Y esta "moda retro-guay" también la sufrimos en el mundo del cine. Y si no, ved cómo nos han vuelto a visitar Indiana Jones y John MacLane, dos de mis héroes de mi más tierna juventud, a los cuales he tenido que ver en unas películas que suponen un regreso de lo más discreto y prescindible...

Y lo que es peor, que amenazan con seguir socavando nuestros recuerdos ochenteros y de principios de los 90 con más regresos: El mencionado RoboCop, Goonies 2, e incluso se ha oído de Regreso al Futuro...

Por una parte, a los que somos nostálgicos de una época, estos regresos, mientras se están gestando y preparando, nos alegran bastante, esa emoción de volver a ver a tus héroes, musicales o cinematográficos una vez más, esperar con expectación lo que te pueden ofrecer, volver a sentir ese hormigueo ante un estreno, un disco o un concierto... Pero por otra parte, todo se te viene abajo cuando ves o escuchas la nueva propuesta de tus ídolos juveniles y te das cuenta que tú ya no tienes 17 años y que John MacLane ya no fuma, que le cuesta decir "yipi-yai-yey hijo de puta", que a Indy le pesa el látigo una barbaridad y que sus aventuras rozan el ridículo, que un tío feo canta las canciones que debería cantar Freddie y que un gordinflas que se parece a Super Mario Bros intenta imitar el inconfundible bajo de John Deacon mientras suena "Another One Bites The Dust".

Porque toda esta gente no vuelve para hacernos felices a unos cuantos treintañeros o para hacernos recordar todas estas sensaciones, sino que vienen a llevárselo crudo, a sacarnos la pasta gansa, a tangarnos, en definitiva, y a aprovecharse de nuestra nostalgia y nuestros recuerdos. Profanan, con su vuelta, una parte muy íntima y personal de nuestras vidas. Y lo peor es que los tontainas como yo picamos en su juego y vamos a verles.

Y es que, casi siempre, es mejor dejar a nuestros ídolos juveniles descansar en paz, no despertarlos y quedarnos con el recuerdo de las sensaciones que nos hicieron vivir en tiempos. A veces, cualquier tiempo pasado sí que fue mejor.

Es desconcertante salir del cine sin una opinión clara sobre lo que acabas de ver. No digo que sea malo ni bueno, digo que es desconcertante. Es lo que me pasó el otro día con El Incidente. Cuando salí no sabía si me había gustado o no. Ahora, un par de días después me atrevo a contestarme en estas líneas. A ver, la ambientación está muy bien, la idea es original (si bien desde el principio no pude evitar compararla con 'Soy Leyenda') y las primeras escenas son espeluznantes, realmente geniales. Pero el resto... el resto es repetitivo, predecible, grotesco y lo peor de todo, está cómo a medio hacer, a medio pensar.

No pongo en duda que Mr. Night Shyamalan sea un genio, pero en esta película creo que le falta trabajar mucho más la idea, moldearla, darle vueltas y desarrollarla. La impresión que da es de irreflexión. Cómo si hubiera tenido una la idea para la peli, hubiera cogido su boli bic y su cuadernillo de guión definitivo y, ¡ala!, tal cómo se le ha ocurrido la idea la escribe. De la neurona ocurrente a la mano escribiente, sin ningún tipo de filtro de reflexión por su parte. Bueno, ni por su parte ni por parte de nadie, que mira que hubiera sido fácil que alguien le dijera, “Mr. Night, picha, que absurdo y ridículo queda esto”.

Me parece que hay detalles que sobran completamente, que desvirtúan el resto de la película (cosa bastante típica en el resto de sus películas, cierto). De la misma forma, hay detalles geniales sin explotar, que no se llegan a desarrollar y que quedan abandonados a merced de un guión que no debería haber pasado de ser un primer borrador.

El resultado es una película que podría ser muy buena, pero que se queda rozando la mediocridad. Ya lo he comentado, me recuerda a 'Soy Leyenda', incluso en esto. Me parece que con unos cuantos cambios ambas películas serían geniales. No obstante 'Soy Leyenda' me gustó, incluso con el final que pusieron en los cines, esta no. Desde lo más alto de su espectacular inicio 'El Incidente' cae en picado hasta un final casi aleatorio sacado de una manga tan dada de sí ya, que puede verse en ella sin dificultad alguna a un pobre conejo agonizante.

La imagen que acompaña a este post se trata de una especie de cartel promocional del nuevo RoboCop, que se supone que llegará a los cines, ¿o directamente a Blu-ray?, en 2010.

Yo me he echado a temblar, y es que los temores de que alguien, con la moda retro-guay que nos invade, pusiera el ojo en RoboCop e intentara forrarse a costa del film que magistralmente dirigió Paul Verhoeven en 1987.

Confirmado, algún mercachifle filibustero de Hollywood ha decidido resucitar a RoboCop, con lo bien que estaba descansando en nuestras estanterías de películas de DVD.

No niego que el tipo de la brillante idea en cuestión no lo haga con toda su mejor intención, pero mis recientes experiencias con viejos mitos resucitados, así como una creciente y preocupante infantilización del cine de acción, hace que esté muy, pero que muy preocupado.

¿Será un remake, copiado plano a plano, o guión original? ¿Habrá tiros en los testículos? ¿Se rodarán escenas con ultra-violencia explícita? ¿Los malos serán malos-malos, o la sociedad les empujará a hacer actos de los que no son responsables? …

Dos cosas son las que me dan cagalera especialmente:

1- Me juego el tipo a que RoboCop lo humanizan de tal manera que se enamora de la protagonista tía buenorra de labios siliconados, pseudo-estrella de Hollywood de turno, con el que se da algún besito de vez en cuando a lo largo de la peli.

2- Ya que el gran Basil Poledouris no está entre nosotros (aunque su magistralidad pervive en decenas de maravillosas bandas sonoras), lo más probable es que encarguen al grupo macarra-metal de moda, la misión de martirizar los oídos a los asistentes al cine con unos temas estridentes, gritones y machacones en exceso.

Ojalá me equivoque, pero han elegido la peor época para revivir a RoboCop… desde mi punto de vista, porque desde el punto de vista del ejecutivo descerebrado al que se le ha ocurrido la idea, le tienen que estar lloviendo infinidad de palmaditas en la espalda.

De esta forma, y con estas apreciaciones que he acabado de hacer, sólo me conformo con que sea la mitad de buena que RoboCop 3… si alguien llegó a verla, sabrá de lo que me hablo.

Por supuesto todo eso coincidía con la afición rolera, por lo que atesoraba unos pocos ejemplares de la revista Líder, que supuso toda una revelación en esa época. Dicha revista tenía una sección de una escasa página dedicada a la literatura fantástica: La biblioteca de Ankh Morpork, de Alejo Cuervo (ya nos vamos aproximando...), donde se hablaba de títulos como El color de la magia, Bosque Mitago, y unos misteriosos premios llamados Gigamesh... Cierto día, un tiempo más tarde, leyendo un número de Líder, me encontré con una publicidad a página completa de una nueva revista: Gigamesh. Ese nombre me impactó, era totalmente adecuado, gigameshgigameshgigamesh... Acababa de encontrar el arca de la alianza, me moría de ganas por ver sus secretos ¿Pero dónde coño se compra una revista así? Pues debieron de ayudarme los hados, porque en el primer sitio que pregunté, un quiosco (sí, quiosco, de esos con las típicas revistas y nada más en teoría) de Jerez, lo tenían. Así de fácil.

Los tres primeros números de esa revista son objeto de culto, todo un referente para miles de personas aficionadas al género en España, el tiempo pasado y el efecto causado hacen que esta afirmación categórica no sea una exageración. Era un concentrado variado y potente: multitud de agudas, ácidas y concisas críticas de libros del género, especulaciones y premios sobre las mejores publicaciones del año, cine fantástico, rol, cómic, relatos de gran calidad, noticias... Y una periodicidad dirigida a numenoreanos, con capacidad para vivir cientos de años. Fui suscriptor de la revista, y en vista de que no llegaba nada, envié un escrito (a mano con boli Bic y en una página con recuadros arrancada de un cuaderno, cutrísimo) protestando por la falta de formalidad, y exigiendo que si no eran capaces de cumplir que me devolvieran el dinero. Y eso hicieron, me llegó, para mi sorpresa, una carta de disculpa y un cheque. Era como dejar a una pareja y luego arrepentirte, coño, si no nos llevábamos tan mal... Pero ya estaba hecho. El feliz reencuentro fue años más tarde, cuando las tiendas diferentes abundaban más, y termine viendo ejemplares de la revista, que por supuesto adquirí.

Me hizo cambiar mi visión del fantástico, descubriendo autores y posibilidades que desconocía, fui dejando las dragonadas, me atreví (afortunadamente) con gente como Stanislaw Lem y John Crowley. Me ayudaron a madurar como lector y saber buscar algo más. Y desde luego me lo pasé del carajo pipa con las glorias y vergüenzas del microcosmos de los aficionados y profesionales al fantástico. El misterioso pique entre Miquel Barceló (director de la colección Nova CF) y Alejo Cuervo (Gran Jefe de Gigamesh), las críticas vapuleadoras a un tal Bel Atreides (un escritor a la altura de Paeolo y con igual capacidad de asimilación de críticas negativas) y sus pataletas en defensa propia, el enfrentamiento entre los sectores que defienden la forma y el fondo y los que ven a la CF como una literatura de ideas exclusivamente... Un largo etcétera que te hacía más cercano a ese mundillo.

Que la revista ha perdido parte de su chispa creo que es evidente, pero ahí está, aún como gran referente, en especial desde que se dedicaron al mundo de la edición también. Por cierto, con una periodicidad digna de la paciencia de un Ent...

Días de gloria, de despreocupación, de grandes alegrías y chocazos con la vida que al poco eran olvidados. A la mínima de cambio uno podía verse dentro de la piel de cualquier personaje, a pesar de tenerlos ya negros. Esa introspección sin fronteras se compensaba con pandilla multitudinarias, locuras en absoluto meditadas, y detalles que uno aprecia especialmente cuando ya no están. No quiero hacer grandes análisis de películas ochenteras ni de los aparatos de 8 bit, sino ir desvelando mi púber cerebro de forma minimalista, centrarme en un pasaje emocional concreto: un instante, un sonido o una imagen que en su momento me hiciera vibrar el corazón como el gong de Fu-Manchu, y haya quedado en un rincón especial de la memoria.

En esta ocasión destacaré una escena de una película. Los Goonies, película pandillera por excelencia, la evasión en su máximo apogeo. Creo que somos legión los que no nos limitamos a ver una película, sino que la vivimos plenamente. Pero no voy a analizar la película, como ya dije, solo recordar un momento concreto: la memorable escena en que nuestra pandilla tiene que abrir el camino a través de las teclas del órgano de huesos es para mí un clímax, el momento en que me encontraba más sumergido en ese mundo subterráneo. En momentos así, especialmente en la oscuridad del cine, uno no estaba dentro de la película, era justo al revés, la historia que nos estaban narrando estaba totalmente encerrada en nuestro cráneo, incrustada en el cerebro, nada más tenía cabida en ese momento, la atención era plena. Era verdadera emoción la que sentía cuando presionaban cada tecla y el suelo desaparecía, o la puerta subía. Ese momento concreto de esa película es una impronta indeleble en mis confusas neuronas.

El porqué da para desvariar mucho, aunque sea en otra ocasión, creo que la idea de mundos subterráneos con trampas y/o enemigos es una fantasía complaciente compartida por casi todo adolescente. La mayoría de películas de aventuras tienen algún momento similar (todas las de Indy), y los juegos de rol nacieron con esa base, mazmorras llenas de monstruos, trampas y objetos mágicos. Supongo que es una forma fácil de evadirte de la realidad, encuentras una entrada subterránea, y una vez desciendes te apartas de la realidad, puedes imaginar que cualquier suceso imposible en la superficie lo es ahí abajo, de modo que se ha convertido en una fantasia de evasión universal. Por ese mismo motivo, el reverso oscuro de la escena del órgano, uno de los momentos anticlímax de la película, es cuando hablan con unos amigos que están en la superficie a través de un pozo (escribo de memoria, lo mismo era una fuente). Suponía un contacto con la realidad cotidiana, ese momento te sacaba de la fantasía subterránea.

Y hasta aquí mi breve primer retazo (léase pajilla mental) de treintañero nostálgico en este blog. Qué vejez más mala voy a tener a este ritmo...

Se trataba sin duda de un tipo gracioso. Un listillo de tres al cuarto, pero ingenioso y con bastante gracia. Sus intervenciones en Saturday Night Live le llevaron al estrellato catódico. Y de ahí, directo al cine como una bomba. "Los Albóndigas", "El Pelotón Chiflado", "Cazafantasmas", "Atrapado en el Tiempo", "Los Fantasmas atacan al Jefe", "Ed Wood". Un colección de clásicos de los ochenta y noventa que mantenemos en la memoria.

No era un gran actor, ni de coña. Tampoco tenia muchos registros. Que si cejita para arriba, cejita para abajo. Pero hacía reir. O por lo menos uno pensaba "que cachondo el tío, que al final se lleva a la chica".

¿Y qué leches le ha pasado a este hombre? Desde que interpretó "Lost in Traslation" lleva una cara de palo todo el día digna de Eric 'Carapalo' Roberts. Yo no lo entiendo. La peli era un bodrio, pero al menos tenías a la bella Scarlett Johanson al lado. ¿De dónde viene tanta tristeza, Bill, y tanta cara de desprecio? ¿Te sientes desesperado? ¿Nadie te quiere? ¿Estás enganchado al prozac y al hemoal? ¿Acaso te jodió mucho perder el Oscar, un galardón que a día de hoy significa la vergüenza de la profesión? No se, no se. Ahora leo en las revistas que las coges mortales, que te chutas de lo lindo, que vas con pistola en la guantera y encima maltratas a tu mujer. ¿A quién se le ocurre, carajote?

Te has vuelto un triste y un aburrido que da pena. Qué tío más soso. Estoy seguro de que, si me encontrara de frente contigo por la calle, me mirarías con esa expresión entre pena, desprecio y perdonavidas que tanto pones en público. Como diciendo "aparta, chaval, que soy Bill Murray, un intelectual metido a actor". Claro que a mí, después de escupirte a la cara me entrarían unas ganas enormes de decirte: "Po te va'r carajo ya con la marmota, tío mierda".

Nos preguntamos Pettenman y yo cuántas veces habremos leído esa frase en los títulos de crédito de cualquier film en pantalla. Dejamos aquí una pequeña entrada para rendir homenaje a este pionero del maquillaje, diseño y creador de efectos especiales, visuales, etc. Un auténtico renacentista del Séptimo Arte y del desarrollo de la industria cinematográfica. Aquejado de Cáncer de Myeloma Múltiple, Stan Winston ha fallecido a la edad de 62 años.

Para el recuerdo, maravillas visuales como Terminator, Parque Jurásico, Depredador, Aliens, Iron Man, y tantas y tantas otras que desarrolló durante su larga carrera. A él le deben parte de su éxito directores de la talla de Steven Spielberg, James Cameron, John McTiernant o Ridley Scott.

En el cine, y por el cine, te recordaremos.

Y me ha agradado más de lo que esperaba. Por varias razones. La primera es poder ver, por primera vez, el talento de Alex de la Iglesia detrás de las cámaras. Yo nunca he sido fan del director. De hecho, sus películas más aclamadas me parecen mediocres. "El Día de la Bestia" perdía enteros en su segunda mitad, y "La Comunidad" era un sinsentido propio de película friki subvencionada por el estado. Pero he disfrutado del estilo visual del director en este film. Siendo la intención adaptar una novela como si de una obra de teatro se tratara, de La Iglesia nos deleita con magníficos planos, como el cruce de personajes e intenciones por las calles de la ciudad, o la magnífica secuencia de la interpretación sinfónica (celebración anual del intento de Robert Catesby volar el Parlamento).

La película, basada en la novela homónima de Guillermo Martínez, es adaptada aquí como si de un thriller Hitchcockiano se tratara. La interrelación entre los personajes, la actitud de los mismos, las situaciones enrevesadas, e incluso forzadas, responden al propósito único de mostrar el film como un equivalente a "Vertigo" o a "Marnie". Incluso la música juega un papel fundamental, acercándose notablemente al estilo de Bernard Herrmann, aunque sin llegar a la magneficiencia del mismo, claro. Creo que este film sólo puede ser disfrutado si se mira desde esa óptica de misterio del cine de Alfred Hitchcock de los cincuenta y sesenta. Sin embargo, como ocurre en este género, el desenlace puede parecer algo simplón y poco logrado. Y es que este tipo de películas tienen trampa, al ser construídas a partir de una idea para el final.

El plantel de actores es otro de los valores añadidos al film. Si John Hurt demuestra, como es habitual en él, su buen hacer como actor, insuperable en ciertos momentos, y bastante patético en otros, lo que resulta sorprendente es descubrir a Elijah Wood en uno de sus mejores registros. El actor, consciente de que su físico le condiciona, realiza enormes esfuerzos por darle verosimilitud al personaje, alejándose además de manierismos y etiquetas obtenidas en la saga de Tolkien. Julie Cox también resulta agradable de ver, en un papel quizá más fácil, pero no por ello menos agradecido. Sin embargo, resulta una tremenda decepción atender a la interpretación, en inglés, de Leonor Watling. La actriz, que se esfuerza por parecer natural, tanto actuando como pronunciando, ofrece una pobre actuación llena de sinsentidos y frialdad, en un personaje que, digámoslo claro, sobra totalmente de la película. Es realmente lo peor del film.

Otro factor que me ha agradado es la correcta utilización de las matemáticas en el film. Alejándose de rimbombantes discursos, todo, o casi todo, lo que se dice en el film tiene su sentido lógico, está bastante bien encuadrado y no busca el efecto por el efecto, sino que se enmarca correctamente dentro de la historia. Si bien es cierto que se abusa, como es habitual en el séptimo arte, de la imagen del matemático como ser desequilibrado, complejo y obsesivo. Una lacra que suele acarrear el sector. Pero es de agradecer el respeto con que se trata esta ciencia, alejándose de absurdos como los que uno se puede encontrar, a diario, en series televisivas "Numbers") o películas ("Una Mente Maravillosa"). Y, como punto al estudioso, incluir el autochiste con la demostración del teorema de Fermat (aquí Bormat) no tiene desperdicio.

Una película agradable de ver, que mantiene el tipo la primera hora y que, pasada una semana, cae en el completo olvido.

Se supone que hace tiempo que dejamos ya atrás los tiempos del VHS, de la baja calidad de imagen y sonido. Aún así, parece que, en plena era digital, algunos borricos, en vez de evolucionar, involucionan, disfrutando del auténtico cine en casa, con su pedazo de tele de 42”, y un TS screener mojonero en el que se escucha de fondo a un friki asmático, cuyos comentarios con voz nasal sobre la película, quedaron grabados para la posteridad. Una pena.

Yo os digo lo que habría sucedido: Habría pasado desapercibida para la gran mayoría del público, y los únicos mártires que hubieran tenido el aplomo suficiente para verla hasta el final, verterían las más cáusticas críticas contra un desarrollo del guión pobre, giros de argumento imposibles y actuaciones más que risibles.

Y es que todos los que hoy defienden la película de Indiana Jones y El Reino de la Calavera de Cristal a capa y espada… esas críticas que hablan de “puro cine de aventuras”, están confundiendo objetividad con ilusión.
Por más que intente profundizar en las motivaciones que les llevan a estar tremendamente ilusionados con todo lo que han visto en la cuarta entrega de la saga de Indy, el único motivo que encuentro es porque han vuelto a ver de nuevo a Indiana Jones en el cine, cosa que para algunos puede resultar suficiente.

Pero uno alcanza, lamentablemente, cierta edad, y debe ser un poco más objetivo con lo que le rodea, más crítico consigo mismo y con los demás, exigir cierto nivel, y no conformarse con que Harry vuelva a ponerse el sombrero solamente.

A esos mismos que hoy sólo echan flores a la película sólo les pido que se planteen una pregunta: ¿Que hubiera pasado si el que hubiese dicho, sin venir a cuento, en mitad de una película, con media cara de cartón “Eran arqueólogos…” no fuera Henry Jones Jr., encarnado por Harrison Ford, sino Benjamin Franklin Gates, interpretado por Nicolas Cage?

Es la última pregunta que hago antes de pasar página, puesto que me he propuesto no hablar más de este chasco que me he llevado. Quizás nos estemos haciendo mayores.

Érase una Vez en América. El gran clásico de Sergio Leone.

Recuerdo ver esta obra maestra sin saber siquiera su nombre. En un pase televisivo una noche de 1986. Tenía yo diez u once años. Siempre tuve suerte, mis padrés jamás censuraron ninguna película en casa. Y ahí estaba yo, boquiabierto, quieto, con la mirada fija, experimentando por primera vez un sentimiento que me ha acompañado durante toda la vida: la nostalgia.
No puedo hablar de este film desde mi perspectiva actual, siendo adulto y habiéndolo disfrutado varias veces. He de hacerlo desde la visión de aquel niño que se quedó pasmado ante la historia que le contaban. He de hacerlo rebuscando en mi memoria. Y así empieza...

Érase una Vez en América empieza en mi memoria con 'Amapola', el bello tema de Joseph LaCalle. Con un almacén lleno de cajas, suciedad y polvo. Deborah. Una niña acapara la escena con unos torpes pasos de baile. Qué hermosa. Qué hermosa estaba esa Jennifer Connelly de doce años, de ojos azules y mirada acusadora que me dejó sin respiración a esa edad. no pude evitar sentirme como el joven Noodles, que la espiaba sintiéndose culpable e incapaz de alcanzarla.

"Resbalé...". Aún perdura la emoción que sentí de pequeño cuando vi al pequeño Dominic envuelto en sangre. Quién no hubiera sido Noodles para vengar tamaño hecho atroz. Dominic, el único punto de inocencia que les quedaba, el nexo entre la redención y la vida a la que estaban irremediablemente destinados. Pequeña metáfora que con esos años supe entender. Siempre es el más débil quien sufre. Quien sale perdiendo.

La amistad. La amistad sin condición, la que Max profesaba a Noodles. La que he sido capaz de aplicar en estos años. Érase una Vez en América es un film que habla, ante todo, de la amistad. Los personajes entendían la amistad equivocadamente. Por ella asesinaban, robaban e incluso traicionaban. Pero era la amistad la que los movía, la que les daba sentido a su existencia. Son las traiciones a esa fidelidad las que atormentan a Max durante todo el metraje. Con diez u once años, sentí que no podría haber amigos más grandes que aquellos gángsteres semitas que eran egoístas, malvados, ambiciosos pero, aún así, leales.

Con Érase una Vez en América, al igual que con El Padrino, me enamoré perdidamente de la ciudad de Nueva York. Sus calles, su aroma, su luz, su sonido, su gente, sus bondades y maldades, su corrupción, su grandeza, sus contrastes, su pobreza, todo, absolutamente todo, se presentaba ante mis ojos con hermosa y venerada dedicación. Leone me enseñó a amar el puente de Brooklyn, el barrio judío, los rascacielos. Recuerdo quedarme pasmado antes esos magníficos planos de los chicos recorriendo los muelles de la ciudad, las calles del barrio.

Y esta película jamás podría haberme enamorado de tal modo si no hubiera sido por Ennio Morricone. Sergio Leone lo comprendió perfectamente y prefirió rodar el film con la música ya compuesta, a ritmo de ella. Es la música la que te transporta a aquellos años. Es la música de Ennio la que te sobrecoge de un modo que todavía hoy no puedo explicar. Es la música del gran maestro Ennio Morricone la que lleva la narración el film, sin necesidad de palabras, mostrando los sentimientos y los miedos de los personajes, la culpabilidad de Max, la relación de odio y amor entre Deborah y Noodles, todo, todo queda plasmado en una partitura que ya ha pasado a formar parte de las grandes del cine.

Así recuerdo el film. Años después, y con contínuas revisiones, fui descubriendo otros matices, otras intenciones por parte del realizador. Pero a pesar de todo es 'Amapola' lo que siempre quedará en mi recuerdo.

No me extraña todo el hermetismo con el que se lleva la producción, ni tampoco los tiempos medidos a la perfección de una campaña de marketing que lleva ya mucho tiempo en boca de todos.
Nadie sabe a ciencia cierta si la película The Dark Knight, cuyo fenomenal poster ya se ha publicado en este blog, ilusionará o decepcionará.
Se desconoce si será un peliculón, u otra del montón. Lo único que es innegable es que todo lo que rodea a este film, indica que nadie se lo está tomando como un juego de niños, y que ningún aspecto se ha improvisado o tomado a chufla.
Ahí está el Dos Caras que siempre quise ver, desde que aquellos dos oscurísimos capítulos de la serie de dibujos de Batman me impactaron. Aquellos episodios en los que se mostraba una muy acertada génesis de mi villano favorito.
Ese Dos Caras, que traté de encontrar infructuosamente de la mano del genial Tommy Lee Jones en aquella bochornosa Batman Forever. Y digo genial, refiriéndome a otras películas, por supuesto.
Ese Dos Caras, que por fin queda plasmado tal y como yo siempre deseé, en el actor Aaron Eckhart. Tenebroso, desgarrador, amenazador, un Dos Caras sin edulcorantes. Como ya he mencionado antes, nadie sabe nada sobre cómo desarrollará el papel el actor, pero la sola presencia de esta imagen ya impone.
Intento templar los ánimos y no dejarme llevar por el entusiasmo, pero es inevitable soñar, como una vez hice, con que alguien cogiera al personaje del cómic, y lo plasmara tal y como yo habría hecho. Parece que ese sueño ya se ha cumplido.
¿Qué nos deparará la película? Habrá que esperar hasta Agosto.
Yo, con esto ya me quedo un poco más tranquilo, porque puede que, por fin, Dos Caras sea un malo, de los malos de verdad.

Nos referimos al inabarcable napolitano Carlo Pedersoli, máximo representante del cine de babuchas, del cachetazo chabacano, el idolatrado y siempre admirado Bud Spencer.

¿Quién no ha crecido viendo a este titán repartir mamporros a diestro y siniestro contra esos feos, sucios, grasientos y horterísimas italininis de los años setenta? ¿Quién no ha disfrutado del sonoro 'poto...PLOM que inundaba el monoscópico sonido de los televisores cuando Spencer chocaba los cabezones de dos patéticos esbirros que se le cruzaban? Y qué decir de las míticas escenas del spaghetti western, donde el gigante italiano aporreaba, golpeaba, empujaba, tiraba por los aires, daba barrigazos, cabezazos, cachetadas, puñetazos y todo tipo de ataques contra la dignidad del secundario a sueldo.

Qué pena que se haya extinguido el cine que a tan buen término llevó Spencer. Acompañado en diecinueve películas del inseparable Terence Hill, que nunca le hizo sombra, nos hizo disfrutar de toda clase de situaciones aberrantes, despropósitos de guiones, escenas sin sentido cuya única finalidad consistía en acabar a porrazos con alguien. Ahora, que vivimos una época de deformados (y deformantes) valores, se echa de menos un humor grosero, simplón, inocente y bastante patético como el de aquellas películas italianas de los setenta. Si yo fuera actor, ni Robert de Niro, ni Al Pacino ni leches en cebollas. No habría mayor honor que recibir un mamporrazo sonoro con esas manos de orangután del enorme Bud.

Por otra parte, se podría comparar a Pedersoli con Leonardo DaVinci. Un genio renacentista capaz de hacer de todo. Un hombre que ha sido campeón mundial de natación, representante en los juegos olímpicos, siendo el primer italiano que nadó los cien metros en menos de un minuto. Además, profesional del Waterpolo. En conjunción a su etapa de actor, el grandísimo Spencer es además piloto de jets y de helicópteros. Y no sólo eso. Este señor es licenciado en derecho, habla seis idiomas, y ha participado activamente en política de la mano del despiadado Berlusconi. Y aún más. Spencer incluso fundó y fue propietario de una línea aérea, empresario de cabo a rabo, montó una empresa de ropa para niños.

Cuenta la leyenda que cambió su nombre en 1967, americanizándolo a Bud Spencer. El apellido en honor al paradigma del americano de clase media, Spencer Tracy. El nombre en honor al paradigma de la bebida del hombre de clase media, Budweiser. Sea verdad o no, qué grande eres Carlo.

El hombre con ranuras como ojos es para mí un modelo a seguir. Quedan en mi memoria sus míticas interpretaciones en 'Le Llamaban Trinidad', 'Dos Super Esbirros' o 'Supercop'. Ahora que vivimos una etapa donde el retro está de moda, sería glorioso recuperar a este 'grande' de la interpretación en algún film de Tarantino. Siempre al lado de su eterno compañero Terence, en alguna propuesta chabacana y grosera que tan magníficamente saben realizar. Una utopía, por cierto, para una nueva generación de espectadores que no entiende el cine como tal, y cuyos valores cinematográficos pasan por expandir el mundo de los videojuegos.

Ahí está, un auténtico mito viviente. BUD SPENCER. Así, con mayúsculas.

Todo aquel que me conozca ligeramente, sabe que estoy estigmatizado por este film de Paul Verhoeven, estrenado en España a finales de 1987, pero que yo no pude ver hasta varios meses después, ya en un cine de Madrid.
Creo, que, por primera vez en mi vida, voy a intentar poner en orden todo lo que este sórdido y oscuro film significa para mí, y voy a tratar de revelar, de una vez por todas, la pasión, tildada de desmedida por muchos, que me suscita dicha película, gran referente del cine fantástico y de ciencia ficción de los años 80.
De RoboCop me impactó en su día, nada en particular, pero todo en general. Palabrotas, humor, ultraviolencia explícita, justicia ciega, tiroteos indiscriminados, sadismo, la venganza más allá de la propia muerte, robots incontrolables, yupis acribillados… A un chaval de 14 o 15 años, esto es más que suficiente para que queden en el recuerdo imborrables momentos como el fusilamiento por parte de ED-209 a un novato ejecutivo con cara de pavo, o la majestuosa irrupción de RoboCop en la fábrica de cocaína en la que no deja títere con cabeza.
Con el paso del tiempo, la reflexión sosegada que da la edad, y el haberse tragado excrementos fermentados como ‘Independence Day’ o  ‘El motorista fantasma’, uno aprende a valorar matices, guiños y cuestiones más profundas  que el realizador holandés nos plantea en su primera película hollywoodiense.
Robocop nos muestra la figura de un ser mitad hombre mitad máquina que aún resultando el paradigma del ideal fascista, en la que hace de juez, jurado y verdugo con una pasmosa ligereza, nos resulta enternecedor en contraste con los ejecutivos desalmados, asesinos sádicos, policías corruptos y un sinfín de escoria social que el director retrata con cruel cinismo, situándolo en un futuro no muy lejano, pero cuyos comportamientos podrían aplicarse atemporalmente.
La violencia y la profundización en los mecanismos del odio en el cine de Paul Verhoeven son mostradas desde un visceral punto de vista, captando un retrato del ser humano, enfermizo en todas sus facetas, y abocado a la violencia como solución ante cualquier problema.
Me gusta comparar RoboCop con una de mis novelas favoritas, Frankenstein de Mary W. Shelley, y es que, al igual que el engendro creado por Viktor Frankenstein, Robocop lleva el sufrimiento y el dolor marcado desde su nacimiento, emprende una atormentada búsqueda de su creador-enemigo, y sufre la violencia de sus antiguos semejantes en demenciales persecuciones. El ser artificial se convierte en ser repudiado.
En otro orden de cosas, mención especial, aparte de los efectos especiales, impresionantes para la época, de Rob Bottin y Phil Tippett, es la banda sonora, a la que jamás encontraré un apelativo que la califique, del genial Basil Poledouris.
Desde la primera hasta la última nota, nos encontramos ante una fragorosa obra de viento y metales y toques electrónicos (no podía ser menos), con un tema central digno de cualquier super heroe que se precie.
Si tuviera que elegir un tema, éste sería “Betrayal”, música que acompaña a la escena en la que Robocop es acribillado sin ningún tipo de piedad por sus propios compañeros policías, emprendiendo una desesperada y agónica huída por los subsuelos del edificio de la OCP. Esta escena no sería la misma sin el acompañamiento de Poledouris.

No se puede obviar que la particular contribución al cine fantástico de RoboCop es determinante, convirtiéndose en un film de culto. Un punto a favor que posee, es que difícilmente podría rodarse con la misma visceralidad en la actualidad. Con los tiempos que corren ahora, medio mundo se echaría las manos a la cabeza si sus hijos de 12 años vieran una película, en la que un policía le mete tres tiros en los testículos a un yonqui violador.

RoboCop me marcó, y no me avergüenzo de ello.

Y la verdad, que quieren que les diga, es que no me ha convencido para nada. Esperaba mucho más de Brad Bird, el director de esa maravilla de la animación titulada El Gigante de Hierro, y de esa magnífica aventura doméstica de nombre Los Increíbles.

Ratatouille tiene a su favor, como ocurre con cada nueva producción Pixar, la absolutamente gloriosa animación 3D que rozan la perfección plano a plano. Es de sobras conocido que cada propuesta de la compañía viene acompañada del desarrollo de una nueva técnica de animación. Así, si en Monstruos S.A. se perfeccionó la recreación del pelo, y en Buscando a Nemo la del agua, las corrientes marítimas y la luminosidad, Ratatouille despunta en cuanto a la digitalización de escenarios. Es fascinante descubrir las calles de un Paris más hermoso que nunca a través de los ojos de Remy, el protagonista. Desde el enladrillado del asfalto, hasta la textura de los edificios, todo en esta película es puro arte. Pixar no necesita redibujar la realidad para crear entornos verídicos y sostenibles. La traslación a CGI del cartoon clásico Disney empapa el film de una asmótfera de veracidad nunca vista. Así, los movimientos de los personajes son cada vez más realistas (que lejos queda Toy Story), y las bandas de ratas que asolan la cocina del restaurante Gusteau parecen completamente reales, sobre todo en las estampidas de fuga. Quién dice que las matemáticas no son arte cuando los algoritmos de colisión empleados hacen de esta escena una delicia de la animación.

Sin embargo Ratatouille fracasa estrepitósamente en su guión. ¿Qué ocurre con Pixar? Da la sensación de que la fábrica de ideas se agota poco a poco. Se está perdiendo, a ritmo acelerado, la acidez de sus primeros films, y sobre todo de sus magníficos cortos. La historia que aquí se trata resulta sensiblera, demasiado dulce. Y eso no es lo peor. Encima no es ni siquiera original. La búsqueda del estatus en la sociedad, mezclado con el American Way, y la exaltación de la amistad han sido expuestas hasta la saciedad en la gran pantalla. ¿Tiene algo que ver la adquisión por parte de Disney? Probablemente, aunque no tanto como pueda parecer. El resultado de un guión tan flojo es una película que hace mirar el reloj cada cuarto de hora, y que da la sensación de haber sido vista ya, amén de lo predecible en todos sus aspectos. Si encima Remy hubiera cantado canciones como en La Sirenita (aunque esta última es una maravilla) hubiéramos podido vomitar casi.

Otro punto en contra es el doblaje. Y esta vez no ataco a los actores de doblaje de aquí. Vi la película en su versión original y me pareció lamentable la actuación de los intérpretes, que prestan unas voces insulsas, carentes de sentimiento y profundidad. Un auténtico desastre que sólo salva la asombrosa interpretación de Peter O'Toole como Anton Ego, el crítico culinario. Y es que donde hay talento no hace falta mucho más.

Michael Giaccino, como compositor del score, también fracasa. Una pena, pues su última composición para Pixar, la banda sonora de Los Increíbles fue grandiosa. Aquí se limita a introducir temas de corte parisino sin acierto, con cortes de música incidental que pasa completamente desapercibida.

En fin, me pregunto si estamos ante la caída artística de una empresa que comenzó bajo el sello LucasFilm, despuntó como independiente, y ahora se sumerge en el sistema Hollywoodiense bajo el yugo de la Disney. Sólo queda tener esperanza de que Wall-E, su nueva producción, esté a la altura de obras maestras como Toy Story.

Con este poster no se necesitan más palabras. Chulo, chulísimo como él solo. Ahora sólo falta que Christopher Nolan componga un film acorde al estilo visual y narrativo del Señor de la Noche (ay, con las traducciones al castellano) de los cómics. No lo creo.

Personalmente Batman Begins no me pareció una película redonda. Más bien lo contrario. El tratamiento completamente equivocado de Ra's Al Ghul me pareció execrable, y la utilización del Espantapájaros como villano de la función, ridículo.

Pero bueno, la verdad es que meter al Joker en un film de Batman siempre es un aliciente. Y parece que el fallecido Heath Ledger va a dar vida a la némesis del héroe con una intensidad y veracidad nunca vista en pantalla. Si a eso le sumamos que Aaron Eckhart cuadra a la perfección con el perfil de Harvey Dent, poco más hay que decir.

Esperemos, eso sí, que Maggie Gylenhaal de la talla por encima de la sosísima Katie Holmes, y que el equipo formado por James Newton Howard y Hans Zimmer desarrollen un score un poco más lúcido que su predecesor.

Y, como detalle adicional, señalar que uno de los actores fetiche de sombrereroloco.net, Mr. Eric Roberts, tiene un papel, de villano por supuesto, en esta función.

Desde sombrereroloco.net os animamos a que nos acompañéis, el próximo 22 de Mayo, al estreno de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal.

La cita será en el multicines Bahía de Cádiz (El Corte Inglés). Se ha decidido, por temas de horario laboral, asistir a la sesión que esté comprendida entre las 20h y 21h de la noche. Después de comentarlo con los presentes, se ha estimado que la fila deseada se sitúa entre la 6 y la 9.

Todo aquel que quiera unirse al evento bien puede enviarnos un email privado o realizar un comentario a este post indicando el número de asientos deseados.

En cuanto se pongan en venta las entradas realizaremos la tramitación de tantas butacas nos hayan sido confirmadas.

¡¡¡Animaros!!! Esta es la última de Indy, que a Harry le quedan dos telediarios, y merece la pena ir a verla con los amigotes de la infancia.

Evito siempre el terreno de las series de televisión, exceptuando aquella licencia poética con Ellen Pompeo, por gorda, y es que reconocerán que en el ámbito de las series hay mucha tela que cortar, empezando por ‘Mujeres desesperadas’, ‘Sexo en NY’… y me voy a callar, porque como me ponga hecho un energúmeno sólo va a ser culpa mía por mentarlas.
Y ya para culminar, ¿Qué tal una super-producción dirigida por Ronald Emmerich, con Chevy Chase, Sandra Bullock, Ellen Pompeo y Pe de protagonistas? Una comedia romántica de enredos, desencuentros y espectaculares C.G.I's... ¡La película del año!

En cualquier caso, dos son los proyectos que verán la luz este verano. La adaptación de Iron Man y la del Increíble Hulk. Si bien el primero está anunciado a bombo y platillo por todos los multiplex del planeta, con stands, giga-posters y tropecientos trailers, el segundo está pasando casi desapercibido. Parece que Marvel no termina de mojarse en la difusión del film.

Y no le falta razón. La primera adaptación de las aventuras del gigante verde fue denostada hasta la saciedad por crítica y público. Una suerte de errores encadenados desembocaron en un film lento y tedioso. Ang Lee, un director que hasta entonces había despuntado en todos los géneros, no supo dejar su impronta en una película que le salió pedante y aburrida. Las dos horas y media de duración resultaron eternas para el espectador medio. El conflicto paterno filial que sufre Banner resultaba inapropiado en una producción de estas características, y además era ajeno al origen del personaje. La acción se resumía a cuatro planos de Hulk saltando y repartiendo leña. Sin embargo, el error principal fue la traslación del personaje a la pantalla, un trabajo de ínfima categoría producto de una Industrial Light and Magic que no sabía muy bien qué hacer con tanto color verde o, como apuntan algunas voces, consecuencia de dudosas decisiones unilaterales en las altas esferas de la empresa. Es verdad, Hulk parecía hecho de goma. No tenía consistencia ni suficiente volumen. El personaje no respondía a las leyes de la gravedad en sus movimientos, que es el factor decisivo de credibilidad de cualquier CGI. Y es una lástima, porque los actores estaban bastante bien, y Eric Bana daba a la perfección el perfil de Bruce Banner. Por mi parte he de reconocer que, a pesar de sus defectos, a mí me gustó.

Y ahora Marvel ha decidido obviar el film anterior. Cambiando completamente el equipo técnico y artístico, ha producido una película de superhéroes propiamente dicha. Ha optado por un director acostumbrado al cine de acción como es Louis Leterrier, que no me queda muy claro si es un acierto, a tenor de films como Transporter o Danny the Dog, y los personajes son interpretados por nuevas caras. El punto principal reside en Edward Norton, grandísimo actor (de los mejores del panorama actual, diría yo) con un potente e incuestionable carisma, muy aficionado a meter las narices en los montajes finales de sus películas (aunque para bien, me atrevería a decir), que interpreta a un Bruce Banner vagabundo, muy parecido al Bill Bixby de la exitosa serie televisiva de los setenta. Aquí el personaje se acerca más a su homólogo en papel, un fugitivo sin nombre que malvive ocultando un terrible secreto. Por otro lado tenemos a Tim Roth, otro actor de renombre y buen hacer, para dar vida al malo de la película: Emil Blonsky, alias Abominación. El personaje de Betty Ross pasa a manos de Liv Tyler que, si bien carece del talento de Jennifer Connelly, tampoco está mal. Y el General Ross es interpretado por un William Hurt con cara de pocos amigos.

La gran cuestión es si habrán conseguido esta vez dar realismo al Coloso Esmeralda. Y viendo el trailer debo pronunciar un rotundo "SI". Está realmente clavado en expresión, en movimientos, en volumen, en color, en todo. Es Hulk. Es Hulk de verdad.

No se si será un gran film, lo dudo. Más que nada porque no se puede pedir demasiado de un personaje que está todo el día enfadado repartiendo leches, o gritando "Hullllkkk no tenerrr amigosss". Quizá la propia propuesta en sí es absurda. Pero esta vez sí que me llama la atención ver la película. Supongo que el reclamo principal es el propio Norton, que se cuida muy mucho de hacer productos de baja calidad. Además, hay un detalle que me hace cierta gracia. Habiendo tomado Marvel el control absoluto de sus producciones, podremos ver en "The Incredible Hulk" incluso un cameo del propio Tony Stark, interpretado por Robert Downey Jr. ¿Ocurrirá también al revés? ¿Se mencionará a Banner en el film sobre Iron Man?.

La respuesta, este verano en los cines de todo el mundo.

El "otro glamour" de Nick Nolte

Continuando con la reputada, al menos para este blog, serie de actores fetiche, hoy le toca el turno a Nick Nolte. Quién no conoce a este pedazo de actor, arrogante, mercuriano y divertido. De ahí que, siempre desde la admiración y el respeto, y para no caer en la desidia y aburrir al personal haciendo un repaso a su archiconocida carrera como actor y abrumándolo con buenas críticas y datos sobre películas, repasemos, a lo largo de una galería gráfica, al “otro” Nick Nolte, a ese deslumbrante espíritu libre, que hace lo que le viene en gana, sin importarle el qué dirán. Ese otro Nick Nolte, pendenciero, alcohólico, camorrista, pasota…

Uno se queda impactado ante la crudeza de la galería de imágenes que acompañan esta entrada, y no es para menos. Surgen infinidad de cuestiones al respecto, como por ejemplo ¿Cómo un señor tan mayor, y tan propenso a auto infligirse semejantes humillaciones y sufrimiento a su organismo, aún sigue vivo… y coleando? Estoy convencido de que el interior de Nick Nolte debe estar forjado con alguna extraña aleación de Kevlar, o Adamantium si me apuran, pero en vez de adherido a los huesos, como Lobezno, formando parte de las paredes internas del estómago, riñones y vejiga.

Quizás la respuesta a esta anormalidad de la naturaleza se encuentre en la siguiente afirmación: Nick Nolte es un superviviente. Pero no al estilo de los afeminados pusilánimes de Tele5. Me refiero al término superviviente, aplicado en términos de guerra.
No conozco a nadie, exceptuando quizás a Peter O´toole o al fallecido Richard Harris, que, habiéndose visto en tal cúmulo de tesituras, situaciones embarazosas y lapsos alcoholicos, siga gozando de una arrolladora fama y tan buena consideración.
Un ejemplo de lo que ocurre habitualmente lo encontramos en Robert Downey Jr., cuya carrera se encargó personalmente de arrojar por el water, para posteriormente, y por si fuera poco, tirar él mismo de la cadena. Cualquier otra persona en la misma situación, sería considerada un desecho, un despojo execrable de la sociedad.

De ahí que sea admirable como, aún llevando colgado un cartel a cuestas que se pueda leer clara y meridianamente “Autodestrucción”, resurja una y otra vez de sus cenizas.
Y es que, cuando se pone, se pone, y al verlo tan inmenso en cualquiera de sus última películas, The Spiderwick Chronicles, Hotel Rwanda… cualquiera diría que tiene el hígado pidiendo cuartelillo, o que está viviendo un auténtico romance con cualquiera de sus colegas, Johnnie Walker, Justerini & Brooks, o Savín, de los Savín de toda la vida.

Pero la cabra siempre tira al monte, y ese carácter férreo que le hace ser un espíritu libre, es digno de admiración. No es la primera vez que, tras recibir un aluvión de encomios y alabanzas sobre su última actuación en tal o cual película, lo pillan saliendo en pijama de un supermercado, cual Troy del Supersol del Estadio, o como una auténtica cuba, hecho un menesteroso, buscando bronca con algún representante de la ley.

Su filosofía de vida, esa que aplica la máxima de “El que no quiera verlo, que no mire”, es ese aspecto que le hace fascinante, y que no queríamos dejar pasar por alto.

Es una leyenda, y se lo merece.

1. BEAU BRIDGES

Lo mío con la familia Bridges debe ser cosa del destino. Pero hay cosas que uno no deja de preguntarse, como por ejemplo, a igualdad de oportunidades ¿Cómo un hermano, Jeff, puede triunfar en el mundo del cine y ser cariñosamente recordado, mientras que el otro, Beau, es un actor de quinta fila, olvidado y ultrajado? ¿Alguien es capaz de mencionar una película que la protagonice el mayor de los Bridges, y que un 60% de nosotros la recuerde? En su filmografía seleccionada (porque la completa la componen más de 150 entradas), uno es absolutamente incapaz de encontrar algún título que suene, exceptuando tal vez Jerry Maguire. ¿Los azares de la providencia?. Más bien un misterio de la naturaleza.

2. EDWARD FURLONG

Su irrupción como co-protagonista en el éxito del momento "Terminator 2" auguraban un futuro prometedor para este chaval con cara de pillo… pero de pillo de los 90, porque ahora lo coge un Fali del Siglo XXI a solas, y la de cates, tobas, machaquitos y cosquis que se lleva es poca. Esta súper-estrella en ciernes se fue diluyendo poco a poco, recordando todos "American History X" y poco más. Bueno, si, ha participado, aparte de en unos cuantos encuentros de alcohólicos anónimos, en la quincuagésimo sexta parte de la franquicia de "El Cuervo" (The Crow: Wicked Prayer (2005)).
 

3. ROB LOWE

Guaperas por excelencia, portada y motivo de los forros de las carpetas de las hormonadas en exceso adolescentes de finales de los 80, pero la pregunta sigue siendo la misma ¿Alguien recuerda algo que haya hecho, que no sea un papel extremadamente corto?. Si me apuran, puedo hasta preguntar ¿Ha hecho algo?. Sin duda es de esos actores que perduran y perduran sin que haya dado un palo al agua, porque, y a los hechos me remito, este muchacho no es que tenga una extensa filmografía, así que, aparte de probar todas las sustancias estupefacientes habidas y por haber en este planeta... ¿a qué se ha dedicado? Una cosa a la que si que no le voy a quitar mérito, y es al pacto que ha firmado con el diablo... Este tío se conserva en formol, ¿o es en alcohol?.

4. Cualquiera de los BALDWIN (exceptuando a ALEC, por supuesto)

Lo cierto es que la familia Baldwin daría para más de un artículo en esta página, y no precisamente por la calidad de las actuaciones, sino más bien por los escándalos, guirigáis y juergas variadas que han protagonizado. Como en un buffet libre, podemos elegir entre William, Stephen y Daniel. Cualquiera de los avezados lectores llegará a comprender que la filmografía junta de los tres hermanos no le llega a la altura de la suela del zapato del incombustible Lou Diamond Phillips, que ya es decir.
Eso si, el incondicional amor hacia las bebidas de diversa gradación alcohólica no tiene parangón, declarando el mismismo Nick Nolte al respecto "¡Manda cojones! ¡Esto es increíble!".

5. TIM ALLEN

¡Ah! El gran Tim Allen. ¿Qué sería de nosotros sin el gran Tim Allen? Pues, la verdad, no pasaría nada, la vida sería igual. Da la sensación de que es el típico actor-escoba, es decir, que coge los papeles que nadie quiere. Por poner un ejemplo, el papel principal de "¡Vaya Santa Claus!" originariamente fue ofrecido a actores de tan diversa talla como Robert Duvall, Michael Keaton… y ¡hasta al mismísimo Rob Lowe! El olfato de Tim Allen, esta vez sirvió para algo más que para catar estupefacientes, y le permitió coger carrerilla y ganarse un respeto entre los hermanos Baldwin, y Eddie Murphy.

6. JASON PATRIC

¡¡Ahí está el tío!! Viviendo de los royalties que le porporcionó ser uno de los protagonistas de "Jóvenes Ocultos", para pasar a ser un joven oculto, y ya últimamente, oculto a secas.
Se arrastra sin pena ni gloria por el mundo del celuloide, con cada vez menos pelo, y más cara de palo… con la fulgurante carrera que tenía por delante. Papelones, y nunca mejor dicho, como los que tuvo en "Speed 2", con la celebérrima Sandra Bullock a su lado, le valieron una avalancha de ofertas en papelitos secundarios, unos con más acierto, como "Sleepers", y otros execrables, como "Gerónimo". Últimamente se le ha visto "En el valle de Ellah", apocado y como una sombra de lo que (nunca) fue.
De todas formas, con amistades como las de la foto, quién quiere a los Baldwin como enemigos. Ay! Jason! ¡Hay que andarse con más ojito!

7. WOODY HARRELSON

Este me cae bien. Actor patatero como él solo con una frente que no cabe cinemascope. Maneja la expresión de tonto que tan bien se le dió en Cheers como la expresión de asesino en serie de "Natural Born Killers". Como es habitual, ha pasado por comisaría por bailar con el badajo colgando en medio de la calle y golpear al agente que le detuvo. También le hacen la fotito de rigor cuando le detienen por posesión de estupefacientes (que raro). Su padre Charles, otro prenda: condenado a cadena perpetua por el asesinato de un Juez, muere en una prisión de alta seguridad en Colorado, no sin antes humillar públicamente a su hijo poniéndolo de imbécil redomado. Harrelson se confiesa adicto sexual imposible de curar. Se le va la pinza de vez en cuando, y se las pira a Nairobi a vivir en una tienda de campaña y experimentar a base de petas. También parece que gasta mala leche, pero no deja de resultar un tío francamente gracioso.

8. JOHN STAMOS

Vaya prenda éste. El niño guaperas de "Padres Forzosos" hubiera sido el perfecto Peter Parker de los 80. Despuntó en televisión, donde parecía que se comería el mundo, y lo que se comió fue una polla como una olla. Se casa con una supermodelo como Rebbeca Romjin que en dos días le adelanta en la carrera por la fama, sumergiéndolo en el más puro ostracismo, y en un tanque de ginebra además. Últimamente le da por salir como una cuba en entrevistas televisivas. Warner Bros. no ha tenido más remedio que exiliarlo a Australia después de salir en televisión en alto estado de intoxicación etílica, denunciando el micro-pene del crítico Stephen Downie, insinuando haberse tirado a Mary-Kate Olsen (¿el tv-incesto produce anorexia?) y siendo incapaz de pronunciar su propio nombre con el tajazo mortal que lucía el colega. Y eso que a mi madre éste le gustaba como yerno...

9. LOU DIAMOND PHILIPS

Otro que tal anda. El tío que más minorías étnicas ha interpretado. Que si hispano, que si indio, que si esquimal, vamos, un chufla. Su carrera tuvo inicios fulgurantes, con ese film tan triste titulado "La Bamba", triste de malo que era, claro. Luego se unió a una pandilla de fracasados en "Arma Joven" ese subproducto equivalente al éxito que supuso "Rebeldes" para el Brat Pack, pero al revés. Todos los protagonistas vieron sus carreras sumergidas en basura. Encima resulta que el tipo este sólo tiene 1/8 de sangre Cherokee, y lleva vendiendo el rollo toro-sentado veinte años. Los mismos que hace que no protagoniza una película decente, encadenando desastre tras desastre, y conformando así una de las carreras cinematográficas más penosas y prescindibles.

10. ERIC ROBERTS

Este de aquí es de los casos más lamentables de arrojar una carrera por el váter. El que fuera número uno de su promoción en al Royal Academy of Dramatic Arts de Londres sufrió tres lamentables encontronazos con la vida que le dejaron hecho un paria. Para empezar, un carajazo en coche del copón, borracho como una cuba, que le dejó más mala cara que los pollos de Simago. Luego, una pequeña inclinación natural al consumo de estupefacientes, sobre todo cocaína, que desembocó en un carácter impulsivo e irascible que le costó más de un rodaje. Finalmente, como es de esperar, la mala suerte de tener una hermana larguirucha y bocazas que de la noche a la mañana se convierte en "la novia de América" y prácticamente le escupe a la cara. Ya es mala suerte para el pequeño ‘Carapalo’ Eric, que ha acabado alternando cubatas con rodajes de subproductos denigrantes como "Best of the Best", "The Nature of the Beast" o "Blood Red", filmes desdeñables donde los haya, que le han hecho especializarse en roles de esbirros del malo maloso, o psicópatas con mala leche.

(Pettenman & Saqman)

Y ya por último, por lo que más gorda me cae (¿He dicho que me cae gorda?), y probablemente ella no tenga la culpa, sino más bien su agente cinematográfico, es con respecto al papel que interpreta en “Anatomía de Grey”. Va de persona atormentada y maltratada por la vida, haciendo pagar a justos por pecadores, teniendo un comportamiento al más puro estilo de niñata de 15 años “Hoy quiero rollo, pero mañana no” “Estoy enamorada, pero no quiero que él se de cuenta”.
Afronta unos problemas de gran calado, que requiere de sus maravillosas dotes como “doctora”, como por ejemplo ”Mi mejor amiga mira mucho a mi chico ¿Estarán liados?”, “¿Preservativo con o sin estrías?”. La verdad es que tienen muchos puntos en común esta feminista liberada de pastiche y las revistas feministas liberadas de pastiche (de las que intentaré hablar algún día de ellas). ¡Ojo! Y no estoy en contra de la igualdad hombre-mujer, ni mucho menos. Estoy en contra de aquellos y aquellas que, esgrimiendo argumentos de igualdad, pretenden tener la sartén por el mango para hacer la puñeta a los demás.

Por todos estos motivos, la inefable Ellen Pompeo, pasa a formar parte de ese particular Olimpo de actrices vituperables, de las que el mundo no habría echado de menos si hubieran orientado su vocación hacia trabajos más grises y menos públicos. Ah! y de la china fea colega suya, mejor ni hablamos.