.

Contiene una duración ajustada y acorde a lo que se tiene que contar y es algo importante hoy en día, en donde abundan las producciones excesivas tanto de metraje como de otros apartados.

En teoría, no tiene mucho que hacer con las dos favoritas claras: "Pozos de ambición" y "No es país para viejos", pero desde luego, supone una cinta de lo más maja, cuidada y de gran factura. Finalmente, le perdonamos su marcado tono academicista y su lado más lacrimógeno xD.

El final es sencillamente cojonudo, aunque yo la hubiera acabado con el primer plano de Vanessa Redgrave cuando finaliza su monólogo tan chuli.


POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson, 2007):

Monumental (como no) cinta del amigo Paul Thomas Anderson que contiene algunos de los mejores momentos del cine del año. La cinta claramente bebe del cine de maestros de la talla de John Huston (¿hace falta que diga el film?) o Stanley Kubrick entre otros. El inicio ya predispone y avisa al espectador de que va a ver un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como talentoso. Sus primeros minutos mudos y de una consistencia abrumadora hacen mearse encima hasta el cinéfilo más exigente xD.

La cinta prosigue de forma excelente con un guión del propio Anderson, verdaderamente magistral, lleno de detalles que invitan a la reflexión y de momentos de una fuerza constatable. El gran Daniel Day Lewis, para mi gusto, está fantástico como Daniel Plainview, aunque un tanto sobreactuado, al menos en el tramo final del film, en donde parece una versión chunga de su carnicero en "Gangs of New York". Aunque todo el mundo eleve a los altares a Day-Lewis, sería injusto olvidarnos de Paul Dano, que nos regala una actuación impagable, llena de matices y mucho más contenida y perfecta que la de Day-Lewis, según mi humilde punto de vista.

El personaje de Day-Lewis, recuerda a otros personajes deshumanizados y desquiciados por la codicia, por el poder, casos por ejemplo de el personaje de Humphrey Bogart en "El tesoro de Sierra Madre" o (salvando un poco las distancias) Kirk Douglas en "El gran carnaval" de Billy Wilder, personajes que llevan al límite incluso sus vidas con tal de lograr sus imposibles objetivos.

El film, como he comentado anteriormente, posee momentos verdaderamente ejemplares y de gran virtuosismo cinematográfico como por ejemplo: toda la escena en donde la torre arde y el accidente de H.W. (hijo del personaje de Day-Lewis) con un inteligentísimo uso del sonido, las escenas en la iglesia con un Paul Dano magistral (sobre todo aquella en que intenta extraer los fantasmas de una señora o la del "bautizo" de Day-Lewis para eximir sus pecados) o cuando Day-Lewis se enfrenta a Dano metiéndolo literalmente en un charco de petróleo.

La obra no la calificaría de perfecta por su excesivo metraje y por un tramo final un tanto irregular que no del todo innecesario pero demasiado excesivo, valga la redundancia. PT Anderson logra una obra muy arriesgada y de agradecer para el espectador que le vayan estas rarezas.

"Pozos de ambición" es un retrato sobre el poder, sobre la codicia, sobre el egoísmo, sobre la gradual decaída de dos hombres, dominados por sus respectivos miedos producto de su locura, su radicalismo, su autoengaño y sus aires de grandeza. La dirección es sencillamente maravillosa, pero ¿la de "No es país para viejos" es menos excepcional?.


En cuanto a "Michael Clayton", la quinta nominada a mejor película, a día de hoy, todavía no he encontrado el momento para verla. Me han hablado muy bien de ella y las actuaciones de Clooney, Wilkinson y Swinton parecen maravillosas. Aunque no me atrevo a lanzar un pronóstico sobre el film, sin ni tan siquiera haberlo visto.

El oscar a mejor película se lo daría a "No es país para viejos", pero el de dirección no sabría por cual decidirme si por Paul Thomas Anderson, los hermanos Coen o Julian Schnabel (con un increíble trabajo en "La escafandra y la mariposa"), el trabajo de los tres es realmente memorable a partes iguales.

Hecho en falta en las nominaciones principales films de la categoría de "Zodiac" de David Fincher (porque sencillamente, es una obra maestra), "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" de Andrew Dominik (aunque solo sea por su riesgo y las escenas del atraco al tren y la del asesinato, ésta con un control del tempo verdaderamente orgásmico), "Cuatro meses, tres semanas, dos días" de Cristian Mungiu (porque junto a "Deseo, peligro" es una de las mejores películas extranjeras del año) o "Promesas del este" de David Cronenberg (una obra memorable con un plano final para quitarse el sombrero). El caso de la cinta de Fincher, es verdaderamente sangrante pero bueno.

Que gane el mejor. Mi voto para el oscar a mejor película es para "No es país para viejos", me parece, con diferencia, la mejor de las nominadas. La más redonda.

Direccion : Marc Munden
Reparto : Matthew McNulty, Leo Gregory, Gerard Kearns, Shaun Dooley, Khalid Laith, Marc Munden
Año : 2007
Pais : Reino Unido
Productora : Red Production Company
Genero : Bélico
Duracion: 90 Minutos

Sinopsis:
Una película apasionante, que explora los aspectos más desagradables de la guerra de Irak de una manera directa y realista. La mejor película realizada sobre este conflicto.
Duro y contundente alegato anti-bélico.
La película bélica más importante desde "Tres Reyes"
Muestra de una forma directa, la realidad que se vive hoy en día en Irak
Es una contundente crítica al gobierno británico a raíz de su intervención en Irak.
Gulliver y Tate, son dos jóvenes normales, de 18 años, que sirven al ejército británico destinado en Irak. Su pelotón está luchando para mantener la paz en la zona. Pero cuando el carismático capitán de la compañía cae muerto en medio de una emboscada, la moral del pelotón decae. Casa por casa van buscando a los culpables del atentado y al llegar la noche los acontecimientos se aceleran y poco a poco los soldados van perdiendo el control de la situación debido a sus sentimientos de ira hacia los presuntos culpables.
Una vez de vuelta a Inglaterra la situación les salpicará ya que se han hecho públicas unas fotografías donde se ven a los soldados maltratando a presos de guerra.

Formato : DVD-Rip
Tamaño : 700MB
Idioma : Español
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Os dejo con una de las escenas más brutas y chachis de la segunda parte de la cuatrilogía de rambo dirigida por el amigo George P. Cosmatos (creador de otra violenta joyita ochentera llamada "Cobra").

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1945: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 97 min.
Productora: C.E.A.,  Alhambra Films.
Director: Antonio Román.
Guión: Antonio Román,  Pedro de Juan,  Enrique Llovet,
Enrique Alfonso Barcones.
Fotografía: Enrique Guerner.
Música: Manuel Parada.
Decorados: Sigfrido Burmann.
Montaje: Bienvenida Sanz.
Intérpretes: Armando Calvo,  José Nieto,  Guillermo
Marín,  Fernando Rey,  Nani Fernández,  Juan Calvo,
Manuel Morán,  Carlos Muñoz,  Manuel Kaiser,  José
Miguel Rupert,  Tony Leblanc,  Conrado San Martín,
Santiago Rivero,  Pablo Alvarez Rubio.
Vestuario: Manuel Comba,  Hermanos Peris.

Sinopsis:
Un grupo de soldados españoles, al mando del capitán
Las Morenas, resiste heroicamente contra el enemigo
tagalo en la localidad de Baler, en las islas Filipinas,
dentro de una iglesia que les sirve de refugio. La
guerra finalizó meses antes, pero ellos no se dan por
vencidos, y aguantan embiste tras embiste.

Comentario:
Una de las películas bélicas más populares de las
realizadas durante el comienzo de los años cuarenta.
Con el paso del tiempo, la canción que en ella
interpretaba Nani Fernández, que asumía un
personaje de nativa tagala enamorada de un soldado
español, "Yo te diré" , se convertiría en uno de los
muchos símbolos artísticos de la posguerra
española.

Cita:
"Tiene un ambiente claustrofóbico al que colaboran las
muchas escenas de noche que hay en la película y la
situación de encierro mantenida en los dos últimos
tercios. Hay escenas bélicas rodadas con verismo y
apoyadas en la magnífica fotografía de Enrique
Guerner" (Fernando Méndez Leite en "Historia del cine
español en cien películas", Ed. Jupey, 1988).
"Los últimos de Filipinas"supo a la perfección
aproximarse a los intereses ideológicos y
argumentales que parecían dominar en el panorama
cinematográfico de aquellos momentos. De una parte,
la trama retomaba parte de la ya casi lejana historia
colonial española, en una reconstrucción sin
concesiones objetivas y de otra parte se aventuraba
abiertamente en el género que tenía las gestas
heroicas como base fundamental del relato.
Combinando una y otra posibilidad narrativa, Antonio
Román sabe con habilidad hacer avanzar una acción,
demostrando su eficaz dominio del oficio de contar
situaciones en imagen. Para ello, el realizador gallego
emplea fórmulas de clásico efectivismo, cuyo
rendimiento de cara al espectador gallego emplea
fórmulas de clásico efectivismo, cuyo rendimiento de
cara al espectador parece nunca desmerecer sus
concretas pretensiones. Así, junto a los episodios de
exclusivo contenido bélico, en todo momento
marcados por la valiente actitud de los soldados
españoles utiliza recursos emotivo-argumentales,
como el alto concepto del compañerismo, la
constante expresión de la añoranza y, en definitiva, la
sabia puesta en práctica de situaciones que obtengan
las respuestas más puramente sentimentales".
(Enrique C.García Fernández en "Historia ilustrada del
cine español". Editorial Planeta. Barcelona, 1985).

Premios:
1946; Sindicato Nacional del Espectáculo, Primer
Premio, Mejor Película, Antonio Román

1947: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 100 min.
Productora: Peña Films.
Director: José López Rubio.
Guión: Enrique Llovet,  José López Rubio.
Fotografía: Mariano G. Ruiz-Capillas,  Andrés
Pérez Cubero.
Música: Manuel Parada.
Decorados: Luis Santamaría.
Montaje: Petra de Nieva.
Intérpretes: Julio Peña,  Nani Fernández,  José Bódalo,
Adriano Rimoldi,  Rafael Calvo,  Tony Leblanc,  Sara
Montiel,  Carmen Cobeña,  Rafael Romero Marchent,
Francisco Rabal,  Conrado San Martín.
Rodaje: Cádiz y Marruecos.

Sinopsis:
En la Academia de Infantería, un conferenciante relata a
los cadetes la historia del capitán Salas, que, recién
ascendido, se incorporó en 1922 al Tercer Batallón de
Cazadores de Ceuta. Ya en tierras africanas, Salas
descubre que carece de valor. Por esa razón, cuando
el coronel solicita un oficial para un servicio
comprometido, designa un sustituto, que muere.
Cuando ha cumplido el plazo de su estancia forzosa
en Ceuta, Salas reclama el traslado a Madrid. El
enemigo ataca y el comandante debe persuadir al
capitán para que venza su miedo y le haga frente.
Finalmente, llega su sustituto.

Cita:
"Alhucemas", film heroico, hay que reconocerlo, fue uno
de los mejores en su género". (Enrique Sanz de Soto
en "Cine Español: 1896-1983". Dirección General de
Cinematografía. Madrid, 1984).

1956: Aventuras: BLANCO Y NEGRO : 95 min.
Productora: Santos Alcocer P.C..
Productor: Santos Alcocer.
Director: Pedro Lazaga.
Guión: Alberto F. Galar,  J. M. Belloch.
Fotografía: Salvador Torres Garriga.
Música: Antón García Abril.
Decorados: Sigfrido Burmann.
Intérpretes: Enrique Diosdado,  Germán Cobos,  Adolfo
Marsillach,  Nicole Gamma,  Fernando Sancho,  Xavier
Armet,  Maite Pardo,  Rosa Yarza.

Sinopsis:
En los macizos montañosos, en los confines de las
provincias de Teruel y Cuenca, unos grupos de
bandidos recorren esos lugares abruptos, matando y
desvalijando a todos los que se encuentran a su
paso. Por miedo de ser arrestado, uno de sus
cómplices, Manuel, hermano del alcalde de
Torrepartida, al que odia porque los dos aman a la
misma mujer, huye del pueblo y se junta con una de
las bandas criminales.

Comentario:
Con "Torrepartida" debuta como músico de cine Antón
García Abril, que no tardaría en convertirse en asiduo
colaborador de su director, Pedro Lazaga.

Cita:
"Una propuesta tendente a utilizar el esquema de
bandolerismo para proyectarlo sobre la España
contemporánea de la filmación, es el que ensaya
Pedro Lazaga en "Torrepartida", donde el combate
resistencial de la post-guerra toma la forma de un
relato de aventuras acerca del enfrentamiento de la
Guardia Civil con la guerrilla de un bandido cruel, y
poseedor de armas sofisticadas, en los escenarios
de la Sierra de Albarracín". (Carlos F. Heredero. "Las
huellas del tiempo. Cine español 1951-1961".
Ediciones Documentos Filmoteca, 1993).

1950: Aventuras: BLANCO Y NEGRO : 91 min.
Productora: Cooperativa del Cinema de Madrid.
Director: Eduardo García Maroto.
Guión: Jaime G. Herránz.
Fotografía: Juan Mariné.
Decorados: Teddy Villalba.
Montaje: Bienvenida Sanz.
Intérpretes: José Bódalo,  Gustavo Re,  Antonio Almorós,
Teófilo Palou,  Manuel Arbó,  Emilio Santiago,  Francisco
Bernal,  Emma Penella.

Sinopsis:
Dos hombres, César y Carlos, pelean una noche en el
puerto. Suenan dos disparos y uno de ellos cae al
agua. Carlos cree que lo ha matado, y para huir, se
alista en la Legión, donde reencuentra a César, al que
creía muerto. Durante los tres siguientes años se
pasan el tiempo odiándose el uno al otro. Las
argucias de César consiguen confinar a Carlos a un
pelotón de castigo, cuyo sargento es asesinado una
noche, sin encontrar un culpable.

Comentario:
Una de las últimas películas rodadas por García Maroto
y cuya producción se hizo en régimen de cooperativa.

Cita:
"Rodamos en Dar Riffien, en el campamento de la
Legión y todo fueron facilidades. Sin embargo, cuando
la presentamos a la censura, el general Millán Astray
nos recibió en su despacho con un pistolón bien
visible y quiso suspenderla. Nos dijo, muy indignado,
que sus muchachos no eran truhanes, sino
caballeros legionarios. Nos entregó una cuartilla con
las reformas que debíamos hacer, entre ellas una
fiesta en la que un legionario se disfrazaba de mujer.
No sabemos cómo se solucionó aquello, pero el caso
es que la película pudo estrenarse en el cine
"Actualidades" y octuvo un apreciable éxito taquillero".
(Eduardo García Maroto. "Aventuras y desventuras del
cine español". Plaza y Janés, 1988).

1941: Aventuras: BLANCO Y NEGRO : 81 min.
Productora: Cifesa,  Arévalo P.C..
Director: Carlos Arévalo.
Guión: Luis García Ortega,  Carlos Arévalo.
Fotografía: Alfredo Fraile.
Música: José Ruiz de Azagra.
Decorados: Teddy Villalba.
Montaje: Margarita Ochoa.
Intérpretes: Luis Peña,  Alfredo Mayo,  Luchy Soto,  Raúl
Cancio,  Luis Peña Sánchez.

Sinopsis:
En el norte de Africa, la harka del capitán Valcázar y del
teniente Herrera, excelentes amigos, sobresale por su
heroicidad en las acciones en que participa. La
esposa y la cuñada de un capitán muerto viajan a
Marruecos. Al momento, Herrera se enamora de la
cuñada, Amparo, que le pide que regrese a Madrid.
Así lo hace el teniente, pero poco después se entera
de que la harka ha sido deshecha en un combate, en
el que ha muerto el capitán Valcázar. Herrera corre a
ponerse al frente de la harka para reorganizarla.

Cita:
"En "Harka" se nos narra un episodio de la Guerra de
Marruecos -no un episodio histórico sino un episodio
sentimental-. A pesar de lo banal que resulta la intriga
central del argumento, la película tiene un
determinado peso a determinados niveles. Hay, por
ejemplo, una gran insistencia en el sentimiento
patriótico: la película está dedicada "A la memoria de
los que todo lo dieron por España" (...) Lo segundo a
destacar del film es la exaltación de la vida militar.
Ahora bien, esta exaltación resulta muy curiosa
porque, según mi entender, se efectúa resaltando una
serie de valores que no son los que se suelen
privilegiar en estos casos. La imagen de la vida militar
que se deduce de "Harka" es una imagen de aventura,
ciertamente, pero es, sobre todo, una imagen
neurótica, dominada por una necesidad obsesiva del
castigo (...) Esta neurosis no se nos presenta como
tal en el film sino que se nos muestra como la
primera y más pura de las virtudes militares. En
"Harka" entre la vida y la muerte se elige la segunda
como categoría moral y estética (...) Rompiendo con
toda clase de cánones morales, narrativos, etc.
"Harka" resultó un extrañísimo producto digno de un
país descuartizado". (Félix Fanés en "Cifesa, la
antorcha de los éxitos". Instituciones Alfonso el
Magnánimo. Valencia, 1981).

El otro día alguien con el que hablaba me sacó a relucir el típico comentario de que lo único bueno de esta película es el principio... Como siempre, yo rechacé tamaño despropósito fruto del gusto por la pirotecnia y el artificio en el cine moderno y típico de mentes poco dadas a la reflexión... y como siempre, mi discurso cayó en saco roto. En fin, este domingo haciendo zapping me topé con la película de marras, dándose el caso de que ya estaba empezada, y la famosa primera escena de la playa de Normandía ya había concluido, con lo que tuve ocasión de ver la peli a partir de ese punto en el que, según algunos, no vale nada. Y así se me presentó la ocasión de escribir de una vez por todas sobre este pedazo de largometraje, obra maestra y cima de la cinematografía bélica.

Porque Salvar Al Soldado Ryan no trata sobre lo buenos que eran los americanos (Spielberg los retrata maltratando a prisioneros de guerra o disparando sobre soldados enemigos que se rinden, por ejemplo). Tampoco versa sobre las injusticias del mando y el desprecio por los subordinados, como suele ser el caso de las películas de tinte antibelicista (aquí, el jefe del pelotón es el más íntegro y justo de todos). De lo que trata realmente es sobre lo terrible, terrorífica e injusta que es la guerra. Sobre cómo los soldados de uno y otro bando se ven atrapados en ella, sean cuales sean sus ideas al respecto, y cómo intentan justificar los terribles actos que se ven obligados a cometer: al final todos buscan una excusa por la cual luchar, más allá de la razón oficial. Así pues Salvar al Soldado Ryan versa en realidad sobre la oportunidad que se les presenta a un grupo de soldados para redimirse de sus terribles pecados en medio de tanto horror, miseria y destrucción. Un buen tema de reflexión ¿no creen?

La famosa escena de la playa tiene su razón de ser en presentar al espectador en toda su crudeza lo que significa luchar en una batalla. Sin este impacto inicial, no se podría comprender realmente los dilemas y opiniones de los soldados que buscan a ese tal Ryan para salvarle la vida, aun a costa de la suya propia. Y no son héroes: del primero al último desprecian a ese "niñato con suerte" que se las hace pasar tan putas. De hecho el único que no se queja, no odia a Ryan y trata con decencia al enemigo es el más rastrero y cobarde de todo el pelotón.

Podría escribir más y más sobre el espléndido plantel de actores que tan bien escoge siempre Steven (incommesurable Tom Sizemore). O sobre la extraña belleza que se complace en extraer de escenas aparentemente terribles (como el resplandor de un bombardeo nocturno en lontananza), pero lo que me interesaba en esta ocasión era explicar que la peli tiene contenido y sentido más allá de ser un "documental" sobre la guerra (¡Lo que hay que oir!)

En fin, que yo no voy a tratar de convencer a aquellos que no les gusta de sus infinitas bondades: ellos se lo pierden. El resto: ¡A disfrutarla! (si es que no se les atragantan las vísceras) ;-)

1950: Drama: BLANCO Y NEGRO : 90 min.

Productora: Aspa Producciones Cinematográficas.
Director: José Antonio Nieves Conde.
Guión: Vicente Escrivá.
Fotografía: Manuel Berenguer,  José F. Aguayo.
Música: Jesús García Leoz.
Decorados: Pierre Schild.
Montaje: Joan Serra.
Intérpretes: Fernando Fernán Gómez,  María
Rosa Salgado,  Dina Sten,  Luis Prendes,  Eduardo
Fajardo,  Jesús Tordesillas,  Maruchi Fresno,  José
María Rodero,  Manuel Morán,  Mario Berriatúa,  Julia
Caba Alba,  José Bódalo,  Gerard Tichy,  Manuel de Juan,
Fernando Aguirre,  José Manuel Martín,  Francisco
Bernal,  Félix Dafauce.
Recaudación: 12.016 Ptas.
Espectadores: 944
Rodaje: Salamanca y Madrid.

Sinopsis:
Perdido en la inmensidad helada de Alaska, un
misionero católico español siente próxima la muerte, y
recuerda su vida. Durante la guerra civil española, era
conocido como "Balarrasa" por su audacia en el frente
y el éxito en la retaguardia con el juego y las mujeres.
Sin embargo, la muerte de un compañero, a quien
cambió el puesto de guardia, le hizo reflexionar y
cambiar radicalmente de planteamiento vital,
orientándose hacia Dios de forma plena.

Comentario:
Uno de los grandes éxitos del cine español,
"Balarrasa", declarada de "Interés Nacional", es el
más claro ejemplo del cine político-religioso de la
época. Convirtió a su protagonista, Fernando Fernán
Gómez en un actor cotizado.

Cita:
"Es una película contagiada de la fiebre neorrealista de
entonces, pero que al mismo tiempo quiere ser un
discurso moralista sobre los peligros que el
materialismo propicia en el mundo moderno".
(Fernando Méndez-Leite. "Historia del cine español en
100 películas". Supez, 1975).
"Balarrasa" es un gran éxito popular y económico,
convirtiéndose en uno de los títulos más significativos
del cine seudorreligioso de los años cincuenta. Sin
embargo, el film era mediocre, lleno de latiguillos
moralizantes y con abuso de recursos sensibleros".
(Ángel A. Pérez Gómez y José L. Martínez Montalbán.
"Cine español 1951-1978. Diccionario de directores".
Ediciones Mensajero, 1978).

1951: Comedia: BLANCO Y NEGRO : 98 min.
Productora: Suevia Films.
Productor: Cesáreo González.
Director: Ramón Torrado.
Guión: Ramón Torrado.
Fotografía: Víctor Herrera.
Música: Jesús García Leoz.
Decorados: Enrique Alarcón.
Montaje: Gabi Peñalba.
Intérpretes: Jorge Mistral,  Fernando Fernán Gómez,
Antonio Casal,  Carmelita González,  Helga Liné,
Fernando Fernández de Córdoba,  María Isbert,  Félix
Fernández,  Xan das Bolas,  Antonio Riquelme,  Beni
Deus,  Fernando Aguirre.

Sinopsis:
Tres alumnos de la Escuela de Paracaidistas, Alberto,
"Zanahoria" y "Jabato", visitan a menudo el parador
cercano, regentado por Irene. Irene esta saliendo con
Alberto, ante la desesperación y celos de Donato, un
poeta, que tambien está enamorado de ella. Alberto,
por una broma de sus compañeros, asiste a un baile
junto con Nati, e Irene acude con Donato. Los celos
amenazarán la amistad entre los camaradas.

Comentario:
"La trinca del aire" es un intento de Román Torrado de
repetir el éxito logrado con "Botón de ancla", en 1947,
el mayor triunfo comercial de su autor. La acción se
traslada ahora en la Escuela de Paracaidísmo, pero el
éxito no se repitió.