Reunir los carteles para confeccionar este post sobre el cine de Ciencia Ficción clásico, me ha resultado de lo más difícil, y no me lo esperaba.

Normalmente, cargo carteles de mano de mi propia colección, o si no los poseo o localizo, de los que circulan por internet, y normalmente también, no tengo problemas para encontrar lo que busco.

Pero esta vez, si. Cierto que en este género me he remontado a lo primero que se hizo en cine, y ya contaba con no tener yo los programas, y menos, saber si lo que me bajase eran los originales del estreno en España o no. Finalmente he encontrado todos los de las películas que me había propuesto incluir (que por cierto he tenido que partir en dos post, este que cuelgo hoy, y otro que dejo para dentro de unos días), pero, como he dicho, sin tener la certeza en algunos de esta primera entrega, de si son los originales, y en otros, teniendo la de que no, al pertenecer a estrenos de otros países. Los tamaños tampoco son los que me gustaría haber colgado, sobre todo en los carteles del principio, pero son los únicos que he conseguido localizar.

”Viaje a la Luna”, la realizó Georges Melies en 1902, y todos los que hemos tenido la oportunidad de verla, no podemos dejar de sorprendernos del despliegue imaginativo e innovador de este pionero del cine.

En el cartel, la redonda cara de nuestra luna, y en uno de sus ojos, incrustada la nave-bala que porta a los viajeros siderales de principios del siglo XX. Entrañable.

“Metrópolis”, de Fritz Lang, data de 1927, y presenta un futuro pesimista situado en el entonces aún lejano, año 2000. Esta mítica película sigue siendo de imprescindible visionado para cualquier amante del cine, que podrá apreciar su apabullante estética, que marcó pautas para posteriores films.

El robot, réplica de la protagonista del film, María, es el que como casi siempre protagoniza el cartel.

James Whale dirigió en 1933 esta joya del cine fantástico y ciencia ficción, titulada “El hombre invisible”, basada en la novela de H.G.Wells del mismo título, narra la historia de un científico (Claude Rains) que consigue la formula de la invisibilidad. Narrada con un ritmo trepidante, todavía hoy es un deleite verla.

El cartel en esta ocasión, presenta diversas partes de la película, y da una idea sobre su contenido.

“Muñecos infernales”, de 1936, fue dirigida por Tod Browning, quien ya había dado muestras de su buen hacer en 1931 con su “Drácula”, protagonizada por Bela Lugosi, y la magistral “Freaks” (La parada de los mónstruos), que realizó al año siguiente.

“Muñecos infernales” es la historia de una venganza, protagonizada por Lionel Barrymore, que ofrece una excelente interpretación de su personaje. Browning, para esta, casi la más relegada (inmerecidamente) de sus películas, realiza un despliegue de efectos ópticos, que aún hoy en día, resultan asombrosos.

La foto de Barrymore disfrazado de mujer, es casi la protagonista del cartel, pero es la imagen de la joven que aparece a la derecha, “vigilada” por otro Barrymore, la que pone más en la pista sobre el contenido del film.

Rudolf Mate dirigió “Cuando los mundos chocan” en 1951. Un clásico de la ciencia ficción que he vuelto a visionar hace unos días, influenciada por la reseña de mi compañero de blog, Phibes. Si queréis ampliar vuestra información sobre la película, pinchad sobre el título, y podréis leer esa reseña.

En esta ocasión, el catastrofismo mostrado en el cartel, si que daba una idea concreta sobre lo que se iba a ver en el film.

Ese mismo año se realizó “Ultimátum a la Tierra”, dirigida por Robert Wise. Otro clásico imprescindible, y del que también podréis obtener más información, pinchando en el título.  En diciembre de este año, se estrenará un remake dirigido por Scott Derrickson, y protagonizado por Keanu Reeves.

En el cartel, el robot Gort, mudo co-protagonista de la película, y la “chica asustada”.

1951 fue prolífico en films de ciencia ficción de gran calidad, y que pasarían a convertirse en clásicos, porque también de ese año es, “El enigma de otro mundo” (“The Thing”), dirigida por Christian Nyby, no muy conocido como director para la pantalla grande, pero si por sus trabajos en series conocidas e importantes de televisión. "El Fugitivo", "Bonanza", o "Kojak", se rodaron bajo su tutela. Su calidad como director la demostró con esta película (aunque siempre se ha dicho que en la sombra, su productor, Howard Hawks, fue el artífice de su resultado final), por la cual no ha pasado el tiempo, y que resulta tan ágil, intrigante y opresiva como cuando se estrenó. John Carpenter, en 1981 hizo un excelente remake de ella, titulada esta vez en su traducción al español: “La cosa”.

El cartel que cuelgo es de una edición de DVD, no de los más afortunados para dar una idea del contenido de esta magnífica película.

En 1953 se realizó “La guerra de los mundos”, adaptación de otra de las novelas de H.G. Wells, y la dirigió Byron Haskin. Quince años antes, un joven llamado Orson Welles, había desatado el pánico en los estados de New Jersey y Nueva York, con una realista producción radiofónica, en la que supuestamente esos estados estaban siendo atacados por naves alienígenas. Si bien la película no impactó de igual manera en los espectadores en el tiempo en el que se estrenó, sus efectos especiales eran notables (ganaron un Oscar en la edición de aquel año), y aún hoy en día, es una gozada ver esta película, que sin los medios a los que se recurre ahora, te mantiene pendiente de lo que sucede en la pantalla. El año 2005, Spielberg hizo una nueva versión de la novela.

El troquelado si que es el original que se repartía en los cines de España para su publicidad, en el año en que se estrenó. La nave extraterrestre, con su “brazo-lámpara” que dispara terribles rayos mortales (muy similar a la lámpara de mi dentista, y que siempre que me sitúo debajo de ella, me recuerda a la película y me hace sonreír).

Un año más tarde, en el 54, Gordon Douglas dirigió “La humanidad en peligro”, otro film que ha pasado a ser un clásico del género al que hoy dedico esta sección. El peligro en esta ocasión lo representan las hormigas, mutadas en su tamaño después de un experimento nuclear, y convertidas en verdaderos monstruos ansiosos por acabar con los humanos. Después de más de medio siglo, sigue también resistiendo visualizaciones en el presente.

Tampoco en esta ocasión he conseguido el programa original español, pero este daría una idea de lo que iba a verse, aquí o en USA.

“La invasión de los ladrones de cuerpos”, basada en la novela de Jack Finney, y dirigida por Don Siegel, es de 1956. La más oscura e inquietante, y la mejor de las cuatro adaptaciones que en diferentes décadas se han hecho de la novela (“La invasión de los ultracuerpos” (1978), de Philip. Kaufman, con una obra muy digna, pero por debajo de la de Siegel, “Secuestradores de cuerpos” (1993), de Abel Ferrara, esta por debajo de la de Kaufman, e “Invasión” (2007), dirigida por Oliver Hirschbiegel y James McTeigue, la peor, y muy olvidable). Con mucho talento, escaso presupuesto, y sin efectos especiales, Siegel da lecciones de como se puede crear tensión en el espectador, e incluso despertar miedo. Algo roba los cuerpos y las mentes de los humanos… Escalofriante.

Ese cartel con la pareja central que huye, nunca pudo dar a los espectadores de entonces ni la más mínima pista sobre lo que realmente iban a ver.

De momento, esto es lo que hay.  Y quedan pendientes las películas que se rodaron a partir de 1956, hasta como siempre, 1970. 

Swanson   

El paso de los años varía indefectiblemente la visión que tenemos de muchos aspectos de la vida. Como éste no es un espacio dedicado a la filosofía, no voy a elaborar (además, tampoco podría) toda una teoría sobre el tema, sino que voy a aplicarlo al mundo del cine.

Es habitual, en el caso de la televisión, que series o programas que nos impactaron en una determinada época, pierdan fuelle con el tiempo y, si las o los contemplamos ahora, la mayoría suelen decepcionarnos mientras nos lanzamos la pregunta: “¿y a mí me gustaba esto?”

En el cine suele ocurrir lo mismo cuando se trata de películas que envejecen muy mal, pero también puede suceder todo lo contrario y puede, además, que nos fijemos en otros aspectos que nos habían pasado desapercibidos en un primer visionado.

El otro día tuve la oportunidad de volver a ver “Cuando ruge la marabunta” (1954) de Byron Haskin, uno de esos clásicos de aventuras a los que much@s accedimos a través de aquellas añoradas sesiones de cine de la tarde de los sábados cuando, todavía, podía verse algo decente en la televisión.

Debo confesar que la primera vez que me enfrenté a la trama no me interesó demasiado la turbulenta historia de amor entre los protagonistas, sino que mi foco de atención se dirigió a esa plaga devastadora de hormigas asesinas (ya puestos, no me importa reconocer que, de niña, me causaban pánico los ataques masivos de “bichos”). Sin embargo, años más tarde, las evoluciones de Christopher Leiningen y su recién estrenada esposa Joanna han llamado mucho más mi atención.

Christopher Leiningen (Charlton Heston) es un joven terrateniente norteamericano que, en 1901, posee una inmensa plantación de cacao en plena selva amázonica. Hecho a sí mismo, solitario, huraño, machista y dominante, se jacta continuamente de haberle arrebatado al río y a la jungla las tierras de las que ahora es dueño y de haber conseguido civilizar a los indígenas que trabajan para él. Ante la necesidad de tener un heredero al que legar sus posesiones, Leiningen decide casarse por poderes con Joanna Shelby (Eleanor Parker), una mujer de fuerte personalidad que no se dejará amilanar por el rudo carácter de su esposo ni por lo inhóspito de la zona ni por las crueles costumbres de los nativos.

El enfrentamiento entre ambos personajes se radicalizará cuando el terrateniente, que todavía es virgen, se entera de que Joanna es viuda y es rechazada de plano por este hecho. Este concepto de lo “usado” y de lo “nuevo” dará lugar a un diálogo memorable en el que se utiliza un piano a modo de metáfora:

LEININGEN:—Señora… Ha visto usted mi casa, tardé siete años en construirla, un auténtico milagro en el corazón de la selva. La gente se reía de mí, de mi afán por conseguirla, pero yo no hice caso, quería rodearme de las cosas hermosas de la vida. Crear una familia y poder ofrecerle una casa de la que me sentí siempre orgulloso, en unas tierras que arrebaté a la selva y al río sólo con mi voluntad. ¡La única exigencia que yo imponía era que todo cuanto subiese por el río fuese nuevo, que valiera la pena! ¡El piano ante el cual se sienta jamás fue abierto por nadie antes de su maldita llegada!

JOANNA:—Si usted supiera más de música, se daría cuenta de que un piano suena mejor cuando se ha tocado. Este no es un buen piano…

La amenaza de la llegada de la marabunta (ese ejército de hormigas soldado que todo lo destruye) y su posterior ataque servirá para que ambos protagonistas vayan modelando sus impulsos y aceptándose hasta consumar su matrimonio.

“Cuando ruge la marabunta” se divide, por tanto, en dos partes claramente diferenciadas: la historia de amor-odio entre la pareja protagonista y la invasión de las hormigas.

En la primera podemos disfrutar de la tensión sexual que se establece entre los dos personajes: una guapísima Eleanor Paker despliega todos sus encantos femeninos ante un virginal, arrogante, “masculinísimo” y algo desgarbado Heston que reprime sus impulsos hasta la extenuación. En este sentido es magnífica la escena en la que Joanna solicita a Christopher que le extienda una loción contra los mosquitos. La mirada cargada de deseo que ambos mantienen durante unos minutos es altamente erótica y evidencia esa tensión antes mencionada.

Mientras se plantea y resuelve el conflicto amoroso, Haskin va dosificándonos pistas sobre una terrible amenaza que desconocemos manteniendo así la intriga y nuestra curiosidad. Cuando se inicia la segunda parte de la película, descubrimos cuál es la cruda realidad y asistimos a los vanos intentos de Leiningen por salvar su plantación. El apoyo que su esposa le dará en todo momento contrastará con el pánico que mostrarán los nativos (película clásica=indígena miedoso y tonto), aunque la valentía de Joanna conseguirá que permanezcan al lado de su amo para luchar contra la marabunta: una especie de “castigo” de la naturaleza ante la soberbia de un hombre que profanó la selva en pos de su ambición.

No es difícil observar claras concomitancias entre esta película y “La senda de los elefantes” (curiosamente también rodada en 1954) de William Dieterle. En esta última también los protagonistas deberán luchar contra un medio salvaje (en esta ocasión una plantación de té en Ceilán) y afrontar el ataque de la naturaleza (una epidemia de cólera, la sequía y una manada de elefantes fuera de sí). No debemos olvidar, finalmente, a la joven esposa (Liz Taylor) que se traslada, tras su boda, a la plantación de su marido (Peter Finch) que la ignora en un primer momento.

Byron Haskin (también responsable de la recordada “La guerra de los mundos” en 1953) sabe mantener tanto el pulso interpretativo-sexual de los protagonistas como el referido a la marabunta con algunas escenas que resultan del todo creíbles. Y, aunque vista hoy en día puede presentar algunos aspectos anacrónicos y contener los tópicos habituales en este género de películas, para mí sigue siendo aquella exótica aventura que me hizo disfrutar en una tarde de sábado.

Para ver la ficha de la película, pinchad aquí

Briony  

Direção: Byron Haskin

Roteiro: Barré Lyndon

Elenco: Gene Barry, Ann Robinson, Les Tremayne, Robert Cornthwaite, Sandro Giglio

É bacana ver filmes antigos e reparar como a forma de se filmar mudou bastante com o passar dos anos, independente se foi para a melhor ou para a pior.

Esse Guerra dos Mundos é o de 1953, então muitas coisas nele podem hoje parecer ridículas, mas que para a época era um avanço danado. Os efeitos são bem bobinhos e certas horas bem feios, mas em sua maioria ainda é melhor do que muita coisa feita atualmente, mas para a época eram tão a frente que levaram um Oscar por eles. Outro ponto bacana é a diferença no tipo de atuação, as vezes muito caricata e com feições bem exageradas. Até as tomadas de cenas são diferentes e com cortes mais secos.

A história é basicamente a mesma do filme do Spielberg, começa com um narrador falando dos marcianos e termina com ele falando dos germes e bactérias. Um grupo de máquinas de destruição vindas de Marte, caem na Terra e vão aos poucos eliminando tudo o que vêem pela frente, seja animal, vegetal ou mineral. Aqui o narrador tem um papel maior e explica melhor as coisas, contando o porque dos marcianos atacarem a Terra e deixa bem mais claro no final quem foi que salvou o planeta. A ação demora um pouco a ocorrer, não é tão intensa, as máquinas não emitem sons assustadores, não tem o "adubo humano" e por mais que critiquem o Spielberg, aqui também tem baboseira sentimental, com o acréscimo de uma ladainha cristã.

Em dois momentos temos cenas parecidas, a do porão da casa na fazenda e no final, quando a nave se abre e o ET cai morto.

É um bom filme e um bom exercício para observar as diferenças na forma de se contar uma história.

P.S. Se alguem achar o livro ou até mesmo um e-book, por favor, me avise. De preferência em português!!