Una película que recuerdo con particular predilección se trata de 'Días Extraños', donde la directora Kathryn Bigelow, responsable también de la mítica 'Los viajeros de la noche' (1987), nos describe un futuro caótico y derretido, al amparo de un guión firmado por James Cameron, y bajo la influencia del escritor y especialista en ciencia-ficción: Philip K. Dick.

Protagonizada por Ralph Fiennes ('El paciente inglés', 'La lista de Schindler'), Juliette Lewis y Angela Basset, la historia nos introduce en la contaminada idiosincrasia de Lenny Nero (Fiennes), un ex-policía de Los Angeles apático y pesimista que ve como el mundo se desmorona, mientras trafica con una adictiva mezcla de recuerdos en lata y realidad virtual.

Posee una elaborada estética underground tirando al 'ciberpunk', ambientada en un apocalíptico año 1999, con los saqueos y la violencia callejera como nota dominante. La historia discurre en 1ª y 3ª persona entre la típica trama policial conspiranoica y brillantes elementos de ciencia-ficción, donde la tecnología y el vicio se convierten en el principal contaminante de la sociedad.

Este desorden y corrupción están perfectamente representados a lo largo de todo el minutaje, desde el carácter melancólico del propio Lenny hasta las revueltas populares que desbordan cualquier sistema establecido. Pese a la escasa repercusión que tuvo en su día, la considero una producción muy a tener en cuenta, ya que a parte de un sugestivo argumento y un trio protagonista magnético, es una cinta arriesgada que nos revela ese futuro que todo el mundo teme, el que puede estar a la vuelta de la esquina y no va de viajes al espacio.

La música de aquel año: despega el 'grunge'

Acorde con la narración, 'Dias extraños' cuenta con una fantástica selección de temas a camino entre la música electrónica y el rock alternativo - de los que destacan 'Selling Jesus' el temazo central de la película - propiedad de Skunk Anansie, las aportaciones perpetradas por el trip-hop del británico Tricky y 'Overcome', el new-age de Deep Forest, o la propia Juliette Lewis con la versión de PJ Harvey, 'Hardly Wait', la cual interpreta en la película.

Los mediados de los 90 fueron la explosión del 'grunge' en todo el mundo, con el alcance de Nirvana, y la posterior muerte de su líder Kurt Cobain, en 1994 este estilo se convirtió en un movimiento de masas, catapultando la carrera de otros artistas como Pearl Jam, Alice in Chains o Soundgarden. Otros grupos que estaban en alza por aquella fecha y aprovechando la eclosión de la MTV a nivel internacional, fueron Red Hot Chili Peppers entre el reverenciado 'Blood sugar sex magic' y 'One hot minute' o los Smashing Pumpkins con su obra magna 'Mellon Collie & the infinite Sadness'.

La 'nación alternativa' se expandía y se capitalizaba el término 'independiente', generando fusiones y variantes para todos los gustos. Y aunque se puede decir que la gran mayoría reciben su inspiración e influencias más directas del underground ochentero, la inmensa oferta de géneros convierten a este estilo en uno de los más prolíficos a la hora de estudiar las distintas corrientes musicales y estéticas del rock.

por: mikeNeira

Trailer Internacional

Skunk Anansie - Selling Jesus

Tricky - Overcome

Alejándose del planteamiento típico, la saga de Terminator introdujo una fascinante propuesta argumental, al abarcar presente y futuro, con viajes en el tiempo, y el destino de la humanidad en juego. En las dos películas firmadas por él, Cameron acertó de pleno con los roles de un reparto persuasivo y repleto de carisma.

Tras experimentar con nuevos conceptos de 'fx' en la fantástica The Abyss (1989), y siempre a la vanguardia de las nuevas tecnologías, Cameron volvió a situarse tras las cámaras y la pluma para continuar la historia iniciada en 1984 con Terminator - un robot modelo T-800, enviado por máquinas del futuro para acabar con la que sería la madre de John Connor, el venidero líder de la resistencia humana. En esta ocasión, para la pareja protagonista repetirian Linda Hamilton, como una reinventada Sarah Connor, y Arnold Schwarzenegger como el cyborg con más mala ostia de todos los tiempos.

De carácter más comercial, o ambicioso, como se quiera ver, en El juicio final las máquinas enviaban al T-1000, otro cyborg más sofisticado, y con todavía más mala ostia que el primero, para acabar con un adolescente John Connor. Los humanos a su vez respondían enviando protección en forma del T-800, el endoesqueleto más macarra del mercado. Los choques entre los dos eran el plato fuerte del film, ya que mientras el T-1000 podía mimetizarse en señora, o convertir los brazos en cuchillas gigantes, el T-800 manejaba una chopper y solucionaba los problemas a trabucazos.

A pesar de ser bastante superficial narrativamente, la película introdujo dósis de acción y glucosa a partes iguales abarcando unas altísimas cotas de mercado. Su incomparable planteamiento, prevalece sano con el paso del tiempo en la memoria popular, hasta el punto de estar ya en fase de desarrollo una cuarta entrega y emitirse en antena Las crónicas de Sarah Connor - una serie actual situada cronológicamente entre la segunda y tercera partes del film.

La música de aquel año: Guns n roses "You could be mine"

La canción "You could be mine" pertenece al disco multi-platino "Use your illlusion II" (1991) y fue escrita explicitamente para la banda sonora de la película, formando parte activa de una escena de la misma. Este álbum se engloba en la que se considera la etapa más álgida de una de las bandas más importantes de los 90 dentro de la escena internacional.

Enmarcada en la época dorada del movimiento 'sleazy', particularmente inspirada y perfectamente introducida en el conjunto y la estética de la película, encumbró más todavía la carrera de Axl, Slash y compañia mientras competían con trabajos y formaciones tan importantes como Aerosmith y el multi-platino "Pump" (1989), Motley Crue y su "Dr. Feelgood" (1989), Poison y "Flesh & blood" (1990) o Bon Jovi con el ejemplar "New Jersey" (1988).

En el 91 AC DC deslumbraban al mundo tras un socabón que se prolongó 10 años desde el flamante "Back in black" (1980), y recuperaban el trono con el cinco veces platino "Razor's edge" gracias a canciones como "Thunderstruck" o "Moneytalks". Por esa fecha también se editaban "Tyr" de Black Sabbath con Tony Martin al microfono y por su parte Ozzy Osbourne editaba "No more tears" en solitario junto al hacha Zakk Wylde (Black Label Society) y el batería de sesión Randy Castillo.

por: mikeNeira

Si en la década de los 80 ha existido una película que me dejase profundamente marcado por su tendencia, y haya envejecido con una proporcionada dignidad, os tengo hablar de "Los inmortales", del australiano Russel Mulcahy. ¿Quién quiere vivir para siempre?

Protagonizada en el papel de su vida por el ordinario Christopher Lambert, narra la historia de "Los inmortales", una raza especial de seres humanos destinados a vivir eternamente. El paradigma de su existencia residía en una serie de duelos a través de los tiempos, hasta que sólo quedase uno. La única forma de acabar con un inmortal era mediante la decapitación. Y a su vez, el vencedor de estos dramáticos encuentros podía metabolizar los poderes de su sometido.

La historia discurría entre flashbacks de las altas tierras de Escocia del siglo XVI y un Nueva York contemporáneo. Lambert representa al rupestre Connor MacLeod, del clan de los MacLeod, un hombre afable y soñador, que desconociendo los poderes y la naturaleza de su propia existencia es exiliado por brujería. Comenzando una nueva vida, se cruza con el majestuoso Villa-Lobos (Sean Connery), un inmortal maduro y experimentado que se compromete a adiestrarle física y mentalmente en la filosofía y objetivos de su raza.

La película me fascinó rápidamente por la suculenta combinación de combates épicos, escenarios históricos y un impresionante vestuario, así como por la potente descarga metafísica que nos planteaba. Momentos sensibleros y de superación personal se cruzaban entre brutales refriegas con espadones, rayos y explosiones. Recuerdo que me llamó muchísimo la atención observar como el paso de los años afligía el carácter de Connor. Ver cómo, a la vez que relataba con cierto orgullo el paso de los siglos, su vida se desplomaba en la apatía y el cinismo.

La música de aquel año: Queen "It's a kind of Magic"

Destinado exclusivamente para la banda sonora de la película, el grupo de Freddy Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, editó ese mismo año el disco "A kind of magic"; una simbiosis perfecta, un rotundo éxito de ventas y una auténtica recopilación de clásicos. Entre sus pistas podemos encontrar algunas de las canciones más destacadas de Queen, como la emotiva "Who wants to live forever", "Gimme the prize", "Don't lose your head" o mi favorita "Princes of the Universe".

Este lanzamiento coincidía con la época dorada de los sintetizadores y los experimentos con gaseosa. Entre la música de aquel año nos encontramos con otro grupo mítico, los grandes Genesis, que alejándose sustancialmente de sus inicios más progresivos, y con Phil Collins todavía al frente, editaban el cuatro veces platino "Invisible Touch".

Roger Waters dejaba Pink Floyd en el 85 y en su lugar entraba David Gilmour, para lanzar posteriormente el controvertido "A momentary lapse or reason" (1987). Deep Purple editaban "The house of blue light", y por supuesto tampoco podemos olvidarnos de otros iconos del rock/heavy progresivo británico como Uriah Heep, que por esas fechas publicaba su decimosexto álbum "Equator" (1985), o los incombustibles Jethro Tull con el también mágico Ian Anderson y su "Crest of a Knave" (1987).

por: mikeNeira

Dirigida por Dennis Hopper y concebida por él mismo junto a Peter Fonda, ha pasado a la historia del cine por muchos motivos; pero entre ellos no encontraremos brillanteces técnicas, más bien se trata de la historia adecuada en el momento adecuado. Y sobretodo destacó por su polémica temática en una época de importante agitación social.Al mismo tiempo que el cine expandía sus posibilidades para contar historias y el público contemporáneo se veia liberado progresivamente de sus represiones morales, el duo Fonda-Hopper dio en el blanco con un argumento que exploraba la libertad, sobre dos tipos carentes de vínculos sociales y familiares, que se acababan de forrar vendiendo droga y no tenían más aspiración en su vida que cruzar los Estados unidos montados en sus espectaculares ‘choppers’, para llegar a la madre de todas las fiestas, el Mardi Grass (carnaval) de Nueva Orleans.

La cinta refleja la reacción de distintos estratos sociales al entrar en contacto con los dos protagonistas, abarcando sentimientos como el temor, el más profundo rechazo por este conflictivo modo de vida, o la fascinación, esta última interpretada por Jack Nicholson, en forma de un mediocre abogado alcóholico, que acompaña a los protagonistas en su viaje.
Al miso tiempo que se retrataba la América del 69, la excitante combinación de drogas&sexo&rock’n’roll, unida a la acertada estética y banda sonora del film, llamó poderosamente la atención del público y la crítica, catapultando a la humilde producción hasta circuitos internacionales.

La música de aquel año ("El rock psicodélico da la vuelta al mundo")

Con los Rolling Stones abrazando los números 1 gracias “Gimme Shelter” del disco “Let it Bleed” (1969) y los Doors viviendo una etapa de transición tras el éxito recaudado en su “Waiting for the sun” (1968); una nueva vertiente de rock más ácida y ambiciosa se venia abriendo camino poderosamente desde Europa con obras como “The piper at the gates of the Dawn” (1967) y “Ummagumma” (también conocido como el fin de la era Barret - 1969) de los británicos Pink Floyd, y en Estados Unidos con las melódias de Grateful Dead y su “Anthem of the sun” (1968), Iron Butterfly con la inmortal "In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), Jefferson Airplane, o la obra cumbre de Jimi Hendrix “Electic Ladyland” (1968) que recogía canciones imprescindibles para entender el rock de los 60 como “Voodo Chile” o “Gypsy Eyes”.

De “Easy Rider” rescato los primeros minutos de película, donde se puede escuchar el tema central, “Born to be Wild” de Steppenwolf. Una canción brillante en todos los sentidos, construida sobre un inmortal riff de guitarra, acolchado por el característico órgano Hammond de la época, y elevada a la máxima potencia con la voz y los coros del guitarrista, vocalista y fundador de la banda John Kay. El sonido ligeramente endurecido con respecto a las formaciones coetáneos con las que les tocó convivir convierte a este grupo canadiense de rock psicodélico, en uno de los principales precursores del heavy metal, que posteriormente heredarían grupos como Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin.

La B.S.O de "Easy Rider" supusó una revolución en la industria del cine al ser una de las primeras películas en hacerse con los derechos de autor de los variados artistas que ilustraron las distintas escenas de la historia. Otros grupos importantes que participaron en este recopilatorio son: los Byrds con “Wasn't Born To Follow” (segundo video), los ya citados Jimi Hendrix Experience con “If 6 Was 9”, y Jefferson Airplane con “White Rabbit” o los Who con “I Can See For Miles”.

Con un éxito precedido de otras grandes producciones y colaboraciones de la época en sus respectivas adaptaciones: "Carrie" dirigida por Brian de Palma en 1976, o "La zona muerta" a cargo de David Cronenberg (1983), Carpenter no dudó en plasmar su talento a través de las líneas de Stephen King en "Christine"; la historia de un automóvil diabólico con instintos asesinos, que tenia vida propia y podía poseer la conciencia de su propietario.

Sin duda las condiciones no se podían dar mejor, con el fenómeno King en marcha y tras realizar tres clásicos de nuestro tiempo como: "Halloween" (1978), "La Niebla" (1980) y la infravalorada pero brillante "La Cosa" (1982), Carpenter acertaba de nuevo con otro proyecto que lo seguiría consolidando como uno de los grandes de la industria.

La imagen de un impecable e instintivamente femenino Plymouth Fury rojo y blanco del 58, circulando sigilosamente de noche, con los cristales completamente opacos, como si de una meticulosa y disciplinada depredadora se tratase, no podrá ser borrada nunca de nuestras mentes. Su magnética personalidad unida a la atractiva historia de sus protagonistas, así como de la propia Christine, la convierten en una película de culto para todos los aficionados al género.

La música de aquel año ("Un viaje a través de la historia del rock")

La banda sonora elegida para la película, así como los decorados, el vestuario y los actores, fue escogida de la forma más acertada, y acabó convirtiéndose en una extensión del propio film al retratar una eficiente mezcla de los gustos y tendencias de la época, con los propios orígenes de 'Christine'.

Mezcla de la música disco de finales de los 70 y de un viaje a través de la historia del rock, ver y escuchar Christine se convierte en una experiencia nostálgica, donde podremos encontrar grandes canciones como las favoritas de Christine (en su radio siempre sonaba rock de los años 50): "Come on, let's go" del 58 o "Not Fade Away" del 57, compuestas por dos de los pioneros del rock americano: Ritchie Valens y Buddy Holly respectivamente, ambos fallecidos en el trágico accidente aereo que pasó a la historia como "El día que murió la música".

Entre las canciones más actuales destacaron "Beast of Burden" de los Rolling Stones, perteneciente a su disco "Some Girls" (1978), pero sobre todo, y la que me ha inspirado a escribir sobre esta película, rescato la inmortal "Bad to the Bone" de 1982 de George Thorogood, perteneciente al disco de mismo nombre. Esta canción es lo que podemos considerar comunmente como "un anillo hecho al dedo". Una encantadora fusión de Blues y Rock que encaja a la perfección en el contexto de la película; con un reinventado Arnie (dueño de Christine) que ha trascendido de ser el típico perdedor a guaperas titular de un flamante coche.

La canción recibió una gran acogida, y fue reutilizada de nuevo en otras escenas de corte similar, como por ejemplo cuando un enorme Arnold Schwarzenegger salé embutido en cuero de la cervecería donde transcurren los primeros compases de "Terminator 2" o la infame "Este chico es un demonio". Pero esa es otra historia.

por: mikeNeira

Aunque cronológicamente hablando el mítico tema de Survivor se corresponde con la tercera entrega de Rocky, os hablaré principalmente de la primera parte de esta saga, ya que considero que es la más interesante de toda la franquicia, y por otra parte el "Eye of the tiger" seguirá vinculado al personaje."Rocky" fue dirigida por un humilde John G. Avildsen y escrita por un joven Silvester Stallone. Cinematográficamente significó, entre otras cosas, un despegue apoteósico para la carrera del actor y escritor norteamericano; eso, y una revolución mediática a nivel mundial, motivada en su mayor parte por el carisma y el carácter del personaje protagonista de la historia. La película narra los acontecimientos que envuelven al idealizado 'sueño americano' desde el punto de vista de Rocky Balboa, un mediocre boxeador italo-americano afincado en los suburbios de Filadelfia, que subsiste a base de combatir en el ring y ajustando cuentas para un usurero. Pero su vida cambia de la noche a la mañana cuando recibe la noticia de que "Apollo Creed" (Carl Weathers), el inbatible campeón de los pesos pesados del momento, le selecciona como su próximo contrincante, simplemente por el hecho de que le hizo gracia su apodo: "El potro italiano".

A pesar de haber sido rodada en escasos días y contando con un reducido presupuesto, posee un poderoso factor emotivo, y recopila tal despliegue de escenas memorables, que fue catapultada directamente a la vena sensible de crítica y público, convirtiendo a Rocky en uno de los iconos del cine contemporáneo. No en vano recibió los Oscar en 1976 a la mejor película, mejor director y mejor montaje.

Las escenas del entrenamiento para el gran combate, con Rocky haciendo 'footing' por los suburbios y alrededores de Filadelfia, zumbándole al ganado en la cámara frigórifica, o el mítico ascenso al Museo de Arte mientras suenan de fondo las notas de "Gonna Fly Now", compuesta por Bill Conti, que magistralmente mezcló su orquesta con elementos característicos del 'funky', han traspasado en todos los sentidos los límites de la pantalla, y son un retrato de la sociedad en la época. Sentimientos como la superación personal, la soberbia, la humildad o los vínculos afectivos, son acertadamente reflejados en el desgarrador marco de la lucha contra el dia a dia de las clases menos favorecidas.

A grandes rasgos, "Rocky III", responsable de popularizar el hit "Eye of the tiger" y poner el AOR en alza, nos muestra una situación muy distinta a la del comienzo. Podemos ver a un Rocky que se encuentra en la cumbre de su carrera. Es el campeón de los pesos pesados tras derrotar a 'Apollo Creed' en "Rocky II", y la fama-fortuna amasadas relegan los entrenamientos a un segundo plano. La vida de Rocky es tranquila y mediática hasta que un joven aspirante reencarnado en el enorme Mr. T le hacen poner los pies en la tierra.

La música de aquel año ("La eclosión del AOR")

Los norteamericanos Survivor se formaron en 1977 por Jim Peterik (Ides of March), Frankie Sullivan, Dave Bickler, Gary Smith y Dennis Johnson. La historia de "Eye of the tiger" se remonta al año de la película, cuando el propio Stallone le pide al grupo que componga el tema central para la tercera entrega de "Rocky". Esta colaboración no pudo ser más fructífera, ya que la canción se integró perfectamente en el contexto de la película, y el éxito no se hizo esperar. Primeros puestos en todas las emisoras radiofónicas, un grammy, potentes resultados en ventas, así como una nominación de la academia.

Poco tiempo después saldría a la venta un álbum bajo el mismo nombre, que junto a "Vital Signs" (1984) resultaron ser dos puntos algidos en la carrera de estos padres del AOR. Estas tres letras son las siglas de Adult Oriented Rock (Rock orientado a los adultos) y consiste en un estilo musical que se podría describir como la corriente más melódica del rock. Tuvo su auge a mediados de los 80, gracias a la imponente repercusión que obtuvieron en todos los sentidos las grandas bandas del género: Toto, Journey, Boston o Foreigner.

En 1982 Toto ponía a la venta lo que después se convertiría en doble platino, "IV", donde se podían escuchar algunas de las canciones más representativas de este estilo, así como algunas de las más populares de la historia del rock. Solo necesitais escuchar las primeras notas de composiciones como: "I won't hold you back", "Africa" o "Rosanna" para saber a lo que me refiero. También en aquel año los hits singles "Don't stop believing" y "Waiting for a girl like you" de Journey y Foreigner pertenecientes a los discos "Escape" (1981) y "4" (1981) respectivamente, derribaron todas las fronteras emocionando irremediablmente a todo el que se le acercase.

por: mikeNeira