Okay, I swear I have a point, as this is connected to Beverly Hills Chihuahua, which I saw on Friday night and actually really enjoyed. After having seen the highly enjoyable Choke immediately before, I wasn't expecting much from this, especially since the movie starts out with a scene full of spoiled lap dogs at the spa and their mouths are moving in such a fake way it just was annoying, but once I got past that it was actually quite an entertaining movie. This spoiled Chihuahua from Beverly Hills gets left with its owner's niece who then takes it to Mexico, where it gets lost and then kidnapped by some of the most infamous Mexican dog fighters. Anyhow, I won't give more away than that, but the whole movie is hilarious and the dogs are actually are quite forward in their flirtations with each other ("if you ever need somone to lick inside your ears or chew the hard to reach places") and are very lovable! If you have any little ones in the family, it is a great excuse to go see this, or else just rent it when it comes out on video...

I guess the movie was called South of the Border while it was being filmed, here is a cute video I found of an interview by a Mexican television station with the actors from the film. I love Manolo Cardona, the Colombian actor who plays the sexy landscaper... *drool* Colombia te quiro!

Del 27 de agosto al 6 de septiembre se celebró la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia cuyo jurado de la sección oficial estuvo presidido por el director Win Wenders.

El palmarés fue el siguiente:

SECCIÓN OFICIAL

-LEÓN DE ORO: “The Wrestler” de Darren Aronofsky

La película de Aronofsky retrata el ocaso de Randy Robinson un luchador que empieza a acusar el paso de los años y las secuelas de tantas peleas.

El protagonista de la cinta no es otro que Mickey Rourke que lleva a cabo una brillante interpretación (con ovación del público incluida) que, por una formalidad del festival, no fue premiada con la Colpa Volpi.

-LEÓN DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: Aleksei German Jr. por “Bumažnyj soldat (Paper Soldier)”

German Jr. relata la vida del médico Daniel Pokrovsky cuya difícil labor es designar a los astronautas que deberán viajar en el primer vuelo tripulado al espacio.

-PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “Teza” de Haile Gerima

“Teza” cuenta la historia de Anberber, un intelectual africano que después de estar exiliado en Alemania (donde ha estudiado la carrera de medicina), vuelve a Etiopía durante el represivo régimen marxista de Haile Mariam Mengistu para emplear sus conocimientos en ayudar a sus compatriotas.

-COPA VOLPI A LA MEJOR ACTRIZ: Dominique Blanc por “L’Autre”

Blanc interpreta a una mujer madura que, incapaz de superar una ruptura amorosa, penetra en una espiral de locura que incluye un desdoblamiento de personalidad.

-COPA VOLPI AL MEJOR ACTOR: Silvio Orlando por “Il papà de Giovanna”

Orlando da vida a un padre que, en la Bolonia de 1938, hará todo lo posible por proteger a su hija adolescente que ha asesinado por celos a una compañera de la escuela.

-PREMIO MARCELLO MASTROIANI AL MEJOR ACTOR/ACTRIZ REVELACIÓN: Jennifer Lawrence por “The Burning Plain”

“The Burning Plain” es la opera prima como director de Guillermo Arriaga al que conocemos por su ya truncado tándem con González Iñárritu.

El guión se estructura en cuatro historias distintas (como ya sucedía en “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel”) que se irán entrelazando. Junto a Kim Basinger y Charlize Theron, aparece la premiada Jennifer Lawrence que interpreta a una joven de 16 años que intenta recomponer el matrimonio de sus padres.

-OSELLA A LA MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Maxin Dorzdov, Alisher Khamidhodjaev por “Bumažnyj soldat (Paper Soldier)”

-OSELLA AL MEJOR GUIÓN: Haile Gerima por “Teza”

-LEÓN DE ORO ESPECIAL A TODA UNA CARRERA: Werner Schroeter

Director alemán del que ignoraba su existencia y que presentó en la Mostra su película “Noche de perros” (basada en la novela “Para esta noche” de Juan Carlos Onetti). Como ya hemos señalado se llevó el León de Oro Especial, pero su cinta recibió las peores críticas del certamen.

LEÓN DEL FUTURO

-LEÓN DEL FUTURO-PREMIO LUIGI DE LAURENTIS A LA MEJOR OPERA PRIMA: “Pranzo di Ferragosto” de Gianni di Gregorio.

Esta comedia relata las tribulaciones de Gianni, un sesentón que todavía vive con su dictatorial madre (una aristócrata en horas bajas), y al que sus supuestos amigos y algún que otro acreedor terminan endosándole sus respectivas madres para que Gianni las cuide durante el puente de la Asunción.

SECCIÓN HORIZONTES

-PREMIO VENECIA HORIZONTES: “Melancholia” de Lav Díaz

En esta película, cuya duración es de siete horas y media, el director filipino plantea una serie de preguntas (sobre el dolor, la felicidad, la tristeza y la locura del mundo) que sus protagonistas, Alberta, Julián y Rina, intentarán responder en medio de la represión militar que azota su país.

-DOCUMENTAL HORIZONTES: “Beyond Sea Level” de Gianfranco Rosi.

Rosi presenta en este documental la historia de una pequeña comunidad del desierto de Nuevo México (filmada durante cuatro años) que vive sin agua, sin electricidad, sin policía y sin gobernantes.

-MENCIÓN ESPECIAL: “Un lac” de Philippe Grandrieux (historia de una familia que vive en una casa aislada cerca de un lago) y “Wo me (We)” de Wenhai Huang (documental sobre la disidencia china).

SECCIÓN CORTO CORTÍSIMO

-LEÓN CORTO CORTÍSIMO: “Tierra y pan” de Carlos Armella

-MENCIÓN ESPECIAL: “Vacsora (The Dinner)” de Karchi Perlmann

-PREMIO UIP MEJOR CORTO EUROPEO: “De onbaatzuchtigen (The Altruists)” de Dejaegher Koen

PREMIO FIPRESCI DE LA CRÍTICA: “Gabbla” de Tariq Teguia

Malek, un topógrafo que debe investigar e informar sobre la prolongación de una línea eléctrica, se encuentra con una inmigrante clandestina que desea cruzar la frontera para ir a España

El Festival homenajeó al gran cineasta italiano Ermanno Olmi que recibió el León de Oro como reconocimiento a toda su carrera de las manos de Adriano Celentano. Olmi, recordado por películas como “El árbol de los zuecos” de 1977 (Palma de Oro del Festival de Cannes y Premio César a la mejor película extranjera) o “La leyenda del santo bebedor” de 1988 (León de Oro en Venecia y cuatro premios David de Donatello), rodó en 2007 la interesante “Cien clavos” (estrenada en España el pasado 12 de septiembre) y con ella anunció su retirada del cine de ficción para dedicarse exclusivamente a los documentales.

Briony  

Guillermo Arriagas porta a Venezia un film onesto, vedibile, ma non certo indimenticabile che paga un dazio forse eccessivo ai modelli di riferimento del regista messicano. Da rilevare un cast di tutto rispetto con Kim Basinger su tutti e una buona prova di Charlize Theron.

Voto: 6

Adódik a kérdés, hogy akkor most vajon Arriagának sikerült-e felérnie kollégája rendezői kvalitásaihoz? Nos a válasz egy kategórikus nem. Ez a rendezés ugyanis meg sem közelíti a fentebb már említett Amores Perrost, a 21 grammot, a Babelt vagy akár a Melquiades Estrada három temetését (melynek szkriptjéhez szintén köze volt a szóban forgó úriembernek). Viszont a dolog korántsem ilyen egyszerű, ugyanis a The Burning Plain egyáltalán nem egy rossz film, sőt! A tapasztalatlan rendezés jelei (egyenetlen színészvezetés és tempó; vontatottság; túlságosan a karakterekre koncentrál, miközben furamód mégsem tudunk egyik szereplővel sem azonosulni; az egymástól elkülönülő idősíkban és helyszíneken játszódó cselekmény az első félórában olyan szinten kusza, hogy az átlagos mozilátogató feje bele fog sajdulni; túlhúzott lezárás, ami lehetett volna vagy negyedórával rövidebb; mesterkéltnek ható képek illetve jelenetek stb) sajnos érzékelhetőek, viszont az Arriagára jellemző erős sztori itt is jelen van.

A történet nem meglepő módon ugyanúgy több szálon fut mint a direktor úr többi korábbi filmjeinél. Charlize Theron egy Sylvia nevezetű, oregoni étteremtulajt játszik, akinek érzelmi élete romokban hever (hobbiszerűen vadidegen pasasokkal bújik ágyba, majd később bűntudatból rendszeresen saját testét szabdalja véresre), miközben a múltja egy meglehetősen morbid és sötét titkot takar. Mikor egy különös mexikói idegen bukkan fel Sylvia életében, és szembesíti őt rejtélyes múltjával, a nőnek akarva-akaratlanul is vállalnia kell korábbi tettének súlyos következményeit.

Mindeközben a másik, látszólag totálisan különálló szál Mexikóban bonyolódik, ahol a tizenéves, Mariana és Santiago, a szüleik tragikus halálát követően egymásba szeret. A bimbózó kapcsolatot azonban hamarosan sötét felhők árnyékolják be...

Charlize Theron jól hozza a kisiklott életű, depressziós, szuicid alkatú, szó szerint önmagát marcangoló Sylviát, aki képtelen megbírkózni múltbéli tetteinek súlyával. Tipikus Oscar-kompatibilis szerep, az Akadémia imád komplex személyiségeket megjelenítő színészeket díjazni, Theron mindent meg is tesz az ügy érdekében (még két meztelen jelenetet is bevállal a megfelelő hatás eléréséhez), korrekt alakítást nyújt, viszont mégsem éreztem olyannyira letaglózó erejűnek az alakítását, melyet feltétlenül aranyszobrocskával kellene jutalmazni. Bár nem lepődnék meg, ha a legjobb színésznő kategóriában kampányolnák a jövő februári Oscaron. Amúgy személyes projektjének tekintette az egész filmet: egyúttal társproducerként is tevékenykedett.

Kim Basinger abszolút kellemes csalódás: tudni kell róla, hogy nem tartom különösebben jó színészőnek, sőt konkrétan úgy gondoltam, idegesíteni fog a jelenléte, viszont a hölgyemény mégis meglepően jó teljesítményt nyújt a fentebb említett Mariana tragikus körülmények között elhunyt anyjaként.

Az igazi nagy meglepetés azonban a magát Marianát alakító 17 éves Jennifer Lawrence, aki egy istenáldotta tehetség. Nemcsak jól néz ki, de kivételesen jó érzékkel megáldott színésznő is. Ösztönösen érzi a karakterét, és fiatal kora ellenére végig meglepően hiteles alakítást nyújt (különösen az egyik kulcsjelenetben voltam kész a teljesítményétől). Remélhetőleg a The Burning Plain-nek köszönhetően több producer is fel fog rá figyelni, és számos főszerepben láthatjuk majd viszont a jövőben.

Tetszett, hogy a történet nem szájbarágós, és gondolkodásra késztet. Vagy talán inkább "kényszerít", mivel az idősíkok keverésénél különösen oda kell figyelni: Arriaga ugyanis semmilyen támpontot nem nyújt, hogy mikor és melyik idősíkban járunk (ez valószínűleg jópár nézőnek nem fog tetszeni). Kellett egy kis idő, amíg leesett, hogy akkor most ki, mit, mikor és miért.

A fényképezés gyönyörű, bár néha picit mesterkéltnek éreztem (élénksárga búzamező felett átszálló kisrepülő szépen kilassítva). Végig szép természeti képeket látunk a mexikói tájról, sőt még az a bizonyos szexjelenet is ízlésesen lett fényképezve. Profi operatőri munka az egész, bár ez annyira nem meglepő, mivel az a Robert Elswit követte el, akit egyszer már méltattam a Vérző olaj kapcsán.

Nem tetszett viszont, hogy a film végén lévő nagy csavar jó előre kitalálható. Már kábé a film felénél-háromnegyedél sejtettem, hogy mi lesz a vége, így nem is ütött akkorát az egész, mint amekkorát normál esetben kellett volna. Ráadásul olvastam valahol, hogy Arriaga azt nyilatkozta, hogy igyekezett elkerülni az olyan történetvezetést, melyben a korábbi filmjeihez hasonlóan a szálak egyetlen pontban találkoznak. Nos ehhez képest az a bizonyos egyetlen ütközőpont továbbra is megmaradt, csak itt éppen nem egy autóbalesetről van szó (á la 21 gramm és Amores Perros), hanem egy lakókocsi felrobbanásáról a kietlen mexikói sivatagban.

A film befejezése nagyon jó - annak ellenére is, hogy én nem húztam volna el ennyire. Valószerű, hiteles, mentes mindenféle hollywoodi klisétől, és nem megy át szirupos giccsbe. A tragikum mellett ott van benne a remény és a lelki megváltás is, melynek köszönhetően a befejezés nem válik túlságosan depresszióssá.

A nyilvánvaló hibái ellenére Arriaga fejlődőképes: ha a következő rendezéseiben már nem csak a szkriptre, hanem az egyenletes tempóra, az összes színészére, a felesleges jelenetek kivágására és a nézőbarátibb idősík-váltásra is odafigyel, akkor még számos minőségi munkával örvendeztethet meg minket. Bár sajnálom, hogy a dolgok jelenlegi állása szerint többé már nem fog Iñárritu-val dolgozni, mivel a kettejük által közösen létrehozott gyöngyszemeket egyedül soha nem lesz képes überelni.

A The Burning Plain korántsem tökéletes, meglehetősen hullámzó minőségű munka korrekt szkripttel. Vannak hibái, bár ennek ellenére megtekintése ajánlott, ha majd a forgalmazó valamikor (talán jövőre) hajlandó lesz behozni a magyar mozikba. 7.5/10

Stumble It!

There are numerous screenwriting programs out there, but for my mind there is only one worth using: Movie Magic Screenwriter.

I've been using this software since way back when it was known as ScriptThing, and was the poor orphan cousin of Final Draft (Hollywood's 2nd biggest software package).

Well boy oh boy haven't things changed now!

A great screenwriting program should do everything that you, as a writer, don't want to do. And it should do it at the click of a mouse, without your having to think about it. That way a trained monkey can learn to use the program WITHIN 5 MINUTES...and actually get stuck into writing their next spec script, and NOT spend days / weeks trying to figure out what Control L does to an index card view screen. 

A great screenwriting program also has to be scalable though, so the pros can use it.  Because while the basic stuff might impress a newbie...it needs some *grunt* to impress the pros. And yup, you guessed it, Movie Magic impresses EVERYONE.

But any-hoo, I don't work for Write Brothers Inc (the guys who make Movie Magic) so don't take my word for it. Have a squiz at what some other folks have to say about it, and check it out for yourself.  They even allow you to download a FREE demo of Movie Magic to try before you buy.  Neat huh...

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I’ve tried most of the competing programs, and found Movie Magic Screenwriter to be far and away the best and most intuitive of the bunch. It’s straightforward enough that a new user can start writing perfectly formatted screenplays within moments of installing it. And it has powerful outlining and production features for those who need them. A perfect program, I will not write without it. "

-- Evan Katz Exec Producer, "24" and "JAG"
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"I've used Movie Magic Screenwriter for many years. Nothing is as simple, powerful, intuitive and versatile. And the support is outstanding."

"Writing for "24" is hard enough. Thank God we've got Movie Magic Screenwriter 6 that let's us get our ideas down with maximum ease. "

-- Manny Coto, Executive Producer, "24", "Enterprise" and "The Outer Limits"
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"I've used Movie Magic Screenwriter for many years. Nothing is as simple, powerful, intuitive and versatile. And the support is outstanding."
 
Paul Haggis, Writer, Director,Letters from Iwo Jima, Flags of Our Fathers, Crash (Best Picture & Best Original Screenplay 2005, Million Dollar Baby (Best Picture 2004)
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"Movie Magic Screenwriter is the gold standard throughout the Hollywood studio system.... Superior program for addressing the challenges of production rewrites. There is no better screenwriting software on the market."
 
Ted Elliott & Terry Rossio, Writers, Pirates of the Caribbean 1, 2, & 3, Shrek, Aladdin, Mask of Zorro
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"I was the typewriter machine kind of guy and for several years I refused to switch to a computer. I thought it was going to be difficult and messy. But lot of friends finally convinced me. I bought my computer and: it was impossible to write a decent screenplay. I was always fighting the keyboard, with bad results, until someone recommended Movie Magic Screenwriter to me. Bingo! Suddenly everything became easy and professional and clean and...perfect. Movie Magic Screenwriter allowed me to concentrate on my writing, not on the keyboard. Now, all of my friends have switched to Movie Magic Screenwriter and we are very, very happy with it."

Guillermo Arriaga, Writer, Babel, The Three Burials of Melquiades Estrada, 21 Grams, Amores Perros
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"Movie Magic Screenwriter is the most intuitive and flexible screenwriting software on the market today."

Michael Goldenberg, Writer/ Director,Harry Potter and the Order of the Phoenix, Contact, Bed Of Roses
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Cheers!
Brian M Logan
ThatActionGuy.com

THREE MONKEYS (Nuri Bilge Ceylan, Turkey, 2008) — 6

Ceylan's films dance on the edge of my tolerance for narrative ellipsis and emotional lassitude. His formal mastery is evident from the very first shot of THREE MONKEYS, of a car driving in the dark that eventually becomes the equivalent of an iris shot without actually being an iris shot. The sound design is again incredible -- both naturalistic and expressive (example: a knock at the door late in the film). Ceylan doesn't simply blanche out the color and give us a succession of sepia-grayscaled images, as if actually filming in a thunderstorm, but he counterpoints it at key moments -- splashes of red like the curtains at a key mother-son confrontation, and having the foreground be in the washed-out style while in the background is a window with a conventional picture-postcard color scheme. This film has GOT to be seen in the theater. In a review of CLIMATES now in the cyber-ether, I called Ceylan the Turkish Antonioni. (And as Antonioni did, though less radically than in L'AVVENTURA, Ceylan begins THREE MONKEYS with a character whose sole function is to lead us to another character.) But as with Antonioni at times, at the end you realize that all this style just hides the thinness of the story, the badness of the acting, and the fact that all the There there is another Come-Dressed As (Again) The Sick Soul of Europe movie. The actors are so glum and Ceylan lavishes so much on the enormous facial closeups of their dour solemnity that you just lose interest in this story -- a love triangle with some filial anger and a political subtext that experts on Turkish politics will no doubt get more out of than I. And far too much of the events in THREE MONKEYS happens offscreen -- most annoyingly a death, and a jail deal neither the end (did it come off -- who knows?). Seemingly every significant event is seen only in its effects or only hinted at. It's all re-action shots without any action. I'm giving this film a guarded recommendation because a great director so obviously made a great work for us to look at. But equally obviously a weak writer didn't give us much to watch.

LINHA DE PASSE (Walter Salles, Brazil, 2008) — 3

Take ROCCO AND HIS BROTHERS, transplant from Italy to Brazil, replace boxing with soccer, give us pointedly ambiguous endings (more on that in a minute), toss in symbolic details like clogged drains, and voila -- Landmark-ready masterpiece. And I don't even like the original ROCCO. Both films involved a matriarch and several children taken different paths in The Slums of the Big City. The things is (and this was true even of the 1961 Visconti film) Warner Brothers made this movie a half-dozen times in the 30s -- with James Cagney, Pat O'Brien, Ralph Bellamy, and maybe another brother. But they did so with a lot more verve and energy than these symbolic ciphers. In LINHA DE PASSE, the brothers are defined by a single trait -- criminal, religious guy, sports star, kid w/an absent-father complex. At the end, we're intercutting between the endings of the five stories and my only thought is "DW Griffith was so awesome." They're all ostentatiously unresolved (labor pains have started in the pregnant matriarch, but she's not even on her way to hospital). As for two of these endings -- how can one take seriously any moral ambitions of a film that ends with a boy of about eight driving a bus around Sao Paolo and a robber chasing his carjack victim off having said "do you see me" and then walks away from the loot himself. The schematicism of LINHA DE PASSE would even be tolerable if it had a tighter narrative (CITY OF GOD looks better every year now, doesn't it). Instead details and moments are tossed around like pinwheels and are scattered thus at the end -- mom puts a picture of the father under a boy's pillow, but does he see it?; mom leaves the kid at a neighbor's to prevent him from riding on buses and skipping school, but our next view he is on a bus and we never see the neighbor again; the issue of the soccer player's age and a fake ID keep him off one team, on the next team it's never even brought up; the soccer player can only get on one team by offering a bribe, he promises to meet it, and then ... Movie over.

35 RHUMS (Claire Denis, France, 2008) — 2

To heck with a black man winning a major-party presidential nomination. The real advance for civil rights this year is 35 RHUMS, where blacks prove they can be as dreary and boring in a Claire Denis movie as white people can. This has something to do with a mostly-black circle of friends centered around a father-daughter pair living together (he's a train driver, though we first see him wasting a day trainspotting -- about the last meaningless hobby I would think a train driver would have). Ceylan above at least makes it clear what we're supposed to feel, though his success in making us do so is variable. But Denis is too uninflected (but not deadpan -- that would risk being funny) to hold my interest. One measure of unspecificity: I never figured out or remember being told if these people were from West Africa, Equatorial Africa or the West Indies. Another: We get a dead body that I thought was a friend's until I thought it wasn't. J. Robert said I'm just not the target audience for the latest Denis exercise in Whiskey Tango Foxtrot. Only instead of Whiskey Tango Foxtrot happened, it's more Whiskey Tango Foxtrot's the point. It's generally clear what happens, but I never could figure out what I was supposed to get out of it other than counting the rum shots, like in DROWNING BY NUMBERS, only Denis gives us (or me anyway) less emotional involvement than Greenaway did. I was sparked a little whenever the Tindersticks music accompanied the train barrelling through the tracks, viewed from the front of the first car. And the same during the Commodores song that accompanies an improvised party that plays like a short version of FRIDAY NIGHT -- a pickup while stranded by traffic woes in Paris. In these moments, 35 RHUMS gets some gracefully seductive moments of the kind BEAU TRAVAIL consisted purely of. But then we're in Germany for an explicable diversion having less to do with the paper-thin story, I suspect, than with Denis getting financing from the Hamburg regional government. The title comes, by the way, from a legend that at the beginning isn't explained. At the end, when the lead character is asked about (the still unexplained) it, "did you invent it," he says "maybe." That's it. How ooo-la-la French. How hollow.

THE BURNING PLAIN (Guillermo Arriaga, USA, 2008) — 6

Looking over my viewing notes, it's clear my initial 7-grade was too generous, I still may be pretty much alone in liking this film at all (Mike walked out and Jeremy hated it), but dagnab it, it was such a relief to see a movie on this day with lots of events, where people behave like normal people and it isn't so obviously sketched out. Or rather ... BURNING PLAIN is sketched out (this is by the screenwriter of AMORES PERROS, 21 GRAMS and BABEL, after all) but the sketch isn't what you think it is. Arriaga uses his reputation well, taking advantage of the fact we're primed to expect stuff to come together at (say) one road junction and to search for parallels (which the film does offer). BURNING PLAIN really does work as a straightforward narrative -- taut and tense. To speak vaguely -- this latest Gotcha Twist fooled me completely while making everything "make sense" in retrospective. But it neither adds up to much nor seems like something that will gain richness on second viewing because what Arriaga did tends to collapse the two main stories into one pat point about a redemptive second chance. As for the performances, Claire Danes is brilliant, in the best-written role; Charlize Theron isn't, in the most actressy role (resorting to haggardizing herself physically at key moments); and the fact Kim Basinger is credible in a non-sexpot role at all is remarkable.

DETROIT METAL CITY (Toshio Lee, Japan, 2008) — 9

Yeah ... I was surprised too. But I busted my gut laughing harder at this movie than I think I ever have for a movie in a language other than English (i.e., one where stylish verbal humor is pretty much out the window). One word of warning, though: one must have a very high-tolerance for the sort of hyperactive acting and humor seen on those Japanese game-show highlight clips ... which is an acquired taste. The comparisons with SPINAL TAP are easy, though DETROIT METAL CITY isn't a mockumentary per se despite its being filled with pop-culture parody and absurd music lyrics (this is where you'd love to speak Japanese. You probably can't translate "the bigger the cushion / the sweeter the pushin" into Japanese very well either).

Detroit Metal City is the name of Japan's top death-metal band, but behind the makeup, lead singer Sir Krauser (sample dialog: "this is good practice for when you're slashing men's throats") is a simpering dweeb who wants to make syrupy happy poppy love songs, called "trendy music" in this movie. Imagine Jerry Lewis's NUTTY PROFESSOR character turning into Marilyn Manson for the general gist (indeed it occurred to me while watching DMC that Julius Kelp's turning into Buddy Love is what made his childlike-simpleton not so annoying and thus the movie Lewis's best Martin-less effort). Like SPINAL TAP, there's lots of musical parody, and not just of death metal. DETROIT METAL CITY also has fun with the Japanese appropriation fetish, with fanboyism (implicitly) in all its forms, with other music genres like DJ-rap, bubble-gum "Tiger Beat" pop and grrrrl groups (the funniest non-DMC music is a feminist dis of DMC by such a group). Indeed, the ideal audience for this movie is someone generally knowledgeable about metal music but not a fan of it (e.g., me). Also like SPINAL TAP, this film has a great role for the manager, who stubs her cigarettes out on her mouth and who fruitily chews over every line, like the bad guys on Electra-Woman and Dyna-Girl or the 60s Batman TV show. Some of the other comic highlights: the explanation for a moptop haircut, "the devil is sending the worst punishment ever" and what makes you lucky at a death-metal concert.

One of the film's surprising strengths is that it never runs out of comic ideas, even when it's tying up plot strings. For example, the end of the second act is precisely defined and the film seems to have nowhere to go but to have Sir Krauser return to the Japanese small-town he came to Tokyo from. Once it arrives in the countryside, Lee finds a way to get new laughs with a new set of plot points that begin with ... seeing an unlikely character wearing a DMC shirt (before we get the inevitable showdown with the Gene-Simmons-played American death-metal champion). But there's also a maybe unintentional but actually quite profound undercurrent about Satanism, like Satan's rebellion itself, being the sort of absurd pose about which CS Lewis (quoting Luther and St. Thomas More) said should be laughed at rather than obsessed over (and traditional religion, of a Japanese variety, plays a small role in the third act). If DETROIT METAL CITY can find American distribution, and it seems like an eminently "sellable" movie, there's no reason it shouldn't take a place alongside SPINAL TAP in the cult-comedy pantheon.

Success at Venice for Gerardo Naranjo, whose Voy a explotar won him a standing ovation at the Venice Film Festival last Monday night, as well as personal congratulations from Guillermo Arriaga and producers Gael García Bernal and Diego Luna (Canana Films). Next, the director of Drama/Mex (2006) will go to the Toronto International Film Festival (showing tomorrow: Sunday, 7 September; and again: Tuesday, 9 September) and the New York Film Festival (showing 28 and 29 September). Read more.

Ramon, the son of a sleazy right-wing congressman, contributes to his new high school’s talent show by ineptly attempting to hang himself on stage. Maru is the only one who claps. They bond in detention, and then it’s off in a stolen Volkswagen with daddy’s gun to the end of the night… or something like that.

Also at Venice, Carlos Armella's short film Tierra y pan has been awarded the Golden Lion. Read more. Also in competition at these end-of-summer festivals in Guillermo Arriaga's The Burning Plain. And the Coen brothers' Burn after Reading is out, with film work by Emmanuel Lubezki.  I'm looking forward to it.

La plaine brulante (titre français possible, qui sait ?), premier film de Guillermo Arriaga, tourne autour du feu. Mais il s'agit d'un feu bien réel concret et non d'un feu intérieur. On peut se bruler par amour, mais finalement ne laisser transparaitre aucune passion. Exemple: lorsque Kim Basinger veut voir son amant, elle prétexte sans cesse qu'elle va faire ses courses routinères. Mais si on a du mal à la croire, ce n'est pas tant qu'un désir et une excitation intérieure particulière se devinent, ce n'est pas que Kim est ambigue, c'est au contraire parce qu'elle n'arrive à convaincre de rien (ce qui est le contraire meme de l'ambiguité). Evidement, il faut ajouter à cela le fait qu'elle parte à toute heure de la nuit et du jour faire des courses qu'elle ne ramène d'ailleurs jamais. Cette absurdité ridicule (et qui n'éveille les soupçons de personne) complète l'obsession étrange de son fils pour des pigeons ou autres oiseaux : dès qu'il voit un oiseau, et ceci ou qu'il se trouve, celui-ci sort sa fronde (tel un Bart Simpson mexicain en puissance) , tue l'animal et en fait un barbecue, une fois de plus à toute heure du jour et de la nuit. Détails amusants certes mais qui ne plongent pas le film du coté de l'ironie. Ici, toutes les allegories scénaristique cachent mal la vacuité de la mise en scène. On en vient à penser que le principal défaut des films d'Innaritu, c'est Arriaga. Les deux hommes ne semblent d'ailleurs plus en très bon termes. Tant mieux pour Innaritu.

Independemment de l'influence du plus grand nombre (la presse française détestant à priori le cinéma d'Arriaga, gardant jalousement pour eux leurs raisons derrière d'insensés clichés qui relèvent surtout de l'impressionisme; la presse anglo-saxone voyant de très loin  un potentiel Lion d'Or avec The Burning plain, s'appuyant sur les memes inepties), le film ne mérite certainement pas son attrait démesuré et paradoxal, certes. Mais soyons réalistes, il reste d'une cohérence qu'on retrouvera sans doute peu au long de ce festival et possède une certaine sensibilité, authentique. Il faudrait néanmoins passer outre un scénario (évidemment) manipulateur à l'excès pour l'apprécier. Et ceci est impossible. Malheureusement, le paradoxe de la forme (structure) éclipse le fond (déjà peu original) pour former un tout horriblement commun meme si pas inintéressant.

DDS

Babel il trailer

Il film, in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, è stato presentato da Guillermo Arriaga e dalla bellissima e bravissima Charlize Theron. L'attrice è anche produttrice della pellicola, in arrivo sui nostri schermi da novembre distribuita da Medusa.

Guillermo Arriaga - Regista e Sceneggiatore

Signor Arriaga, dopo tanti film da sceneggiatore, questa volta ha anche deciso di passare dietro la macchina da presa. Come mai?
Ho pensato a “The Burning Plain” per ben 15 anni, quindi è un progetto sul quale ho riflettuto moltissimo. Volevo raccontare i destini incrociati di alcuni personaggi le cui esistenze sono profondamente influenzate, come quelle di tutti  noi esseri umani, dai quattro elementi e dai luoghi nei quali vivono. Il tutto partendo dal mistero di una donna, Sylvia (Charlize Theron), che compie un viaggio emotivo che la porta a toccare i limiti estremi della sua esistenza. Mi ha sempre affascinato sapere perché le persone possono arrivare ad essere così danneggiate durante la loro vita.

Anche questa volta ci racconta una storia cronologicamente non lineare. Ormai questa è la caratteristica principale del suo cinema…
Nella vita reale non raccontiamo mai le storie in maniera lineare e saltiamo sempre avanti e indietro nel tempo. Quindi per raccontare un essere umano per me è fondamentale decostruire il tempo perché noi siamo tante persone diverse allo stesso momento. Io sono un uomo di quasi 50 anni e sono diverso da quando ne avevo 20. Non ho più i capelli ma al contempo sono anche la stessa persona, per certi aspetti, che ero 30 anni fa. Con questo utilizzo del tempo voglio porre questa domanda a me e agli spettatori: “quanto dell’essenza umana rimane con il passare del tempo?”.

21 grammi trailer

Come in "Amores Perros", "21 Grammi", "Babel" e "Le tre sepolture", anche "The Burning Plain" è incentrato sui temi morte, della redenzione e dell’amore…
Sono sempre stato ossessionato dalla morte ma anche dalla redenzione e dall’amore perché io credo che la morte sia parte della vita. Invece viviamo in una società che rifiuta completamente la morte. Non ne parla, non l’affronta, l’accantona e cerca in tutti i modi di allontanarla. Io credo che le persone che amiamo compongano la nostra identità. Perché io non so chi sono perché non mi vedo, mi vedo solo riflesso negli altri, oppure di spalle. Ogni volta che perdiamo qualcuno che abbiamo amato perdiamo parte della nostra identità. Trovo che la nostra società che, attraverso l’ossessione per la giovinezza tenta di allontanare la morte, non faccia altro che allontanare la gente dalla vita vera. La morte lascia dei segni sulle nostre esistenze: rughe, perdita di capelli, cambiamenti di carattere ma tutto ciò non va represso o negato perché tutto ciò fa parte della nostra vita.

Charlize Theron – Attrice e Produttrice

Signora Theron, non è la prima volta che sceglie di interpretare un personaggio difficile, una donna danneggiata dalla vita.  Ci parli delle sue scelte dei ruoli…
Tutti abbiamo dei difetti e tutti commettiamo degli errori perché questa è la vita. Certo, poi quello che vedete sullo schermo è molto estremo, ma è proprio questo aspetto che fa entrare in empatia lo spettatore con il personaggio. Ti commuovi quando vedi quello che accade e, in alcuni casi capita una sola volta, mentre per altre vicende capita 15 volte. Con il film di Guillermo le emozioni sono continue.

E per quanto riguarda il suo ruolo da produttrice?
Devo dire che è un aspetto del mio lavoro che amo molto e che non è molto differente dal recitare. Tra l’altro ho già prodotto Monster e penso anche di farlo in futuro. Dipende sempre con chi lavori. Produrre un film come questo vuole dire fare un lavoro creativo, come quello della recitazione. E poi mi interessa capire come funziona l’industria cinematografica, come sopravvive. L’aspetto economico è importante anche se non diventi ricco di sicuro con un film come questo. Qui l’obiettivo era realizzare una bella pellicola e credo proprio che ci siamo riusciti.

Cosa ne pensa della prova di Kim Basinger, sua collega sullo schermo?
Kim è stupefacente. Oggi ha una forza incredibile che si mescola con una bellezza e una vulnerabilità che possedeva anche a vent’anni e che ancora emozionano terribilmente. In alcune scene, in particolare in quella che trema, è veramente da brivido. Si è con lei dentro lo schermo.

www.film.it

]]> http://accidentalsexiness.wordpress.com/?p=7244 Fri, 29 Aug 2008 16:06:24 +0000 accidentalsexiness http://accidentalsexiness.es.wordpress.com/2008/08/29/charlize-theron-premieres-new-flick-in-venice/

South African beauty Charlize Theron is in Venice promoting her latest flick entitled, "The Burning Plain." Theron stars as a troubled Oregon restaurant manager who is forced to confront her past when a mysterious visitor arrives from Mexico, and Kim Basinger, who appears in flashbacks as Sylvia's mother at a pivotal moment in her young life.

This is director Guillermo Arriaga's directorial debut but is no stranger to Holllywood. Arriaga was the screenwriter for "21 Grams" and "Babel."

Theron, who also worked as a producer on the film, said there was a list of actresses to play the Gina role, but that they were thrilled to get Basinger.

"She's amazing," Theron said. "There is something about Kim. There's a strength with her leftover vulnerability from her 20s that's just unbelievably beautiful to watch. There are moments on the screen when she's shaking, her entire body is shaking for real. You couldn't act that."

Mas, nesses últimos dias, tive a oportunidade de ver e ouvir um dos grandes. A princípio fui como estudante, afinal Guillermo Arriaga escreveu roteiros maravilhosos como “Amores Brutos”, “21 gramas”, “Babel”, entre outros; é ganhador do Globo de Ouro e indicado ao Oscar. Representa a onda do novo cinema mexicano ao redor do mundo. Saí de lá com um sorriso no rosto, um aperto no peito e seu livro debaixo dos braços. Além de uns quantos conselhos para a vida.

O tema do debate era a diferença entre escrever literatura e escrever roteiros. Arriaga falou da morte, da inspiração, do medo, da angústia e, principalmente, da vida. Começou a escrever com 23 anos, após uma infecção que quase o matou. Na cama, olhando para as mãos que poderiam em breve tornar-se cadáver, prometeu-se 3 coisas: que não deixaria mais de tocar a pele da mulher que ele mais queria tocar, bater em quem crê que deveria bater e escrever algo que sobreviva ao pedaço de matéria orgânica que ele é. Assim,  na questão das matérias em decomposição, acredita que cada um chega ao mundo com seu galão de tinta, e que este infelizmente não é recarregável. Assim, admitiu o medo do dia em que seu galão se seque e ele não tenha mais histórias que contar.

Meu pescoço se esticava para poder vê-lo melhor através do grande público presente, até que Arriaga se levantou para poder ver a todos melhor enquanto falava. Assim, eu vi. Ali estava, um homem grande, habitante enviado deste mundo cada vez mais próximo dos adultos, dizendo o que eu precisava ouvir.

Para ele, fazer arte é como despir-se em frente a um público e esperar pelos comentários sobre a sua figura. É a angústia de permitir que alguém veja seu filme, leia seu livro, aquilo ao qual você se dedicou, deu suas horas, dias e anos, e estar aberto às críticas provindas do mesmo.  

Meus olhos se encheram de lágrimas. O medo é grande, principalmente quando se está começando.

O ápice foi quando Arriaga, rebatendo a opinião de um diretor brasileiro presente ao qual eu me recuso nomear, afirmou que não existe talento e muito menos sorte. O que existe é a vontade e o tesão de fazer e, como tigres a espreita da presa, a paciência e a sabedoria de saber pegar a oportunidade no momento exato.

Após o debate comprei seu novo livro e entrei na fila dos autógrafos. Depois de umas cinco frases trocadas e um fluxo incrível de sangue pro meu rosto que me fez incrivelmente vermelha, ele assinou meu mais novo livro. Saí da fila com o livro fechado em mãos, um sorriso e o rosto ainda vermelho. Passei pelo diretor brasileiro que esperava ansiosamente por um autógrafo na fila e no meio do caminho à saída abri o livro e lá estava:

Anna, espero que este libro te lleve a algún lugar de tu alma que no conozcas.

Un beso, Guillermo Arriaga

Guillermo Arriaga, screenwriter and author, will be here next week at Bienal do Livro, where he'll launch Guillotine Squad (Escuadrón Guillotina). 

He was in Brazil about a year ago, at FLIP. I had watched and enjoyed his movies but I had never heard of his literature until someone at Livraria da Vila suggested I read Sweet Scent of Death (Un Dulce Olor a Muerte). I started reading it on the beach (Trindade, to be more specific) and was delighted to discover that it had a wonderfully fluid pace and that it was beautiful and real and morbid, all at once. When I heard him speak later on that same day, I had almost finished reading the book.

He talked about la alma ligera y la alma pesada, a tale that has haunted me ever since.

Da Ansa entre em contato

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José Mojica Marins será um dos dois brasileiros em Veneza

O novo trabalho de José Mojica Marins, "Encarnação do Demônio", foi selecionado para participar da seção fora de concurso da 65ª Mostra Internacional de Arte Cinematográfica do Festival de Veneza, que acontece entre 27 de agosto e 6 de setembro.

"A Erva do Rato", de Júlio Bressane e Rosa Dias (e que tem no elenco Alessandra Negrini e Selton Mello), irá integrar a mostra Horizontes, que reúne obras com novas tendências cinematográficas. Outros latino-americanos que fazem parte dessa seção são os mexicanos "Voy a explotar", de Gerardo Naranjo, e "Los Herederos", de Eugenio Polgovsky.

O Brasil também aparece como co-produtor do francês "Puisque nous sommes nés", de Jean-Pierre Duret e Andréa Santana, e da nova obra do cineasta português Manoel de Oliveira, "Do Visível ao Invisível".

Apesar de não haver nenhum latino-americano selecionado para a competição oficial de Veneza, tanto "BirdWatchers", do ítalo-chileno Marco Bechis, quanto "Plastic City", do chinês Yu Lik-wai, foram rodados no Brasil e co-produzidos pela Gullane Filmes. A estréia na direção do roteirista de Alejandro González Iñárritu, o mexicano Guillermo Arriaga, também foi selecionada para a competição oficial.

Durante a apresentação dos filmes que participarão do Festival de Veneza, ocorrida hoje em Roma, o diretor Marco Müller comentou sobre a ausência de latino-americanos na seleção oficial. "Lamentavelmente o cinema latino-americano tem períodos de produção diferentes dos nossos e, por isso, é sempre difícil encontrar filmes válidos para Veneza, principalmente depois de todo o sucesso em Cannes deste ano e do Urso de Ouro de Berlim para 'Tropa de Elite'", disse.

"Mas foi no Brasil e no México onde encontramos o que buscávamos e incluímos alguns títulos em Horizontes e na seção fora de concurso", concluiu.

recensione di Francesca Iannilli

Dallo sceneggiature di pellicole importanti quali Amores perros, 21 grammi e Babel, ecco una raccolta di racconti frutto dei suoi tormenti giovanili.
Lo scenario delle vicende è sempre lo stesso: il Retorno messicano, una strada a doppio senso che conduce ad una serie di grandi condomini, lungo la quale si consumano episodi di vita segnati da un unico filo conduttore: la violenza...

Leggi il resto su rivist@.

“La entrevista a Montejo fue un verdadero triunfo de la poesía sobre la radio”. Y eso dijo Leonardo Padrón cuando terminó esa edición de Los Imposibles por Onda la Superestación. No siempre se lleva ese tipo de verbo a la radio.

“Hay un poema de un escritor venezolano que empieza: ‘La tierra giró para acercarnos más, giró sobre sí misma y en nosotros hasta juntarnos ¡por fin!  en este sueño.’” Eso dijo Paul (Sean Penn) en la película 21 gramos, refiriéndose a Eugenio Montejo, oportunamente citado por Guillermo Arriaga –quien lo calificó como el mejor poeta vivo del mundo, cuando estaba de este lado- en su guión. Sé de gente que vio esta película solo para escuchar esta cita.

“Nos dejó el inmenso consuelo de su poesía”. Eso me dijo mi jefe, Freddy Castillo Castellanos –abogado y poeta, como él- cuando se enteró ayer en la mañana que Eugenio Montejo había muerto a la media noche.

Yo no conocí a Eugenio Montejo, pero me dijo un montón de cosas con sus poemas que son de mis preferidos, por esa forma tan auténtica e indefectible de expresar el amor –por ejemplo-, sin ser predecible ni repetido. Hoy lo despedimos, mientras él permanece.

Rodando por los “quemaditos” de los alrededores del CC Paseo (dile NO a la piratería), sin tener definido aún que peli queríamos ver este sábado, me bajé en uno ya casi desesperanzada, después de varios ofrecimientos de Iron Man, Meteoro y Las Vegas. No era cuestión de cartelera, pues… Pero siempre hay un puesto salvador que tiene alguna película insospechada: El búfalo de la noche (2007).

Mi afición desmedida por Amores Perros, me obliga a ser fanática rendida de Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga, como taaantas veces lo he dicho en éste, y en mis otros blogs, y como tal, seguí fielmente la trilogía que completaron antes de pelearse y dejar de hacer trabajos juntos. Ahora hay que verlos por separado.

El búfalo me encantó, tiene la marca, que para muchos es más de lo mismo. Ya es casi patológico en mi la cosa con las películas que se cuentan de atrás pa’lante o con saltos en el tiempo. Y ésta, es una historia fatalista de un grupo de una generación hundida, donde además de un esquizofrénico, todos están locos (Diego Luna, Gabriel González, Liz Gallardo, Irene Azuela y Camila Sodi. Buenas actuaciones). La traición vaya por delante en un desenlace en el que todos se caen a muelas y se dicen “te amo” con una naturalidad creíble. Infidelidades de hombres y mujeres por igual en un círculo donde el juego está trancado, “todos somos panas, todos nos queremos”, y por lo tanto, todo termina muy mal.

Jorge Hernández Aldana, el director que esta vez puso en pantalla el texto de Arriaga, es venezolano. Quizás, muchos de ustedes ya lo saben, porque vino a presentarla en el Festival de cine de Mérida el año pasado….pero yo no lo sabía y me dio mucho gusto enterarme.

He leído críticas bastante duras sobre la película: que si carece de talento narrativo, que repite los clichés del cine mexicano, que no tiene mayor contenido, que tiene exceso de desnudos, que el final es totalmente vacío… También he leído las buenas, incluso del libro. Ciertamente, no es la mejor película de la vida, y es muy difícil que Arriaga supere el guión de Amores Perros, aún y con nominación de Oscar posterior, y al igual que González Iñárritu, se deslastre de haber puesto de moda ese tipo de cine por el que ahora le reprochan. Pero a mí, la verdad, me gustó lo suficiente.

Ya no existen tierras desconocidas. El mundo se ha vuelto una aldea. Imágenes y sonidos en códigos binarios recorren la superficie del espacio global a la velocidad de la luz montados en una estructura de tiempo que se anticipa a sí mismo, que se precipita hacia delante totalmente cubierto de información. Nunca antes en la historia  los pueblos, las culturas de todo el mundo, habían estado conectadas unas con otras en tiempo real, en comunicación ininterrumpida las 24 horas del día. Sin embrago, la incomunicación entre los hombres persiste.

Con esta certeza y una sensación profunda de desamparo salí del cine después de experimentar con la última producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu,  cómo a nuestra civilización contemporánea también se le puede representar como una Torre de Babel, un lugar de caos, en peligro de derrumbe por la soberbia humana que construye relaciones imperiales sobre los cimientos siempre frágiles del poder, donde los hombres parecen estar condenados a no encontrar jamás un lenguaje universal en el que se reconozcan y se comprendan como seres de la misma especie.

Al caos lingüístico de la Torre de Babel, la contemporaneidad parece sumar un nuevo obstáculo a la posibilidad de entendimiento pleno entre los hombres. Ahora, las potencialidades tecnológicas desarrolladas en los últimos veinte años en el campo de las telecomunicaciones, con los sistemas satelitales y la red mundial de información, parecen exceder las capacidades humanas de percepción, asimilación y comprensión. La vorágine parece que nos congela, nos inhibe por saturación. El sujeto vaga anonadado por la superficie de mensajes sin atinar a profundizar en ninguno.

Por ambas razones es posible que en el Japón la noticia del supuesto acto de terrorismo en Marrueco a una turista norteamericana se transmita en tiempo real, pero que también se diluya como una noticia más, como una opción más que compite con una vastedad de mensajes televisivos que se suceden uno al otro en fracciones de segundos, por la acción casi autómata de una chica sordomuda que hace zapping frente al televisor. Se nos muestra cómo las historias, nuestras historias, y todas las historias del ahora común, se tocan en puntos fugaces mientras la tierra gira. Pero también vemos cómo ese espacio virtual de encuentro, donde es posible reconocer al otro, confraternizar con su dolor, es totalmente anulado por la avalancha de sintagmas que se bloquean mutuamente, impidiendo una elección de decodificación.  

El tema de la incomunicación Iñárritu lo lleva a todos los niveles, como si fuera una plaga que se reproduce a escala universal. El choque e incomprensión entre culturas: turistas americanos llevados por la moda del exotismo que opera mediante la estetización que banaliza y cosifica previamente a la cultura  con la cual van a interactuar, convirtiéndola en superficie, lo que borra la posibilidad de un diálogo auténtico y una comprensión en profundidad. Conflictos culturales por razones económicas que parecen no tener solución: la frontera entre México y los Estados Unidos, lugar bilingüe, donde no se habla ni inglés ni español, sino una mezcla de ambos que se torna incomprensible cuando prevalece el lenguaje de la violencia. Incomunicación entre padres e hijos, entre hermanos, entre el poder y los que tienen que acatar las órdenes; cómo si todos de repente estuviesen hablando en códigos diferentes dentro de una misma lengua, y de hecho lo están, cada cual habla desde su mundo y nadie calla para escuchar al otro. La joven japonesa  habita en el silencio, y por tanto vive en el margen, condenada a la exclusión. Es un desecho, un excedente en una sociedad donde los competidores tienen que funcionar al ciento por ciento de sus capacidades biológicas para sobrevivir. Esa ciudad no ha sido construida para ella, es producto de la eficiencia humana que la descalifica y le tiende un velo que la aísla en un silencio que no encuentra espacio para exteriorizarse y ser percibido.

Cierta tendencia de la crítica a tildado a la película de reaccionaria, de pretenderse vender como lo distinto, lo alternativo a un cine de industria, con ínfulas de arte culto que se permite reflexionar sobre problemáticas de dimensiones globales como la incomunicación, lo intercultural, las relaciones de poder discriminatorias tanto en el nivel cultural como político, económico, racial, étnico, etc. Pero que resulta todo lo contrario, “más de lo mismo”; un mexicano que pretende conquistar un nombre y un espacio en el centro de la industria hegemónica del cine contemporáneo, y que por tanto simula jugar al duro pero sin llegar a quemarse las barbas.

Según estos criterios la dupla Iñárritu y Arriaga lejos de deconstruir estas problemáticas terminan reproduciendo y afirmando los mismos prejuicios de siempre.  Por ejemplo, el matrimonio norteamericano  resulta ser la víctima en un medio hostil  que amenaza con resentimiento y odio, pero pese a todo logran salir a salvo, dignificados, rescatados del infierno por las fuerzas del bien (el poderío militar estadounidense que también se resiente de ser víctima del irracionalismo terrorista). La familia de pastores marroquíes, bárbara, incestuosa (el niño que se masturba pensando en la hermana), y que termina destrozada (un hijo muerto,  el padre preso). El paisaje mexicano que es mostrado colmado de esteriotipos, juerga, embriaguez, violencia, desobediencia  a las autoridades. Los soldados norteamericanos de la frontera, correctos, respetuosos, que tienen que lidiar con mexicanos rebeldes que intentan burlar el orden y penetrar a la fuerza el espacio coherente y racional de la realidad norteamericana. Y por último, la megalópolis japonesa, donde el hombre es aplastado y subsumido en la violencia tecnológica, mirada esta, que en opinión de algunos, funciona como un guiño complaciente con el amigo del norte.

Pienso que alguno de estos criterios podrían ser tomados en serio como argumentos desfavorables a la película, siempre que se sitúen justamente sin pretensión de descalificar radicalmente y opacar los méritos que sin dudas  esta posee.

En esta perspectiva de análisis no se puede perder de vista que ciertamente el director no deja de activar códigos bien conocidos del cine de género holliwoodense, que funcionan como ganchos para mantener despierto a un público educado en el gusto por el brillo del espectáculo. Sólo que me parece que estos son recursos que si se emplean bien y tributan a objetivos mayores que el simple entretenimiento, son elementos a favor y no en contra, como se ha querido hacer ver.

En cuanto al supuesto carácter reaccionario de la película, soy de la opinión que Iñárritu lejos de reproducir y afirmar prejuicios que favorecen al estatus hegemónico de los Estados Unidos, manipula con una buena dosis de ironía y tono paródico gran cantidad de esteriotipos culturales y políticos que el espectador informado sabe reconocer e interpretar correctamente. No olvidar que la interpretación del pasaje bíblico de la Torre de Babel es por consenso una lectura antiimperial. En este punto sería oportuno citar a Hinkelammert, cuando establece un paralelo con la caída de las Torres Gemelas: "Cayeron las torres del Imperio. Los imperios caen, cuando la torre del imperio cae. Caen por una confusión de las lenguas, no por las bombas"².

La gran virtud de esta película es focalizar el espacio donde las lenguas de nuestra civilización contemporánea se confunden. Y precisamente en este espacio de caos lingüístico es donde se rozan y articulan las tres historias que desarrolla la película, y que no es otro que el espacio anulado y reducido a pura virtualidad por los sistemas de hipercomunicación satelitales y cibernéticos. Unas potencialidades hipercomunicativas que embotan las capacidades perceptivas del hombre y le hacen vagar a ciegas sobre una superficie de sintagmas amontonados que son la estructura de una psiquis esquizofrénica global.

La pirámide imperial sostenida por relaciones de poder, en cuya cima vuelven a salir airosos los Estados Unidos y sus turistas, como han vociferado algunos, parece desplomarse por su propio peso, o por el peso de la ira divina que vuelve otra vez a condenar la soberbia del hombre y le hace rodar en el polvo de sus ruinas.

Esto último es lo que me transmite Babel, y lo juzgo acertado. Sólo restaría comprobar si para el gran público medio los esteriotipos que manipula Iñárritu le ayudan a deconstruir su realidad o si ciertamente le afirman los prejuicios esbozados por la crítica en contra.

Pero detrás de muchos de estos ataques lo que se intuye realmente es el más penoso de los prejuicios, el que a estas alturas cause molestia que un director latinoamericano se proponga opinar sobre temas mayores y universales, los cuales siguen siéndole reservados al privilegio discursivo del primer mundo.  

Otra dimensión relevante de esta última propuesta fílmica que cierra la trilogía de Iñárritu y Arriada, es una vez más el virtuosismo narrativo que despliega la dupla de director y guionista. En Babel vuelven a recurrir a la fragmentación de la estructura narrativa, pero en mi opinión sobre un nuevo concepto temporal bien innovador. En 21 Gramos, por ejemplo, la fragmentación resulta esquizofrénica en el sentido lacaniano, debido a que la serie sintagmática o cadena de significantes que genera un mensaje coherente y unitario, es destrozada en una multitud de fragmentos que se amontonan como significantes sin una relación inmediata ni directa entre sí. Por lo que la generación del sentido del mensaje no se logra bajo el principio saussureano  de un movimiento de significante a significante, sino que la unidad de sentido se viene a lograr fuera de la estructura de la obra, por un proceso de reconstrucción que se da en la conciencia del receptor, donde cada uno de los fragmentos van encontrando su lugar y encajando como partes de un rompecabezas que se concreta en nuestras mentes como un todo coherente.

En Babel, el director desarrolla tres historias que se suceden en países diferentes (Marruecos, Estados Unidos, México y Japón). En un principio podemos llegar a creer que las historias están ocurriendo en un mismo presente, simultáneamente, y que se van contando paralelamente, superponiéndose y alternándose en el tiempo real de narración del filme.  Pero a medida que avanza la película nos vamos percatando, por medio de detalles muy sutiles, de que existe una asimetría temporal entre cada uno de los incidentes medulares que van moviendo cada trama en particular. Por ejemplo, lo que le sucede al matrimonio norteamericano en Marrueco, ocurre en tiempo real mucho antes que el viaje y todo lo que se desencadena posteriormente, que hace la señora mexicana con los niños que son los hijos de este matrimonio; detalle que se nos ofrece casi al comienzo de la película con la llamada telefónica, pero que captamos más eficientemente cuando se nos reitera al final. Igualmente sucede con la historia de la joven japonesa, cuyo desarrollo se va dando a la par del seguimiento del conflicto político que desencadena el accidente en Marruecos a través de los cables noticiosos.    

Ahora, lo que me parece novedoso es el trabajo de articulación de las historias, la forma en que se les hace coincidir en puntos que van tejiendo el sistema de relaciones entre ellas. Además de los lazos familiares (Matrimonio en Marruecos y los hijos a cargo de la mexicana en los Estados Unidos), y la dosis de azar o coincidencia (el japonés que le regala el rifle al cazador guía marroquí), que actúan como puentes vinculantes, pienso que la estructura narrativa funciona en los códigos de la hipercomunicación producida por los sistemas satelitales, que han eliminando las últimas zonas de silencio que quedaban en el planeta, y que hacen del mundo contemporáneo un presente que se desborda a sí mismo saturado de información. Con ese sentido del tiempo que se precipita hacia adelante, que se anticipa a sí mismo convirtiendo el futuro inmediato en presente, del cual hice mención al comienzo, parece jugar  Iñárritu para provocar encuentros entre seres humanos que rozan sus vidas ahora en espacios de virtualidad, en lo que no deja de sentirse de fondo la bella idea del poeta venezolano utilizada en 21 Gramos, acerca de cuántas cosas tiene que suceder mientras la tierra gira para que dos personas lleguen a conocerse, a encontrarse en un punto siempre incierto de sus vidas. Ese instante en el que una vida presiente a la otra quedó como posibilidad latente entre la joven sordomuda que no detuvo su tiempo en leer los labios de la locutora, y la madre que agonizaba en una aldea perdida de Marruecos; como millones de personas en el mundo tampoco harían caso a la historia desgraciada de una familia de pastores marroquíes. De esta forma Iñárritu hace girar la tierra y con ella una serie de existencias que se dan cita en el azar o se cruzan miradas en los espacios virtuales de las redes globales de comunicación, en ese presente que nosotros consumimos como espectadores de esos fragmentos de historias que nos bombardea la secuencialidad esquizofrénica de una cadena noticiosa transnacional.

Y para terminar me gustaría despedirme con el recuerdo de la imagen de la joven japonesa desnuda en el balcón sobre el tapiz de fondo de la monstruosa ciudad. Una sensación de frío y desamparo aún experimento hoy al sentir que el hombre sigue siendo un ser frágil e indefenso, que sigue estando desnudo sin que nada verdaderamente lo proteja. El mundo que ha sido capaz de crear con los medios que Prometeo le otorgó para su conservación, el secreto de las artes y el fuego robado a Hefestos y a Atenea³, le oprime y se le viene encima como la Torre de Babel después que Dios confundió las lenguas para castigar una vez más a la soberbia de los hombres. 
 

La Habana, abril-mayo de 2007

I don't listen to W&C regularly but I appreciate it when I do. From what I know, Wachtel was one of the first feminists on air in Canadian radio and pretty senior in the CBC hierarchy from her years of experience (I remember listening to her in the car with my mom since ever). Poniatowska's interview was the only one I've caught from this series so far, but they're archived in RealAudio here and here. She speaks about "the Night of Tlatelolco" (La noche de Tlatelolco), as she titled her 1971 work, for which she is most famous. On 2 October 1968, thousands of students and other protesters demanding legal reform for freedom of expression were massacred at the Plaza de las Tres Culturas, Tlatelolco, Mexico City. I don't know it well myself, so I'd rather recommend the interview with Poniotowska for better details. Alfonso Cuarón has a film in pre-production, México '68, to be penned by award-winning screenwriter Vicente Leñero, which will deal with this event. Mexico 68 also refers to ongoing student movement which itself had a number of ideological considerations.

Fandom for the director and the "Mexican scene" aside, I'll probably be listening to that interview again, and maybe getting my hands on a translation of her book. It seems relevant, considering the upcoming Beijing Olympics, and the hopes the IOC had for requiring of the PRC better human rights standards, especially in the realm of free speech. I took a class on New Korean Cinema this past semester - one of our assigned films was Chilsu and Mansu (1988) produced on the cusp of '88 Soeul Olympics. It deals with a number of things going on in the 80s in Korea both tangibly and psychologically (that sometimes we forget about because they're so economically advanced with their shnazzy mobile phones) among which human rights and the student movement were a big deal. It'd be too much to say to talk more about it now, but the film is special because it marked a major step forward for freedom of expression (especially political criticism) in the South Korea. And it's relevant here, I think, because the decision to hold the Olympics in any given country, and the costs (financial and otherwise) required are so massive - maybe especially in these countries called emerging markets (after all, they only matter for their market-relevance of course /sarcasm) - and now I'm wondering again about BJ, China. I was there last summer... and it felt weird somehow, standing in a square that's barely a square (in the traditional sense), but really...

These are such happenin' times...

For additional information on the interviewees:

From the official W&C site:

"In part one of our series, Eleanor Wachtel speaks with Elena Poniatowksa. She is truly Mexico’s literary 'superstar,' respected and admired for her commitment to social causes as well as her highly original body of work. Her landmark novel, Here’s to You, Jesusa!, features the voice of a poor Mexican washerwoman who became a lasting inspiration to Poniatowska. Later works of 'testimonial literature,' chronicle key traumas in recent history, including Massacre in Mexico (about the government-ordered slaughter of students in 1968). Poniatowska lives in Mexico City.

"Many of Poniatowska's books, including The Skin of the Sky and Here’s to You, Jesusa! are available in English translation, most from the University of New Mexico Press."

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"This week, more in the special series, 'Mexico Unmasked': a lively and illuminating panel with two of the country’s most provocative writers, Juan Villoro and Jorge Volpi. Juan Villoro’s journalism, published internationally, covers a wide range of subjects, including rock, sports, cinema, literature and travel. He’s published dozens of books - novels, essays, short stories, children’s books, and journalism.

"Jorge Volpi became one of the founders of the "Crack" movement in Mexican literature - an ironic response to the Latin American literary "Boom" of the 1960s, with its insistence on magic realism. Like Juan Villoro, he’s written many prize-winning novels. His most recent one to be published in English is In Search of Klingsor.

"In Search of Klingsor by Jorge Volpi is published in English by Simon & Schuster."

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"Journalist, historian and novelist Paco Ignacio Taibo II was born in 1949 in Gijon, Spain, into a politically active family who fled Franco’s regime for Mexico in 1958. He is best known for his series of philosophical crime novels, featuring his detective Hector Belascoaran Shayne, described as "Mexico’s contemporary hero of the oppressed." One of Taibo’s most recent detective novels, The Uncomfortable Dead, was written in collaboration with the Zapatista leader Subcomandante Insurgente Marcos."

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"Our series concludes with the charming, passionate novelist, Carmen Bullosa. And, Eleanor Wachtel speaks with the award-winning, innovative Guillermo Arriaga, writer of the movies, 21 Grams and Babel.

"Guillermo Arriaga's films, Amores Perros, 21 Grams, and Babel are available on DVD.

"Carmen Boullosa's novels, Leaving Tobasco, They’re Cows, We’re Pigs and Cleopatra Dismounts are published in paperback by Grove Press."

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Este cuento de Guillermo Arriaga narra brevemente la historia de Segismundo, un adolescente albino que se muda a un barrio mexicano, pero el hecho de ser tímido en exceso no le permite establecer amistades con los vecinos de su edad, por lo que su padre lo obliga. Al principio es bien recibido por sus buenos amigos, pero cuando llega Rafa, que estaba de vacaciones, y que era el que “mandaba” en el barrio comienza a fastidiarlo por sus diferencias físicas y su actitud minimalista. Esto conlleva a que Segismundo quiera defenderse, y al derrotar a otro de sus vecinos se suba la moral, y quiera retar a Rafa, quién le propina una golpiza. Una vez más, su padre da una muestra de ignorancia y machismo, obligándolo a tomar clases de karate y judo, para que se pueda defender, y no digo que está mal que aprenda a defenderse, lo que me parece mal es que lo haga por obligación y no por convicción propia. Luego de esto Segismundo, a quién apodaban el Rat (La rata), por cortesía de Rafa, se auto proclama como el Vikingo, y aprende la actitud machista de su padre, menospreciando a las mujeres con la plena convicción de que él pertenece a una raza superior que debe dejar su semilla en cuanta mujer se le atraviese, y pasa a ser quién manda en el barrio, con el añadido de que Rafa fue enviado al ejército por sus padres luego de la pelea. De ésta manera, “el vikingo” ejerce su dominio en el barrio, llegando a cobrar a los adolescentes por ver como mantiene relaciones sexuales con una mujer y sus hijas. Vemos pues, un episodio que plantea la desfachatez del hombre que cree que es superior, y la miseria en la que puede hundir a un ser humano delante de los demás. Cinco años después vuelve Rafa, para descubrir que el Rat ya no era el mismo de antes, o al menos eso pensaban todos. Cuando por fin se encuentran, y todos (incluyéndome) pensaban que el renovado vikingo iba a tomar venganza, Rafa lo intimida de tal manera que no puede hacer más que marcharse, sólo y derrotado. A fin de cuentas, Rafa es el invicto.

La narración no es lineal, por lo que hasta la mitad del cuento el lector no comprende muy bien la situación, pero luego todo se va aclarando y las piezas encajan en su lugar, manteniendo el suspenso sobre el resultado final, que vale decirlo de nuevo, es bastante sorprendente. Tiene un toque de crítica social, que junto al acento mexicano de los protagonistas genera un resultado agradable.

In the biblical story of the Tower of Babel, all the people of the earth lived in one place and spoke one language. They formed a great civilization and thus they felt that they were as good as God. So, aspiring to be divine themselves, they began building a colossal tower that would reach heaven and God. God didn’t take too kindly to this kind of arrogance so the people of Babel were made to speak different languages. Thus, people were no longer able to communicate with each other and construction of the tower ceased. Thereafter, people spread out all over the world, forming nations and tribes with those they could communicate with.

Babel, the movie, directed by Alejandro González Iñárritu and written by Guillermo Arriaga, is a meditation on the difficulty and tragedy of intercultural communication. The movie is filmed in English, Spanish, Japanese, Arabic, Berber and Sign Language, with bits of French. Since I watched a Japanese version of the DVD there were no English subtitles. I watched the movie only able to understand the English. Having grown up in Southern California I was able to pick up some of the Spanish and living in Japan now I was able to catch smatterings of the Japanese. But otherwise, it truly was Babel to me.

Yet, it didn’t matter. I was able to understand the general meanings of what the characters were saying and follow the narrative fairly closely. After the movie, I checked online for a synopsis to make sure my perception was true and it surprisingly was close to what I “heard”.

The film is set in four countries: Japan, Morocco, Mexico and the U.S. And it involves the story of four intertwined stories. Previous Iñárritu/Arriaga movies also followed this conceit, with events and choices made by one character affecting another and so on. Babel is the least focused of these of films. Amores Perros, the first of their trilogy, is a tightly wound cinematic masterpiece set in Mexico City. 21 Grams is an excruciatingly cathartic follow-up. Babel though just as challenging and finely crafted, is just not as satisfying. The Japanese story, though mesmerizing, is the most tangential, while the other three story lines abrasively cleaved to each other.

Like their other films, Babel’s narrative jumps back and forth in time and only by the end does the viewer comprehend the timeline, the choices and the consequences.

The story can be followed through a Winchester rifle. It was given by a Japanese hunter/tourist to his guide in Morocco. Then it was sold to another Moroccan family of goat herders. It was accidentally fired by one of the sons, hitting an American tourist. Because of the medical emergency, the American’s children back in San Diego had to be taken care of longer than expected by their Mexican nanny. However, the nanny has to attend her son’s wedding in Mexico, so she takes the children over the border.

Each choice leads to both tragedy and redemption. But it’s mostly tragedy for the Moroccans and the Mexicans, and redemption for the Americans and the Japanese. The American couple grow closer through their harrowing experience, and the Japanese father and daughter learn to grieve together. Meanwhile, the Mexican nanny, soulfully played by Adriana Barraza, loses her livelihood and home, while the Moroccan family loses a son. Perhaps this is a parable on how bad choices disproportionately effect people from developing countries, while those of us in the developed countries are more insulated.

Even with such heavyweights as Brad Pitt and my favorite actress, the ethereal Cate Blanchett, the lesser known performers stole the show. Both Barraza and Rinko Kikuchi, who played the deaf Japanese schoolgirl were nominated for many awards. (Click on the picture on the right for an interesting article on how these two actresses first met, since they never met during the filming.) But the actors who played the Moroccan father and his two sons were also compelling.

I was troubled by what I felt was unneeded nudity by Kikuchi. At times I felt I was watching some cheesy fantasy stereotype of a horny Japanese schoolgirl trapped in a scene from Basic Instinct. Much to her credit, Kikuchi portrayed the character as a complex teenager who was struggling with her sense of low self-worth and how it was enmeshed in her emerging sexuality. One could argue that the nudity and overt sexuality was necessary to convey her vulnerability. But Kikuchi did a fine job of doing that with just the expressions on her face. If anything the casual titillation distracted away from the emotional force of the performance.

I can’t say I fully recommend the movie. It’s not a comfortable moviegoing experience. Although it was a valiant attempt to expand the trilogy onto a global scale, for a casual moviegoer, you’re better off with Amores Perros.

A parte qualche lungaggine – il viaggio verso il Messico ogni tanto sembra interminabile – e nonostante il tono del racconto non riesca sempre a miscelare bene le due anime del film – una drammatica ed esistenzialista, l’altra beffarda e grottesca – Le tre sepolture è un film pregevole, che mischia atmosfere post-western alla Peckinpah, con personaggi che potrebbero uscire da un film (minore) di Robert Altman, tipo Tre donne o Jimmy Dean, Jimmy Dean. Ci sono poi scene decisamente riuscite e addirittura visionarie, come quella nel bar messicano, con quel sottofondo di pianoforte straziante e ripetitivo, punto di svolta in cui lo spettatore inizia a cogliere in Pete segni di sfilacciamento interiore, e inizia a percepirne la disgregazione individuale. Bello è anche il finale, secco e sofferto, così come è davvero triste il personaggio del vecchio “eremita”. I temi dominanti sono indubbiamente ben trattati (l’amicizia, l’immigrazione messicana negli Stati Uniti, l’angosciante stile di vita delle cittadine americane in cui il massimo è andare al centro commerciale nel week end). Qualcosa, però, non convince proprio fino in fondo. O forse non è questo il punto: infatti, a ben vedere, il film sta nella propria misura senza strafare e senza alcun or