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Casa Museo Otraparte

Cra 43A N° 27A Sur - 11
Avenida Fernando González
Envigado - Colombia

Teléfonos:

276 14 15 | 335 25 01

Entrada libre

Se puede utilizar el parqueadero del
Vivero La Campiña y El Café de Otraparte.

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Programación concertada:

La Corporación Otraparte trabaja en asocio con:

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If you look at the art world in general it is very rare for a woman to "make it" and to get the recognition her art deserves. In Latin American Art I can only really name Frida Kahlo, Leonora Carrington and Remedios Varo as being well known. Of course there are many more, but I do not believe they have received the same interest from the more general media as those mentioned. And, for the moment, the same is true of the relationship the media has with the work of Debora Arango. Strangely, as for most artists, much of the recognition start to come with their death!

Debora Arango died at the age of 98 in 2005 and was one of Colombia´s female pioneers in the always male dominated world of art. In general I believe that the media in Colombia have been very generous in their recognition of her contribution to the arts and have given her work continual support even after her death in 2005. Indeed, right now her work is being exhibited in the Cabañas Cultural Institute in Guadalajara in Mexico. Why wasn´t an exhibition organized10 or 15 years ago? Well, it seems like in art you have to die before you "make it"!

Why Debora Arango?

So, why is the art of Debora Arango slowly gaining more recognition.Well, (and now here comes the sexist comment and truth) - part of this recognition by the press is directly attributable to the fact that she was a woman who was at the time (1940s) dealing with nudes as well as politics in her art. Both controversial topics for that period and more particularly for a woman to be "discussing" them.

Is this wrong? Is it wrong for the press to have given Debora Arango so much news-space due to the fact that she was a woman who happened to wish to touch on these subjects. Most definitely not, in my opinion, especially when you look at the history of the development of art and the arts in a country like Colombia.

Debora Arango was a ground breaker for women in the arts. She was the Frida Kahlo of Colombia. In any case, I am not sure that had a male artist touched on these themes that there would have been the same outcry but also I do not believe that a male artist could have represented the themes in the way that Debora did. As such - she was simply unique.

The Art of Debora Arango

Technically, I do not see that art created by Debora was at all exceptional. At least I have not seen anything in her work that would lead me to believe so. However, she did have a very well defined style, which is also important in art, that definitely help distinguish her work from other artists. And, she also had the ability to choose some exceptional themes to work with and it is that selection of themes that have allowed her work through a historical perspective to position the artist where she is today.

Few artists in the 1940´s, in Colombia at least, were presenting political and social criticism through their art to the extent that Deborah did. Not only did she comment upon the political and social situations, but also lead the way in presenting the plight of the ordinary woman in the Colombian society of that day.

Debora Arango: The Woman

I only ever met Debora Arango once, at her home in Medellín in November 2002. She would have been around 94 then. Accompanied by her younger sister we had a short talk and then she allowed me to view her beautiful home, still filled with her original artworks and ceramics, and her workshop which, as she admitted, hadn´t been in use for at least a couple of years since she had experienced difficulty with arthritis in her hand during those years.

We talked about the work she created during her "political" years, in the 1940s but she was most proud of a more recent work she had created of one of Colombia´s presidents, Belisario Betancourt, who had been very supportive of the arts and culture during his term in office.

Debora came across as a very serious if not somber person and this was largely reflected in her art . . . I do not remember seeing any work that could be described as frivolous and so I am sure she understood the power of the medium she used as a form of communication rather than as simple fine art.

Perhaps this is because of the time she spent on Mexico working alongside the like of Diego River, David Siquieros and other Mexican muralists. When she got back to Colombia however she only ever made one mural, in Medellín.

Prices

Given that Debora´s work is not really known at all internationally it comes as no surprise that there is no record (at least none that I have found) of her work being sold in auction or galleries. However, that said, given that her donation of work to the Museum of Antioquia was so large there are very few good pieces available on the market. As such the tendency of the prices for those artworks that are available and that are of reasonable quality and interest is to force up the prices. Having said that I do believe that it will take a while for the market to absorb this work locally given that the Colombian art market, though quite vibrant, is still very small.

For example a small (30cm x 40cm) watercolor work on paper will value between COP $12.000 - 25.000.000 (USD $6,000 - 12,000) in gallery. For that type of cash, if you are looking to invest, you can acquire a lot of works from artists that may better appreciate in the short to medium term. However, as always in art, if you want your Debora Arango artwork you will have to pay pretty much the price being asked.

¿Buscando a los maestros colombianos? búsquelos en México

Por Albeiro Rodas

ColPas – foto de vivamexicolindo.com. El célebre escritor colombiano Álvaro Mutis es motivo de homenaje en la XXI Feria Internacional del Libro que se realizará en Guadalajara entre el 24 de noviembre y el 2 de diciembre próximos. En la Feria también estarán presentes otras celebridades colombianas del mundo de las letras, las artes, el cine y destacadas casas editorias, según el diario méxicano El Occidental.

En un discurso dirigido a la Feria por parte de Mutis, habla de la belleza que recuerda de Colombia en su exilio de México "(...) en esa serenidad de un Edén al sexto día de la Creación, vuelvo a encontrar aquella imagen intacta".

Sin embargo Mutis, quien nació en Bogotá en 1923, ha vivido la mayor parte de su vida en el extranjero. Primero estuvo en Bélgica hasta 1932 cuando regresó a Colombia, trabajó en la emisora Nueva Mundo - es célebre por su gran voz - y después en México en donde se radicó desde 1956 hasta el presente. Si Mutis recuerda la belleza de Colombia, es posible que esté recordando la que vio en el espacio de 24 años (1932 - 1956). Pero Mutis es sin duda uno de los colombianos más leidos en la tierra. El autor del libro que más lo identifica, Maqroll el Naviero, ha recibido premios de una gran altura internacional que le falta sólo el Premio Nóbel para terminar: Premio Nacional de las Letras en Poesía en 1974 (ya estaba en México), Premio Medici de Francia en 1997 (mejor obra extranjera), Premio Príncipe de Asturias en 1997 y el "Nóbel" de la hispanidad, el Premio Cervantes en 2001.

Al buscar a esos colombianos que por fuera del país "dejan bien a Colombia" como diría un mensaje de promoción que conozco, me pongo a pensar en algo de lo cual me llamó la atención un amigo extranjero: ¿Por qué no vuelven al país? Si recuerdan con tanta nostalgia aquella "serenidad de un Edén" ¿porqué no cogen el primer vuelo y entran a ese Edén para hacerlo más grande? Ciertamente no se trata de cuestionar las razones de los maestros de las letras colombianas como la eminencia de un Álvaro Mutis, un Gabriel García Márquez - al que ya algunos otros le han hecho anotaciones similares -, de un Fernando Vallejo, de un Porfirio Barbajacob, por mencionar a los escritores y no a los médicos, científicos, profesores y tantos millares de otros que le dan su materia gris a Estados Unidos, Canadá, Europa, México y de los cuales Colombia se queda sólo con los registros en las enciclopedias "este nació en Colombia, pero ha vivido toda su vida en OtraParte" (para usar la entrañable finca del insigne Fernando González que se fue a radicarse a Envigado y que cuando fue a Italia Musolini lo expulsó porque se reía de sus delirios de César decadente.

Me gustan mucho en cambio - y no es que desprecie a los exiliados, por supuesto - tipos como González y su finca, Pedro Nel Gómez que se fue a radicar a Aranjuez, Medellín con su esposa florentina - es decir, que era de Florencia, Italia - y a pintar esos murales llenos de colombianidad (él no tuvo que cerrar los ojos para ver esas imágenes inolvidables de la Colombia edénica, sino que por el contrario, los abría, la veía y pintaba... qué tipazo y qué brochazos), un Leo Matiz Espinoza, aquel que también era de Aracataca y que escribió su Cien Años de Soledad con su cámara y que recibió su "Premio Nóbel de Fotografía" (este no existe en realidad) de la historia que todavía lo aclama y que recorrió México, Estados Unidos, Europa y Venezuela, pero siempre tuvo su "Otraparte" en su Colombia controvertida.

Yo no sé, pero no me imagino al doctor Patarroyo viviendo en el extranjero, ni al poeta y patriarca Jorge Robledo Ortiz, ni me imagino a Andrés Caycedo por fuera de Cali, ni a Debora Arango, que la exiliaron dentro de la misma Colombia, que se hubiera ido a Holanda, ni a tantos otros.

Esta fuga de cerebros tiene su significado y muchos otros países la han vivido. No más miren a Argentina durante la dictadura militar, a Chile, a España cuando Franco, a la misma Italia. Pero cuando muchos grandes artistas y escritores argentinos se exiliaron, algunos como Charly García decidieron quedarse para que cuando los que se fueron regresen, hubiese alguno para recibirlos, alguno para abrirles la puerta, como dice la historiadora colombiana Diana Uribe. Seguramente algún día - y ese día no esté lejano -, este pobretón escritor de bitacoras electrónicas que no tiene quien le escriba ni quien le patrocine sus novelitas colombo-asiáticas de comunas medellinenses, volverá a su Colombia para quedarse y morir en ella - como sea -, pero morir inspirado por ese como "Edén de sexto día de la creación" que es mi patria, la que inspira más de lo que me ha inspirado el resto de la tierra.

Fuentes

• Álvaro Mutis será homenajeado en la XXI FIL de Guadalajara. El Occidental, México, 24 de agosto de 2007.
• Discurso de Álvaro Mutis en la XXI Feria del Libro de Guadalajara, Viva Mexico Lindo.com, 25 de noviembre de 2007.

"La galería Roger Smith de Nueva York ha decidido cancelar la próxima exposición de una escultura de chocolate que representa a Jesucristo desnudo en la cruz, debido a las protestas de grupos cristianos por coincidir la exhibición con la Semana Santa. La escultura titulada My Sweet Lord (Mi dulce Señor) -que representa Jesucristo crucificado y que está hecha de chocolate con leche iba a ser expuesta a partir de este lunes. La obra mide 1,80 (es decir, es de tamaño natural) y ha salido de las manos del escultor Cosimo Cavallaro... La exposición ha sido suspendida después de que organizaciones católicas decretaran un boicot contra el Hotel Roger Smith, que comparte gerencia con la galería de arte... Entre los grupos que protestaron por el anuncio de la exposición figura la Liga Católica para los Derechos Civiles y Religiosos, cuyo portavoz, Kiera McCaffey, calificó la exhibición de "un asalto a los cristianos durante la Semana Santa"."

Las analogías con la canción de George Harrison y la metáfora de la eucaristía cristiana ("comer" a Cristo en la comunión) hacen a esta obra mínimamente interesante. No tiene un sentido ofensivo, y la ironía es apenas leve, en realidad, y lo único inusual viene a ser el desnudo "total". Pero eso no lo ve todo el mundo. Y no porque no pueda, sino porque no quiere. En pleno 2007 todavía hay gente que cree que el arte sobre asuntos religiosos debe centrarse en la reverencia y la adoración únicamente. No pueden entender que hay otras formas de entender los relatos religiosos, otras aproximaciones no religiosas a estos asuntos, o que puedan darse comprensiones religiosas paralelas. 500 años de arte secular sobre asuntos religiosos, botados a la caneca. ¿Los cristianos acaso no "asaltan" a los laicos en Semana santa? ¿Qué hacer con nosotros, las minorías no religiosas? Lo peor de todo es que esto no pasa en Popayán o Tunja, sino en Nueva York, la meca cosmopolita de occidente, y la iniciativa es generada por grupos católicos, que se supone no son tan poderosos en E.U.

No es el primer caso. En 2001, una artista chicana, Alma López, hizo una re-interpretación de la iconografía guadalupana con una imagen que hacía actual a la virgen de Guadalupe, de la misma manera en que muchos artistas desde la Edad media han vestido a personajes de la Biblia con ropas y atuendos propios de la época de su época. En vísperas de Semana santa, la exposición presentada en Nuevo México (E.U.) también enfrentó protestas . La exposición también tuvo que cerrar. En la página de la artista pueden leer artículos al respecto. He aquí la obra blasfema:

La siguiente pintura, una "Coronación de la Virgen", es otro ejemplo de personajes de la Biblia con fachas de la época de autor. Muy fashion, sí, como todo lo de Botticelli. ¿Qué blasfemo, cierto?

En un caso similar al de Alma López, el artista mexicano Rolando de la Rosa presentó, en 1988, una instalación que representaba a la Virgen de Guadalupe con rostro de Marilyn Monroe y a Jesucristo con el de Pedro Infante, la cual fue desmontada del Salón Nacional de Artes Plásticas del Museo de Arte Moderno de México, debido a numerosas protestas; el director del centro, Jorge Alberto Manrique, fue destituido.

En ambos casos se da una interesante unión entre lo pop y lo religioso, una unión que hace rato se da en el sincretismo popular latinoamericano, en el que deportistas, cantantes, modelos, actores de cine o de telenovelas rivalizan con imágenes religiosas o reproducciones del "gran arte" dentro de nuestra iconografía.

Recordemos en Colombia el caso, mucho menos artístico, de la última cena representada en imágenes provocadoras por la revista Soho. La reacción no se hizo esperar y muchos pegaron el grito en el cielo, demandando incluso, pero es que también las revistas light pueden ejercer su libertad de expresión. En otro caso de publicidad gratuita a partir de escándalos, Marithé François Girbaud utilizó a comienzos de 2005 una interesante imagen como centro de una campaña publicitaria, en la cual un grupo de modelos femeninas representaba la última cena, evocando el fresco de Da Vinci. La iglesia demandó a la empresa francesa, argumentando que "trivializar los actos que constituyen el fundamento mismo de una religión era un insoportable acto de violencia moral". Claro, ni Cristo ni los apóstoles pueden ser mujeres. Eso es trivializar la religión.

Es obvio que expresiones artísticas como la fotografía, o productos de la creatividad como la publicidad también deben disfrutar de la tolerancia que tanto se predica para la religión. Pero en los casos anteriores eso no se dio. Menos mal salimos de la Edad media, pero ¿a qué se debe que la religión prevalezca en estos casos sobre otras áreas de la cultura? Cualquier forma de coacción a la creatividad humana es indeseable y torpe, especialmente cuando hablamos de arte. ¿Recuerdan "La última tentación de Cristo" de Scorsese? Prohibirla en los sitios donde lo hicieron, incluyendo Colombia, evitó que muchos creyentes y no creyentes experimentaran una verdadera experiencia espiritual de la mano de un gran cineasta, así fuese desde una perspectiva poco ortodoxa; evitó que muchos reflexionaran a fondo sobre un tema central en la cultura occidental. Algo similar puede pasar cada que los fanáticos logran evitar la exhibición de obras como la de Cavallaro o Alma López, independientemente de su calidad artística. En todo caso, como objeto artístico (ya que el arte no tiene que andar arrodillado ante la religión) esa imagen de Alma López es una reinterpretación interesante de una larga tradición ideológica, y está más cercana a la gente que la aria de ojos azules que generalmente encontramos en los altares de los feligreses. El arte moderno y postmoderno, además, hace rato que se dedica a rescatar lo cotidiano, lo lejano a toda bulla grandilocuente salvadora, y un buen ejemplo de eso es la chocolatina crística de Cavallaro.

Para terminar, creo que es bueno recordar en esta semana de reflexión una cita atribuída a Voltaire: "Aquellos que te hacen creer en absurdos pueden hacer que cometas atrocidades."

La racha se inició el 21 de noviembre cuando “la parca”, en forma de cáncer, se llevó al autor de Como el halcón peregrino. A los trece días volvió por la pintora “maldita”, aprovechándose de sus 98 años. Y luego, veinte días después, vino para llevarse al joven poeta de Ciénaga de Oro, azuzándolo con el vértigo de su torrente sanguíneo en plena Navidad. En un país acostumbrado al delirio de las  muertes violentas, es decir propinadas por unos seres humanos contra otros, morir de muerte “natural” pareciera desentonar.

Hemos echado mano del arte, de la literatura, de la poesía, para indagar sobre este enigma ontológico y tratar de acercarnos a ese viaje cósmico del escritor tunjano, de la artista medellinense y del poeta cordobés. Mutis nos alerta sobre la necesidad de mantener nuestros sueños intactos a la hora nona. En Los sueños de Akira Kurosawa hay una aldea que festeja la muerte de los ancianos porque consideran que ese vecino pudo cumplir su ciclo natural; en cambio, lloran cuando muere un niño porque entienden que se ha truncado la posibilidad de esa experiencia humana. Es, como si pudiera decirse, una cultura que bebe de la fuente natural. En El Soliloquio de Hamlet, Shakespeare se refiere a la muerte como “aquel país que todavía está por descubrirse”. Para Borges “La muerte es una vida vivida”. Y Leonardo Da Vinci apunta: “Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte”.

Es lo que esperamos que haya sido para estos tres cultores del alma, ellos, que dedicaron la vida a pulir su talento, que entregaron hasta el último hálito para ser ellos mismos, que es la más universal y  jubilosa forma de la solidaridad.

En este peregrinaje acude en nuestra ayuda también Francisco de Quevedo, a quien le inquietaba la brevedad de lo viviente:

Ayer se fue; mañana no ha llegado;

hoy se está yendo sin parar un punto:

soy un fue, y un será, y un es cansado...

Sea como fuere, nuestros tres maestros se marcharon pero nos legaron su obra y con ella aprendemos que se puede pasar por esta vida, así, sin morir, dejando huella.