Y es que este disco, junto con otros de Jean Michel Jarre como Oxygene o Zoolook, es uno de esos álbumes que resisten perfectamente la prueba del tiempo y, como los buenos vinos, adquiere más fuerza y solera a medida que pasan los años.

Quizá estemos ante el más fino trabajo de arte en toda la carrera de Jean Michel Jarre; quizá nos encontremos ante el momento más brillante de su carrera y el de más inspiración.

Tras un deslumbrante "debut" masivo con Oxygene, en 1976, todos los ojos estaban puestos en Jarre para ver (o más bien oír) cómo iba a ser su "segundo" disco (en realidad era el cuarto, pero los dos primeros discos, Deserted Palace y la BSO de la película Les Granges Brulees, de 1972 y 1973 respectivamente, no los conocía ni su mismísimo padre), y resulta que deslumbró a propios y extraños sacándose de la manga una vuelta de tuerca del Oxygene, pero con sonidos, ritmos, texturas y melodías que, si bien ya quedaban bien perfiladas en Oxygene, dejaban asombrados al oyente al reparar en el perfecto equilibrio entre belleza y técnica que Jarre llegó a conseguir con Equinoxe.

Y encima, estaba de moda la era espacial, la new age y toda esa movida, por lo que mucha gente quiso ver una relación entre el espacio y la música de Equinoxe, y ciertamente existe esta relación (en un principio, este disco iba a llamarse Venus), aunque Jarre compuso este disco inspirándose en las 24 horas de un día, y reflejando en cada una de las 8 piezas de las que se compone el álbum un momento específico del día y de la noche.

En muchas ocasiones Jarre ha dicho que con sus discos siempre ha tratado de realizar "paisajes sonoros" y vive Dios que, con Equinoxe, Jarre consigue este cometido con creces. Simplemente hay que cerrar los ojos y verdaderos "paisajes sonoros" desfilan por tu mente, tan evocadora es la escucha de este disco. Es un poco como si estuvieras oyendo un cuadro impresionista, en vez de viéndolo...

Otra cosa que llama la atención de Equinoxe es la magnífica portada elegida para ilustrar el álbum; se trata de una obra pictórica de Michel Granger que representa a una caterva de tipos, todos clónicos, mirando por unos prismáticos a lo que viene a ser una especie de escenario. En mi opinión, una de las mejores portadas que he visto para ilustrar gráficamente un álbum.

No es mi intención con este artículo el realizar un análisis concienzudo del disco tema por tema, ni tan siquiera recomendaros que lo escuchéis, sino que ésta es únicamente mi particular celebración y homenaje a un disco tan especial y de tanta importancia para mí, y que suena tan fresco como si se hubiera grabado ayer mismo.

Qué suerte que este disco sea inmortal, que haya envejecido tan bien y con tanta dignidad (cosa que, lamentablemente, no se puede decir de su autor) y qué gran fortuna haber podido deleitarse con miles y miles de escuchas (y las que quedan) de Equinoxe.

Vale que la música tiene un alto componente de relativa abstracción, al ser, como se sabe y como más o menos decía mi amigo Saqman, ondas sonoras que se transmiten a través del aire con una determinada frecuencia sujetas a leyes matemáticas. Y al no ser algo que veamos o podamos tocar, pero que nos provoca las más diversas reacciones, podemos llegar a relacionarla con la magia. Lo verdaderamente mágico es nuestra interiorización y lo que sentimos o imaginamos a través de ella.

Muchos aficionados a la música hemos pasado por la fase en la que rechazamos a Bach, Mozart, Beethoven... precisamente porque son ellos. Pensamos: "Son grandes músicos, pero no será para tanto... Hay un poco de exageración y mitificación, etc." Al final, y no por "obligación" o fama, sino por la felicidad que nos provocan, volvemos a ellos. Y es que cuanto más escuchas su trabajo menos envidia o frustración sientes.

Un compositor actual comentaba en una entrevista en la radio que le habían encargado una obra para ser estrenada en el plazo de un año. Él alegaba que era imposible, que no le daba tiempo. Bach tenía una semana para componer, escribir y ensayar cada una de sus cantatas. De domingo a domingo tenía que presentar una nueva para la semana litúrgica que correspondiera.

Murió por la infección provocada por una malograda intervención de cataratas, cuando ya apenas veía. Y es que componer hasta las tantas de la noche a la luz de una vela no puede dejar de pasar factura. No tenía tiempo de mirar a la pared o por la ventana buscando a una musa que le inspirara, y dejarse llevar por la emoción de un descubrimiento que nos hiciera sonreir de asombro a sus futuros oyentes... Además, ni se imaginaba que casi trescientos años después se le iba a seguir escuchando, estudiando, analizando y considerando uno de los pilares en la evolución de la música occidental. Al fin y al cabo, sólo era un artesano.

Y esta "moda retro-guay" también la sufrimos en el mundo del cine. Y si no, ved cómo nos han vuelto a visitar Indiana Jones y John MacLane, dos de mis héroes de mi más tierna juventud, a los cuales he tenido que ver en unas películas que suponen un regreso de lo más discreto y prescindible...

Y lo que es peor, que amenazan con seguir socavando nuestros recuerdos ochenteros y de principios de los 90 con más regresos: El mencionado RoboCop, Goonies 2, e incluso se ha oído de Regreso al Futuro...

Por una parte, a los que somos nostálgicos de una época, estos regresos, mientras se están gestando y preparando, nos alegran bastante, esa emoción de volver a ver a tus héroes, musicales o cinematográficos una vez más, esperar con expectación lo que te pueden ofrecer, volver a sentir ese hormigueo ante un estreno, un disco o un concierto... Pero por otra parte, todo se te viene abajo cuando ves o escuchas la nueva propuesta de tus ídolos juveniles y te das cuenta que tú ya no tienes 17 años y que John MacLane ya no fuma, que le cuesta decir "yipi-yai-yey hijo de puta", que a Indy le pesa el látigo una barbaridad y que sus aventuras rozan el ridículo, que un tío feo canta las canciones que debería cantar Freddie y que un gordinflas que se parece a Super Mario Bros intenta imitar el inconfundible bajo de John Deacon mientras suena "Another One Bites The Dust".

Porque toda esta gente no vuelve para hacernos felices a unos cuantos treintañeros o para hacernos recordar todas estas sensaciones, sino que vienen a llevárselo crudo, a sacarnos la pasta gansa, a tangarnos, en definitiva, y a aprovecharse de nuestra nostalgia y nuestros recuerdos. Profanan, con su vuelta, una parte muy íntima y personal de nuestras vidas. Y lo peor es que los tontainas como yo picamos en su juego y vamos a verles.

Y es que, casi siempre, es mejor dejar a nuestros ídolos juveniles descansar en paz, no despertarlos y quedarnos con el recuerdo de las sensaciones que nos hicieron vivir en tiempos. A veces, cualquier tiempo pasado sí que fue mejor.

Así pues, ¿cómo podía un músico en tal ambiente desarrollar un trabajo que no se quedara en la anécdota del momento político-histórico y consiguiera trascender a lo largo de los años hasta llegar a tener el prestigio de este hombre? ¿Y sobre todo, desarrollarse libremente a sí mismo como músico? Pues “con musho arte y con musho arrojo”. O mejor, siendo un auténtico maestro del subtexto, como lo atestiguan, por ejemplo sus 7ª y 9ª Sinfonías, un ejemplo de bofetada artística al fascismo, pero como él mismo decía: “a los dos fascismos”. La 7ª no es, como oficialmente se aceptaba, una sinfonía dedicada sólamente al pueblo ruso asediado por las tropas alemanas, resistiendo estoicamente el envite, sino en general a las víctimas que cayeron tanto a manos de Hitler como del propio Stalin. Y la 9ª no es sino una parodia artificiosa y extremadamente espectacular, fuegos artificiales que no ensalzan al poder militar sino que más bien se ríen de él. Una bofetada tras otra aceptada de buen grado por el régimen. Un torero, vamos.

Pero no es alegría lo que siente Dimitri, es una terrible tristeza, artística y humana. En dos ocasiones fue acusado de ir en contra de los intereses del régimen (lo que le costó a algún compatriota suyo la deportación e incluso el fusilamiento), le fue retirado temporalmente su sueldo, fue humillado públicamente en el periódico “Pravda”, fueron censuradas algunas de sus mejores obras e incluso tuvo que aguantar que a su hijo en el colegio le obligaran a reconocer que su padre era un traidor.

Se sigue discutiendo si su posterior “claudicación” durante los años en que vivió Stalin fue un acto de cobardía o un intento simplemente de subsistir en un entorno tan complicado. Si queréis que os diga mi opinión: un par de cojones. Entre otras cosas porque el resultado de su obra está cargado de dobles intenciones, frustración e ironía a la vez. Y también porque se habla mucho desde fuera, desde lejos, sin sufrir en primera persona los avatares de tal situación, el aguante de tanta estupidez.

He estado tentado de utilizar alguna de las fotos de sus últimos años, donde expresa en su mirada una tristeza profunda, resultado de tantos años de resignación, pero he preferido utilizar ésta última, más joven, en la que parece decirnos con la cabeza apoyada en la mano. “¡Qué paciencia, madre mía!”

Sin desmerecer a Williams, encontraréis en su serie de quince sinfonías retazos de “Parque Jurásico”, “Indiana Jones” y “La Guerra de las Galaxias” (no en sus temas principales, sino en cortes de música incidental) con gran riqueza rítmica y contrastes tímbricos que hacen muy entretenida su audición.

Casi más interesante es su música de cámara, guardada durante años en su escritorio, por ser impensable su publicación en su momento. Indispensable para cualquier buena tarde de toros.

En esta ocasión nos acordamos ni más ni menos del genial Giorgio Moroder. ¿Y quién es ese, me pregunta más de uno? No conocer a este compositor, productor, arreglista y cantante hollywoodiense supone una gran lacra en la culturilla popular de cualquier aficionado al séptimo arte. Y es que el compositor italiano fue un auténtico crack en eso de componer sintonías punteras para series de los ochenta y, sobre todo, canciones originales para blockbusters de la época.

Moroder jamás destacó por deleitar al público con composiciones cuidadas, con buenos arreglos y grandes producciones. Más bien al contrario. Se dejó llevar por el factor hortera de los ochenta y recargaba cualquier tema con sonidos sintetizados, cuyas melodías encajaban a la perfección con cualquier feria ambulante que se preciara. Sin duda fue el preferido de los dueños de los "coches de choque" en las ferias y los cacharritos. A excepción de los Modern Talking, que esos sí que conformaban la melodía del Canguro, la Olla, el Tren de la Bruja y el Látigo. Pero bien es cierto que Moroder tuvo que ser una persona cuya presencia inspiraba gran confianza y afabilidad, porque si no me es imposible explicar como autores de la talla de Oliver Stone, Brian de Palma o Sylvester Stallone confiaron sus películas al talento del productor. Si tuviera que hacer una comparación, diría que Moroder podría ser el Luis Cobos de Hollywood.

Así, de pronto, me viene el primer tema que escuché: "Chase", de la película "El Expreso de Medianoche". Un tema musical lleno de ritmo, de intensidad dramática que a día de hoy todavía resulta interesante, y que ha servido de cara B para cualquier Synthesizer Greatest que circulan por las gasolineras de Albacete. Sin embargo este tema ha envejecido con dignidad, no como otros.

Por otro lado, Moroder se puede calificar como el clásico autor cuyas canciones son mundialmente conocidas, pero que nadie reconoce por la calle ni le pide autógrafos y, lo que es más, en hollywood seguro que ni le invitaban a un disparillo de coca de vez en cuando. Una magnífica película como "El Precio del Poder", que actualmente puede revisitarse como si no hubiera transcurrido ni un día desde su estreno, se ve chafada por la horterada de música sintetizada del compositor de Ortisei. Ahora, ver a Tony Montana hablar de sus cojones queda un poco deslucido ante los "cchhrraaawwwwnnnn trwrrrooowwwn" del teclado del buen amigo Giorgio. Pero bueno, hay que reconocer que este film supuso un punto de partida genial que le llevaría a conocer el éxito en temas como "What a Feeling" de "Flashdance", o "Fame", de la película homónima. Es entre 1983 y 1987 cuando Moroder se puede regodear de haber alcanzado el cénit de su carrera. A los temas anteriores se le suman hits como "Take My Breath Away" de esa ridiculez titulada "Top Gun", o los temas principales de "Quicksilver", "Electric Dreams" o el score de "La Historia Interminable".

Moroder incluso obtiene un Oscar (cuando los premios de la Academia significaban algo) en 1987 por su tema principal en la película profascista de Tom Cruise antes mencionada. Pero, como suele suceder con dichos galardones, a partir de su obtención, la carrera del compositor entra en decadencia. Sobre todo cuando un Stallone en sus momentos más horteras le contrata para escribir el tema principal, y la música, de un film tan insufrible como innecesario, que se tituló aquí (y sabe Dios por qué) "Yo el Halcón". Y no sólo eso, sino que la experiencia le debió suponer gratificante, porque Moroder repetiría con el anabolizado actor en la película más greñuda que jamás he visto: "Rambo III", secuela de "Rambo" a secas.

Desde entonces, Giorgio Moroder vive prácticamente retirado, aunque ha sido convocado de vez en cuando, pero siempre con un carácter autoparódico, como por ejemplo en "Zoolander". Sin embargo, el Sombrerero Loco también creció con la música de este genial aunque a veces maldito compositor que, con un PT-1, consiguió hacer bailar a medio mundo y que las chicas llevaran calentadores en las piernas. Y eso que el pavo era un hortera de tomo y lomo. Vean, vean la foto adjunta...

"4 de septiembre 1765. Los Mozart pasan un mes en Lille, y luego viajan a La Haya vía Gante, Amberes y Rotterdam. Los dos niños caen enfemos, sucesivamente, aquejados de fiebre tifoidea intestinal."

"...de allí parten para Brno el 23 de octubre de 1767 . Se dirigen luego a Olmütz, donde Mozart contrae la viruela."

27 de julio 1778. El barón Grimm escribe desde París al padre de Mozart:"Es demasiado confiado, perezoso e influenciable, y no muestra interés alguno por los medios que pueden llevarle a hacer fortuna. Para causar impresión aquí, uno debe mostrarse astuto, emprendedor y audaz. Para triunfar, le bastaría la mitad de su talento, pero necesitaría el doble de sagacidad."

"En ese mismo año compone coros, conjuntos y arias, ocho piezas voluminosas para un miserere de Holzbauer que se deberá representar en el concert spirituel... gratis, por habérselo pedido el director de esos conciertos, Le Gros. Compone para los cuatro músicos de Mannheim que se hallaban al mismo tiempo en París, una sinfonía concertante para flauta, oboe, trompa y bajón, pero en vano, pues Le Gros no da ni si quiera poblicidad a esta maravillosa obra. Escribe para el célebre Noverre, teórico del ballet que alegaba tener influencia sobre el director de la Gran Ópera (De Vismes) música para un ballet, Les Petit Riens, trece piezas de orquesta, en parte muy extensas, otra vez gratis".

"3 de abril 1781. En el teatro Kärntnerthor de Viena, Mozart hace su presentación pública como compositor y pianista en un concierto a beneficio de la fundación de ayuda a los músicos."

"9 de mayo 1781. Mozart disputa con el arzobispo de Salzburgo y al dia siguiente presenta su dimisión al mayordomo jefe, conde de Arco."

"9 de junio 1781. Mozart es literalmente arrojado del palacio arzobispal por el conde de Arco."

"15 de diciembre de 1781. Mozart escribe a su padre que se propone casarse con Constanze Weber. La boda tendría lugar el 4 de agosto del siguiente año. En ese tiempo, y sin contar con un empleo fijo, no consigue ganar suficiente dinero para mantener a su familia."

"El 17 de junio de 1783 nace el primer hijo de los Mozart, Raimund LEOPOLD, pero muere en casa de su ama, en Viena, el 19 de agosto."

"...para el compositor aún no había llegado el tiempo de ser considerado como mucho más que un empleado, y se requería un cambio en la sociedad..."

"...ignoramos si Mozart estaba ya metido en deudas en estos años, pero lo cierto es que en un tiempo no muy posterior, muchas veces se vió perseguido por sus acreedores. Después de pocos años, era un fracasado, en cuanto a artista libre..."

"11 de febrero de 1785. Mozart solicita ingresar en la mutua de los músicos, pero se le rechaza porque no puede presentar su certificado de nacimiento".

"18 de octubre de 1786. Nace el tercer hijo de los Mozart, Johan LEOPOLD. Muere de difteria el 15 de noviembre."

2 de diciembre de 1787. Franz Joseph Haydn rechaza un encargo para componer una ópera en la ciudad de Praga a favor de Mozart: "Me indigna que a Mozart, que es único, no se le haya ofrecido aún un cargo imperial o en alguna corte regia. Disculpadme si me extralimito, pero ¡aprecio tanto a ese hombre!"

"7 del mismo mes. Mozart es nombrado músico de cámara de la corte de Viena, con un sueldo excepcionalmente bajo: 800 gulden (por el mismo cargo, a Gluck se le habían pagado 2.000)."

"27 de diciembre de 1787. Nace el cuarto hijo de los Mozart, una niña a la que llamarán Theresia. Sólo vivirá seis meses."

"9 de mayo de 1791. A Mozart se le nombra director musical ayudante, sin retribución, de la catedral de San Esteban, de Viena. Se le promete la plaza de director cuando quede vacante."

5 de diciembre del mismo año. Mozart a Sophie Weber, hermana de Constanze: "Ya siento el sabor de la muerte en mi lengua. Si tú no te quedas, ¿quién cuidará de mi queridísima Constanze?" Esa misma noche, le dice a su esposa que mantenga en secreto su muerte hasta que se lo hubiera comunicado a Albrechtsberger, pues la plaza (en San Esteban) debía ser para él".

Franz Joseph Haydn a LEOPOLD Mozart:"Pongo a Dios por testigo y empeño mi palabra de hombre honrado de que vuestro hijo es el más grande compositor de cuantos he conocido, personalmente o de nombre."

"Nacido con un temperamento ardiente y vivaz, afecto a las diversiones sociales, me vi obligado a aislarme, a vivir en la soledad, tratando de olvidarme de todo esto."

"Todos debemos abandonar los prejuicios y hasta frecuentar las diversas iglesias y mezquitas, pues en todos estos lugares de adoración se menciona el nombre de Dios. Ya que todos se reúnen a fin de adorar a Dios. ¿Qué diferencia hay?"

"No hay regla que no se pueda romper a causa de aquello que es más bello."

"No reconozco otro signo de superioridad que la bondad."

"Nunca rompas el silencio si no es para mejorarlo. El silencio es virtud de pocos."

"Me apoderaré del destino agarrándolo por el cuello. No me dominará."

"La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me siento obligado a realizar".

"Esto solamente puede decirse con el piano."

"Hacer felices a otros hombres: no hay nada mejor ni más bello."

"Hay momentos en que me parece que el lenguaje no sirve todavía absolutamente para nada."

"Quien comprenda realmente mi música por eso mismo debe sentirse libre de todo el sufrimiento que el resto de los seres humanos soporta."

"¡Actúa en vez de suplicar! ¡Sacrifícate sin esperanza de gloria ni recompensa! Si quieres conocer los milagros, hazlos tú antes. Sólo así podrá cumplirse tu peculiar destino."

Se suele decir que el desarrollo progresivo de su sordera y, como consecuencia, su retirada de la vida pública y de los ambientes musicales de su Bonn natal y de Viena, además de relegar su actividad como pianista a un segundo plano y obligarle a concentrarse más en la tarea de la composición, le facilitó el aislamiento y la frustración necesarios para dar uno de los pasos más gigantescos en la evolución de los estilos musicales. Cuando se "sabía" con seguridad que Mozart y Haydn habían llevado la música a sus más altas cotas de perfeccionamiento, este hombre provocó, prácticamente solo, los cambios necesarios para que las nuevas corrientes intelectuales tuvieran su respaldo también en la música y los siguientes compositores del romanticismo tuviesen los cimientos sobre los que construir sus obras.

A nuestros oídos del s.XXI no les resultan exageradas ni violentas sus innovaciones. Algunas más bien, ingenuas. Nos quedamos con los temas de obras emblemáticas como la Quinta y Novena sinfonías, el "Para Elisa", el "Claro de Luna", el "Septimino" ("Érase una Vez el Hombre"), o "La Marcha Turca" de "Las Ruinas de Atenas" ("El Chavo del Ocho"), obras que ya en su época, muchas de ellas, tuvieron gran acogida por parte de crítica y público.

Pero los cambios fundamentales los produjeron principalmente obras que no fueron entendidas ni aplaudidas en su momento, que le valieron insultos y burlas del tipo: "¿Cómo va a componer si se ha quedado sordo?" Esa sordera, en la opinión general, se considera el desencadenante de la producción de sus más revolucionarias e influyentes obras.

Pues bien, decir que la sordera fue la que favoreció esa revolución, aparte de cruel, creo que es injusto y subestima su capacidad y personalidad creadoras. Siempre hay que buscar alguna anécdota o un hecho exterior que justifique algo que escapa a nuestro entendimiento. ¡Qué cojones!, si no se hubiera quedado sordo hubiera sido probablemente mucho más revolucionario, hubiera escrito más cantidad de obras, de más calidad, y no hubiera hecho tan titánico esfuerzo en imaginar mentalmente el resultado armónico y tímbrico de sus composiciones, especialmente de las más transgresoras.

Qué manía con quitarle el mérito a la gente, ¡¡¡CARAJO!!!

Chapeau.

La banda sonora de la cuarta entrega del arqueólogo más famoso del cine me ha gustado bastante más de lo que esperaba, teniendo en cuenta los últimos trabajos del maestro de Boston. La estructura musical parte de la establecida en En Busca del Arca Perdida, obviando las otras dos entregas, y se construye, y reconstruye, oscureciendo la partitura original. Es decir, John Williams compone un trabajo muchísimo más oscuro de los habituales en Indy. Temas como Call of the Crystal, o el leitmotif de Irina Spalko son bastante siniestros. Sobre todo el primero, que ha sido trazado como el tema del Arca de la Alianza, pero invirtiendo la secuencia de notas. Algo que resulta adecuado y agradable a oídos del fan pero que, seamos justos, nos hace dudar de si Williams ha vuelto a caer en el autoplagio. Probablemente otro tema agradecido sea el scherzo dedicado a Mutt, muy al estilo del que se dedicó al doctor Henry Jones Sr. (¿será un paralelismo ante la sospecha de que el coprotagonista es en realidad hijo de Indiana?).

Por otro lado, esta banda sonora carece de los elementos melódicos de las tres anteriores. O, visto de otro modo, las melodías son menos asequibles a oídos ajenos a las bandas sonoras. Mucho más difícil de disfrutar fuera del film. Pero esa carencia es equilibrada con una orquestación grandiosa y llena de matices, que resulta una delicia para el oyente. Así pues, temas como The Snake Pit, o Temple in Ruins and the Secret Revealed gozan de una espectacularidad que sobrepasa los registros usuales del compositor. El tema que más me ha sorprendido, The Journey to Akator, es completamente inusual en la filmografía de Williams, un puro tema peruano a base de ocarinas y cuerdas muy divertido y rítmico.

Como suele ocurrir cuando John Williams compone bandas sonoras de este corte, es fácil imaginar las secuencias del film a partir de la musicalidad. El maestro describe a la perfección el tono de la escena, los movimientos de los personajes, que una vez más bailan a ritmo de la música (que grande eres Johnny), y las secuencias de acción. El final del film, y de la saga, está bastante claro a partir de la melodía con que finaliza, y es justo el que los fans están esperando.

A nivel técnico existen varias diferencias con los trabajos anteriores. Supongo que por motivos de salud, John Williams ha decidido no viajar a Londres, y se cambia la participación de la clásica London Symphony Orchestra por la nueva Hollywood Orchestra. Una lástima, pues esta interpretación está muy por debajo de las anteriores. No sólo eso. Si se escucha con detenimiento y auriculares el disco, es posible incluso oir a los músicos pasar página e incluso toser. Unos fallos de grabación que contrastan con la estupenda calidad de sonido, y las dimensiones que alcanza la partitura. Atención al último corte del disco. Los títulos de crédito, como es habitual, repasan los temas principales del film, y acaban con la archifamosa Raiders March. Sólo que esta vez, y a modo de homenaje, el maestro Williams se propone cerrar la saga con una reconstrucción del tema principal, igual y a la vez distinto, que insufla una emoción al oyente que tantos años ha seguido las aventuras de Indy.

Resumiendo, una más que aceptable banda sonora para la última película de Indiana Jones.

Siempre me gustó la historia del escorpión y el cocodrilo. Es sencilla y aparentemente muy tonta. Según la recuerdo, un escorpión le pide a un cocodrilo que le pase al otro lado de un rio. El cocodrilo se niega por miedo a que éste le pique y lo mate cuando lo lleve a sus espaldas. El escorpión le responde que sería una estupidez picarle cruzando el río, porque se hundiría y él mismo se ahogaría. Convencido, el cocodrilo lo sube encima suya y comienzan a cruzar el río. A mitad del trayecto el escorpión le pica. Hundiéndose y agonizando, el cocodrilo le pregunta: "¿Por qué me has picado? Ahora tú también vas a morir". El escorpión, muy tranquilo, le responde: "Ya lo sé, pero no he podido evitarlo. Soy un escorpión. Cada uno es como es..."

Hace más de un año me propusieron realizar la banda sonora para un largometraje dirigido por Antonia SanJuan: "TúEliges". Me sorprendió y, por supuesto, encantó la propuesta. Aparte de realizar música para muchas obras de teatro, algún cortometraje y un documental, nunca pensé en tener la oportunidad de hacer música para una peli. Quienes conozcáis el trabajo de Antonia, en teatro fundamentalmente (autora de la mayoría de sus propios textos) y en cine, como actriz, sabréis que es bastante interesante y comprometida con sus ideas. Sin casarse con nadie es provocadora y polémica. Y muy trabajadora. Doy fe.

Después de una primera toma de contacto con el guión y tras hablar con ella largo y tendido sobre lo que quería hacer, quedaron bastante claros los planteamienos de la música y su función en la película.

Meses después, tras bastante trabajo adelantado en la línea inicial, la película, tras el rodaje y montajes previos, varió bastante en sus intenciones. Antonia no deja de crear y cambiar cosas constantemente. El problema de la creatividad.

Mi trabajo debía variar y cambiar no sólo de estilo sino también de funcionalidad.

Pues eso, como el escorpión. Cada uno es como es...

He pensado muchas veces, desde que le dije a Antonia que me bajaba del tren, si tendré otra oportunidad como ésta. También he pensado que lo poquito que haga se hará a mi manera.

Me quedo sin peli, pero mi música se queda como yo quiero.

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Con el reciente fallecimiento de Diana de Gales como noticia en todas las televisiones, Jarre realizó un mega espectáculo en la capital rusa. Un evento nunca antes visto para commemorar el 850 Aniversario de su fundación.

Visionar a día de hoy el concierto es una grata sorpresa. Los años no han pasado por él, como puede ocurrir con La Defense o Docklands. El show resulta impresionante en todos sus aspectos. Las proyecciones son, cuanto menos, hermosas, y la utilización de las mismas, al ritmo de la música, sublime. Así pues, se pueden ver recreaciones religiosas mezcladas con imágenes actuales, videos sincronizados y alguna que otra diapositiva y efecto laser utilizado en la gira Europe In Concert. Por otro lado, la pirotecnia es de las mejores de los conciertos del músico francés. Sin reparar en gastos, el devenir de explosiones de fuegos artificiales resulta abrumador, además de seguir una coherencia con los temas que suenan, acompañando y a su vez mejorando el impacto visual y auditivo del conjunto. El gigantesco edificio de la Universidad sirve de telón de fondo para la representación de la historia de Moscú a través de los temas clásicos del repertorio de Jean Michel Jarre. El tracklist, además, resulta tremendamente bien escogido. Todavía con Oxygene 7-13 vigente en las tiendas de discos, y aprovechando los temas interpretados en el Oxygene Tour, Jarre consigue quizá las mejores versiones hasta la fecha en canciones como Oxygene 4, Rendez-Vous 2 u Oxygene 13, este último un tema que toca la fibra sensible del espectador gracias a la utilización de coros. El concierto cuenta con sorpresas como el contacto en directo con la estación espacial MIR. No sólo eso. El escenario, como viene siendo habitual en los macroshows de Jarre, está repleto de performances, marionetas, bailarines, etc., todo un espectáculo barrroco al gusto del espectador. Resulta difícil elegir dónde poner la atención. Incluso el tema Souvenir of China cuenta con una introducción adicional dedicada a la mencionada Princesa de Gales.

Estamos hablando de un Jean Michel Jarre en la cúspide de su carrera, pero que muestra ya indicios de una crisis creativa que le llevará hasta la actualidad. Un músico que se entrega en un concierto que es, hasta la fecha, el de mayor asistencia de toda su trayectoria, nada menos que 3,5 millones de espectadores.

Viendo el espectáculo pude sumergirme de nuevo en la pasión con que escuchaba a Jean Michel Jarre en mi adolescencia, cuando el instrumentista francés era el centro de mi panorama musical. Un evento digno de ser recordado y editado en su completitud en BlueRay. Sin duda el último gran concierto de su carrera.

Por eso, afrontaba con una cierta crisis de fe knopfleriana esta gira de 2008, que ha acabado de abandonar España y continúa su periplo por el resto de Europa y USA. Pero el propio Knopfler me ha demostrado que estaba completamente equivocado, con dos bofetadas, una en el concierto de Madrid del 3 de Abril, y la segunda, en la otra mejilla en Atarfe (Granada), el 5 de Abril de 2008.

Knopfler, consciente del alcance musical de su último disco, tocó pocas canciones de 'Kill to get crimson', en concreto dos, y los arreglos que hizo a las mismas hacen que uno se pregunte… “y estas cosas, ¿por qué no las hace en el disco directamente?” Es como si se reservara una parte de su gran inspiración para el directo, para sorprender a su público, que por cierto, abarrotaron ambos conciertos (entradas agotadas desde hacía meses). Arreglos y más arreglos, acertadísimos, haciendo del concierto una auténtica joya de la música, potente pero melódica, sin quitar mérito a los músicos que los acompañan, Richard Bennet, Matt Rollings, Glen Worf, Guy Fletcher y Danny Cummings… partícipes de esta maravilla musical, y en particular al último fichaje, John McCusker, violinista, flautista y todo lo que se le ponga por delante, un auténtico monstruo de la música, que espero siga con Knopfler en sucesivas colaboraciones.

Otro aspecto a destacar, y este es un gesto que ennoblece al señor Knopfler, es que poco a poco va dejando de lado la banda de la que fue su alma, asignando cada vez menos hueco a sus canciones, los grandes clásicos de los Dire Straits. No hace falta tocar ‘Money for nothing’ para calentar al auditorio, pues creo que es consciente de que sus seguidores evolucionan con él, y con ‘Speedway at Nazareth’ se produce el mismo efecto entre el público, o más aún. Las canciones elegidas esta vez fueron un auténtico repaso a su carrera en solitario, que no desmerece en nada a su anterior etapa, a la que homenajeó con temas como ‘Romeo & Juliet’ o ‘Going Home’, pero si tuviera que elegir, me quedo con ‘True Love Will Never Fade’, ‘Hill Farmer’s Blues’, ‘Speedway at Nazareth’, ‘Postcards from Paraguay’ y con las ganas de bromear de Knopfler, de improvisar con su banda, sonriendo al público en todo momento y haciendo sentir a todos, que estaba disfrutando con nosotros.

También quiero agradecer a cierta persona que tuvo la paciencia de aguantar largas horas de cola, y que con su sola presencia a mi lado, pasó a convertir el concierto de Atarfe de un momento precioso a un momento que nunca olvidaré. Gracias chiquitita.

Se acabó la crisis de fe. Y es que nunca tuve que haber dudado del calvo… mea culpa.

PD1: A los auto-proclamados “Seguidores Verdaderos de Knopfler”, que pregonan a los cuatro vientos, que murió, musicalmente hablando, en 1980, les digo que se compren “Alchemy-live” y lo escuchen en su casa tranquilamente, dejando disfrutar de los conciertos a los que evolucionamos con la música de Knopfler, con todas sus cosas buenas y sus mínimas cosas no tan buenas.

PD2: A los que me acusen de que se me ve el plumero… les respondo ya de antemano, “Si, ¿y qué? El blog es mío (bueno, nuestro) y escribo lo que me sale de la pergoleta”.