Claro, de haber sabido que hoy moriré probablemente esta mañana no habría ido a trabajar, pero ya que me puse en el supuesto tarde, empecé a imaginar desde la premisa de enfocar este último día teniendo que ser éste un día como los demás, que tiene más mérito. Miré por la ventana y toda la belleza que vi me estremeció. Nunca había percibido tanta belleza en las calles de Madrid, e intenté llenar con ella cada poro de mi piel. Nunca había mirado de esa manera. Y desde la nostalgia de mis últimas horas me sentí afortunada al poder disfrutar de esas sensaciones. Y me sentí reconfortada. Estábamos por el Paseo de Recoletos. Miré a mi alrededor. El autobús estaba lleno de gente. Cada persona con su vida. Ellos con más tiempo. Me habría gustado abrazarlos a todos, como despedida.

Bajé del autobús en Cibeles y me dirigí a la Delegación de Hacienda de Montalbán, para cumplir con mis obligaciones laborales. Qué tarea tan poco romántica para un día como hoy. Cogí mi número. Había unas treinta personas antes que yo. Edificio por dentro reformado y moderno. Luz artificial y un molesto Bip que sonaba cada vez que una mesa quedaba libre y llamaba al siguiente número. Me propuse que el tiempo que fuera a invertir en Hacienda fuera agradable a pesar de todo. No quería que nada estropeara esas horas. Me senté y cogí un 20 Minutos. Me llamó la atención una sección en la que se despedía al que había sido algo así como el “blogger del año” y daban la bienvenida al siguiente. El primero se despedía del cargo con dolor, y hacía una metáfora en la que era abandonado por la mujer amada, la que soñó para siempre.

El nuevo cargo electo era un taxista que relataba en sus blogs sus historias en el taxi. Y en este primero hablaba de cuánto se quejaban sus clientes de la monotonía de sus vidas. Es curioso que cayera en mis manos esa lectura. Mi día pudo haber sido uno más. Me había levantado a la misma hora de siempre, había preparado el desayuno de mi familia, había ido a trabajar como siempre... y sin embargo no lo era.

Por fin sonó mi Bip, y me dirigí a la mesa que me correspondía. Sonreí al funcionario y le di mi modelo 840 y la documentación necesaria. Él me miró y dijo fastidiado que no lo había hecho nunca, y que a ver qué hacíamos, porque podría hacerlo mal. Le contesté divertida que también era la primera vez que yo había rellenado un 840, y que quizás tuviera errores, y que así podríamos aprender los dos. Comenzó a hojear los poderes y la documentación. Después de examinarlo todo me dice que el DNI del que aporto copia está caducado. ¡Andá! Le explico que claro, el representante manda copia a la asesoría, y que nosotros vamos tirando de copias.... hasta que se caduca, claro. Se lo piensa, me mira y me dice “también puedo hacer como que no lo he visto”. Le sonreí. Llamó a un compañero para que le ayudase a grabar el modelo y entablamos los tres animada charla. Finalmente me resuelven el problema, y paso un rato agradable.

Salgo a la calle pletórica, y mucho más contenta me puse al ver de nuevo el cielo azul y al comprobar lo grato que resultaba el calor del sol.

Tengo que reconocer que el ejercicio es mucho más difícil de lo que parece, porque a veces te olvidas, y cuando te das cuenta de que llevas un rato trabajando mecánicamente has olvidado sentirlo. Eso me pasó a mí a ratos el resto del día.

Por la noche volví a recordarlo y besé todo lo intensamente que pude a mi familia, pero el cansancio puede hasta con la imaginación. Y finalmente y después de todo, no morí con el día...

Lo que me ha quedado es el firme propósito de repetir el ejercicio. Quizás cuanto más me ejercite más fácil me resultará sentir tan intensamente cada pequeña cosa del día como ayer me sucedió durante un rato, así como intentar por todos los medios quedarme con lo bello y lo que reconforta y dejar a un lado (si es que no es posible cambiar) lo que duele, lo triste, lo gris... Y quizás si llego a ser alguna vez cliente del recién nombrado blogger del año, no tendré que hablar con amargura de la monotonía de mi vida. Me queda tan poco tiempo....

Bueno aqui os dejo con el tema You are my sister

Today was Best of the Fest day -- or "What prints are still in town?" day, to give it its informal name. But there was plenty of good stuff on, so I tooted over to Filmhouse, discovered that my press pass had officially expired, and shelled out some cash for movies for the first time in ten days.

WALL-E was first. I felt guilty about seeing something non-rare like this at a festival, but quite good about missing all the ads that will precede it when it goes on general release. I started to wonder if I was in a fragile emotional state as it went on, as I found myself having an exaggerated response to EVERYTHING. I spent much of the film close to tears. Then i decided that, no, I'm no more fragile than usual, it's just a deeply beautiful film.

It's kind of sweet also that Michael Crawford finds himself in one of the biggest films of the year, without actually doing anything (he appears in the clips from HELLO DOLLY, Wall-E's favourite/only video). Opening in space, with Crawford's voice ringing out, before descending towards a litter-strewn Earth upon with only North America is visible, Andrew Stanton's extended C.G.I. homageto Douglas Trumbull's SILENT RUNNING actually has a beautiful, live action, '70s long-lens, misty, smoggy look, like the titles of SOYLENT GREEN, for all its terrestrial scenes. Roger Deakins consulted on the virtual lighting, and expressed his astonishment in Edinburgh at the joy of position virtual lights in a virtual set and not having to worry about hiding them.

Did I like all the film equally? No, but things don't have to be perfect. Enough of this was. And it was interesting to see Fred Willard spoofing President Bush: "Stay the course!" This must make Bush the first U.S. president to have been slammed by Disney while in office, unless I'm forgetting something major.

Pixar's hit-rate is so high it could almost get monotonous. I seriously dig how they mainly avoided dialogue here and would suggest they get even braver and make an entirely wordless feature next.

*

I jumped from Filmhouse to the Cameo, grabbing a sandwich, and plunged into the art deco world of MISS PETTIGREW LIVES FOR A DAY, a '30s farce which fails as a comedy (for me) but which seemed to just about hang together as drama. The material is far from the level of Wodehouse, although the story is acceptable. The dialogue and situations fail to deliver the expected comedy (although the audience I was with laughed kindly a few times). Director Bharat Nalluri, from high-end Brit T.V., avoids overkill and restrains the visuals, but there's neither a refreshing, modern attitude nor any evocation of an old-fashioned film style. and the performances refuse to gel in a way that's kind of fascinating.

McDormand and Adams.

The extras -- several terribly over-eager perfs from background artistes, something you don't often see.

The stars -- well, there aren't any big ones, which ought to mean Nalluri had the pick of non-famous thespian talent at his disposal, with no commercial pressure, but it doesn't always work that way.

Frances McDormand -- a talented comedienne, as we've seen before, here she can only manage to generate a few warm smiles, and most of those are snatched solo. Whenever she has to interact with fellow performers, she's hampered by the unevenness of tone. Any scene with more than two co-stars leaves her torn between wildly different acting styles, since she's the only performer paying close attention to her fellows. But she makes an appealing Pettigrew and that sympathy holds the proceedings together at least somewhat.

Amy Adams -- plays the whole thing in a fake Marilyn Monroe voices which in 1939 had yet to be invented. Anachronistic and more than a little annoying. She's CONSISTENT, but her tropes get shopworn fast. There's talent there, but it lacks guidance.

Tom Payne -- another terribly self-conscious British prettyboy. I didn't like his HAIR -- was any man wearing it that long? He's ruinous to any scene of farce that requires timing. He has appeal, and may well become a decent actor, but asking him to do anything that requires precision is madness. He gets all the script's Bertie Wooster archaisms, as if all the movie requires is one character who talks '30s. He gets away with the "don't you know, what?" stuff better than anyone could reasonably be expected to when surrounded by non-period-specific speakers, so he deserves some credit for that.

Lee Pace -- from his first scene I thought he was a truly horrible actor. By the end I kind of liked him. Then I discover he's American, which I hadn't suspected. Suicidal of the filmmakers to have saddled themselves with yanks in Brit roles. They're already attempting farce, which rarely works on screen, and '30s screwball reconstruction, which generally dies like a dog (AT LONG LAST LOVE?) so they didn't need to kneecap themselves before even starting. What's odd about Pace is that although he seems awkward and out of place, he seems exactly like an awkward out-of-place Brit. He doesn't slot into place with the others because he's too naturalistically gawkish for the milieu. Interesting but wrong.

Ciáran Hinds -- really sweet. The only actor who can talk to one character and then to another without making himself or them seem like a stray alien. His perf is so low-key and gentle it almost disappears before you, but he's the one you remember.

Mark Strong -- he was the best thing in Polanski's (rather good) OLIVER TWIST, as the usually-deleted character Toby Crackit. Here he could actually get away with going more O.T.T. as he did there, but I don't blame him for holding it in, surrounded as he is by erratically varying styles and pitches. He makes a good cad though -- I need to check out some of his other work (SYRIANA, STARDUST).

Shirley Henderson -- is a very dangerous woman. Versatile to the point of omnipotence, she can produce effects beyond the range of any earth-creature. Being fallible like the rest of us, she's quite capable of making bad choices though, and playing them to the hilt so as to torpedo a whole movie, as in DOCTOR SLEEP. Here she does her Cruella-type villainess as if on helium, which is wildly impressive (if it were anyone else I'd assume she had computerized assistance, but NO, this is Shirley we're talking about) as a technical feat, slightly distracting much of the time, but serves as a possible clue as to how all the other roles could have been played -- with gusto, speed and sharp timing. Is this really so impossible today?

I'm usually a sucker for WWII stuff -- MRS MINIVER slays me and the novels of Patrick Hamilton lay about my heartstrings with rusty saw-blades, but this fest I've seen two flicks set around wartime, this and THE EDGE OF LOVE, and neither really got me at all.

*

Out of PETTIGREW, bagel across the road, then back into the Cameo for my third helping.

ELEGY is directed by Isabel Coixet, whose episode of PARIS JE T'AIME was quite enjoyed round our place. This movie seems to relate quite closely to it in plot terms, too. But I.C. needs to wean herself off the V.O., which doesn't add anything to this movie AT ALL.

Nicholas Meyer scripts. Remember him? As a novelist and film director he had a definite personality, tackling romps like TIME AFTER TIME (H.G. Wells chases Jack the Ripper in his time machine) and THE SEVEN-PER-CENT SOLUTION (Sherlock Holmes teams up with Freud). He also managed to make a going concern out of the STAR TREK franchise, directing entries 2 and 6 (remember, the even-numbered TREKS are the good ones). In this movie he's adapting Philip Roth, and there's nothing to relate this to his earlier films -- but quite a lot to connect it to THE HUMAN STAIN, another Roth adaptation by Meyer.

Sir Ben Kingsley, who will always be Handhi Bendhi Gandhi to me, falls madly in bed with Penelope Cruz, whose breasts he declares, not unreasonably, to be the best in the world. A lot of this film revolves around those breasts, so it's a good job they were able to cast such a convincing pair. There is actually a surprising chemistry between the two stars. Sir Ben is on top form, managing to be real and surprising at the same time. Why hasn't he played Picasso? He has a big bald head and his torso, which he staunchly parades here, is a dead ringer.

Ben can't believe his luck with P. Cruz, which leads him to sabotage the relationship. Bad Sir Ben! It probably doesn't help that he's getting his romantic advice from Dennis Hopper. There might possibly be better people to listen to. What's Robert Blake up to these days?

"Do you know what a love letter is? It's a bullet from a fucking GUN."

So the beautiful Cruz missiles go out of his life, only to return with a tragic twist (ouch). The perfs are exquise, the situations adult and interesting, only the cinematic qualities descend to cliché. Walks on the  beach: the couple together, then, morosely, Bendhi alone. That bloody voice-over. I have nothing against V.O., but try taking it out and see what happens. My guess: nothing. Erik Satie on the soundtrack. I was just watching Welles' THE IMMORTAL STORY, as part of the Moreau retrospective, and thinking what a shame the Gymnopedies have been so overused since then, and here they come all over again.

Just before the festival a student asked me "What does 'cinematic' mean?" During the festival I heard various people debating it. Generally we agreed it was a tricky word with no set meaning. In ELEGY, Sir Bendhi quotes A.E. Houseman's line about not knowing what poetry is, but recognising it at once when he sees it.

ELEGY is well-acted, written, and photographed, but I don't recognise it as cinematic.

Gracias Marc Jacobs, gracias Juergen Teller. Habéis conseguido lo que miles de ciudadanos con derecho a voto pero profundos deseos insatisfechos, ansiaban. Habéis tirado a Victoria Beckham a la basura. En una bolsa probablemente reciclable como mandan los cánones, esparcisteis las piernas de la exSpice en primer plano. Me gustan sus tobillos rudos, de jovencita inglesa curtida en horas de discotecas, de virginidad mal perdida oliendo a cerveza. Son tobillos que acaban una pantorrilla corta enfundados en un zapato ortopédico. La moda no es moda si no roza el ridículo.

Después, en un derroche metafórico, la coronasteis con plumas a modo de pavo real, en una foto donde parece flotar en el aire como el muñeco que cualquier taxista desearía colgar en su coche. Le asoma un sujetador que cubre con dificultad un pecho siliconado, una esfera perfecta que cuelga de un escote vigoréxico donde se puede contar cada hueso. Y de nuevo esos pies pequeños, en zapatos extremadamente justos.

Los medios se exaltan, corren ríos de tinta. ¿Por qué se rebaja a semejante humillación? ¿Ha perdido el norte? Quizás Victoria se ha entregado al glamour como la damisela rubia que sacrificaban a King Kong. Es más grande que ella, es más fuerte que ella, pero hay algo en esa monstruosidad que le excita y hará lo que pida con feliz resignación. Nuestra joven heroína de clase obrera ofrece su cuerpo y su alma a los dioses de la moda. Y en un agradecimiento profundo, latente, emprende un viaje sin retorno de la mano del hombre que decidirá nuestros destinos estéticos.

Posh es el polvo confesado inconfensable de un buen amigo mío, cuyo nombre ocultaremos aquí para evitar represalias. Tras un largo debate interno, he llegado a una conclusión. Lo que lo que hace sexy a la exSpice es su obstinación y su generosidad. Hace más de 10 años, Victoria aún tenía mofletes. Con fuerza de voluntad, ha conseguido tragárselos y del mismo modo, ha ido borrando las señales que la hacían humana. Convertida en un Frankenstein moderno, es la perfecta víctima para un exceso amor y se entregará a tu lívido aquí y ahora.

“Sin tacones no puedo pensar” nos dijo hace poco Victoria. ¡Qué epitafio más hermoso para una reina de baile de graduación!

PD_ Dejo para la reflexión, otro derroche de lírica: “Puedes ir hecha un asco, pero si llevas un bolso de 900 € te encuentras fantástica”. Entre unos pechos de silicona y unas gafas de pasta, no hay tanta diferencia. Ambos son símbolos de lo que una persona quiere llegar a ser. Al fin y al cabo, nos construimos desde fuera. ¡Y sí! La frase es de Isabel Coixet.

Camino ahora entre los cubículos grisáceos dispuestos en hileras de veinte, bajo las mortecinas luces de neón azulonas de la planta 22. Sin embargo el traqueteo mecánico y repetitivo de los cuatrocientos teclados no mancilla el magnífico silencio que puedo disfrutar en este momento.

De vez en cuando me gusta bajar aquí durante la hora del almuerzo, alejarme de mi mesa de Murano y mi White Label on the rocks para asomarme al habitat de la muchedumbre, desierto durante la hora de la pitanza com si un apocalipsis momentaneo ocurriese durante dos horas antes de volver a la más común de las existencias.

Pero hoy no es uno de esos días. Hoy vengo por negocios.

Todavía quedan restos de las celebraciones de anoche, escondidas apresuradamente tras las paredes de pladour. Pueden adivinarse hojas del "Marca" o el "As" ocultas dentro de las pastas de plástico negro que contienen los informes. Sonrío para mis adentros, bendita ignorancia.

Pero pronto debo prestar atención a mi cometido real para bajar a estas catacumbas del capitalismo, así que apremio mi paso y me apresuro a acercarme al cubículo 281.

Allí lo encuentro. Durmiendo.

Agachandome sigilosamente, pongo mi cara frente a la del Pipboy Ninja. Aún lleva la indumentaria de trabajo mientras dormita con una banderita de Italia parcialmente quemada por la parte inferior izquieda, cerca del asta. La sustraigo y la miro satisfecho, al tiempo que observo cómo sostiene en la mano contraria el informe que debía entregarme esta mañana, hace cuatro horas.

Murmullo para mí, mientras atisbo que mueve la mano en sueños, buscando infructuosamente el sobre pardo del informe. La incompetencia no es una opción. Con tanta fuerza como puedo desarrollar, clavo el asta de la banderita en su cuello, atravesando el pladur tras de su cabeza.

Me doy la vuelta y, entre los forcejeos por respirar del agonizante shinobi, y ofuscado por que el muy hijo de puta ni se ha molestado en redactarlo, leo en voz alta el informe:

"Hola, mi nombre es Ian Usher, y ya me cansé de mi vida. Lo pueden tener todo, si quieren". Así comienza la propuesta de este británico al que un día el sueño australiano de emigrar junto a la mujer que amaba quedó frustrado cuando ella se fue con otro.

Con motivo del  "Día Mundial de las Personas Refugiadas" que se celebra el 20 de Junio, Cear Euskadi con la Colaboración del Ayuntamiento de Bilbao, llevará a cabo la presentación de un CINE FORÚM, de temática referente a la fecha.

"LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS"

SINOPSIS: 

PELÍCULA ESCRITA Y DIRIGIDA POR ISABEL COIXET. Cuenta la historia de una mujer solitaria y misteriosa (Sarah Polley) que intenta olvidar su pasado. LLega a una plataforma petrolífera para trabajar cuidando a un hombre (Tim Robbins) que se ha quedado ciego temporalmente.

Al final la proyección se realizara un coloquio, sobre el derecho de asilo y la protección ante la vulneración de los derechos sexuales y reproductivos.

ENTRADA GRATUITA

FECHA Y HORA: MIÉRCOLES, 18 DE JUNIO 19:30 Hs. (7:30pm)

LUGAR: Cine Club FAS (Salón el Carmen, Plaza Indautxu)

Más Información: 94.424.88.44 (Ext. 211) Cear Euskadi

Fuente: Cear Euskadi

Adoro a Isabel Coixet. Me enamoré de Mi vida sin mí y La vida secreta de las palabras muchos meses antes de verlas. En la segunda, quizá gracias a Antony, cuya preciosa Hope there's someone sonaba en el trailer. El caso es que cuando las conseguí ver, en DVD, desesperado, no me decepcionaron. De hecho, vi mi amor incrementado. Me hipnotizó la sensibilidad, los personajes, la música, la belleza, la historia...

Y gran parte de ello es lo mejor de Elegy, el primer encargo hollywoodiense de la directora catalana. No la historia, de acuerdo. Una premisa no demasiado interesante, que nos presenta a uno de esos viejos que se niegan a madurar, que se enamora de una alumna joven y atractiva. Si no fuera por quien la firma, dudo que la hubiera visto en mi vida.

Pero más allá de la trama, la Coixet nos ofrece varios regalos: escenas preciosas, en las que se muestra la intimidad de una pareja, hacen salir al voyeurista que llevamos dentro, al que disfruta con el amor de los demás, y con el sexo (más bien implícito, erotismo romántico). Vemos las caricias, los besos, los susurros y los roces. Los sentimos como si fueran nuestros. Casi poesía visual. Una de mis escenas preferidas, la de la playa, por su belleza visual. Se obvia el muy grato uso de la música por parte de la directora, que se une al trato que le da a la cámara.

Y no olvidemos que esta mujer consiguió conversaciones tan vivas e interesantes entre Sarah Polley y Tim Robbins en una estación petrolífera. En esta ocasión no llega a la altura, pero lo intenta, y destacan las escenas del dúo Kingsley-Hopper, los dos amigos viejales que se cuentan todo, como dos adolescentes locuelas, pero más inteligentes.

En cuanto a los actores, pues todos cumplen su papel. No hay ninguno de ellos que destace ni por exceso ni por defecto, pero se agradece que todos estén creíbles y consigan que empaticemos con sus personajes.

En total, es un proyecto tratado con menos interés y amor que las anteriores películas de Isabel Coixet, y eso se nota. Un encargo, que es algo que no se le da demasiado bien a los directores acostumbrados a su cine de autor. Ahora toca esperar con ganas a esa nueva película que están rodando la Pe y ella, en Tokio, Map of the sounds of Tokyo, que ya es suya absolutli, y eso es siempre una garantía de buen cine.

Lo mejor: que en realidad se nota que es una película de Coixet, y adoro su estilo.

Lo peor: que la historia me interesase tan poco.

Em sua estréia como diretora, a canadense Sarah Pooley deixa ver o peso das suas experiências, como atriz, sob a direção de Isabel Coixet. Longe Dela traz marcas autorais que parecem traçar uma continuidade em relação aos filmes Minha Vida sem Mim (2003) e A Vida Secreta das Palavras (2005).

Trata-se de um cinema que elege como temas os problemas humanos mais aptos a denunciarem a nossa condição de fragilidade – doenças mortais ou degenerativas, acidentes de trabalho, traumas decorrentes de tortura e os abalos psicológicos que eles provocam. Uma quantia muito bem calculada de pessimismo perpassa as narrativas, exigindo atuações densas e enfatizando uma organização de espaço-tempo que monotoniza a relação do filme com o espectador, no mesmo passo em que torna essa relação dócil e permite a formação de um olhar compassivo e complacente (na evolução da trama, cenas muito parecidas com as anteriores marcam momentos diferentes, de modo que uma mesma angústia se estabelece como o elemento essencial de toda a experiência).

O cinema de Pooley, entendido nessa tríade (e o natural é esperar que seus próximos filmes como diretora sigam o mesmo itinerário, desenvolvendo as matrizes lançadas junto com Coixet), é uma atualização do melodrama bastante sofisticada e predisposta a agradar um público que busca linhas de fuga aos dramas hollywoodianos recentes, mas que não pretendem abandonar o que é essencial a esse gênero: a emotividade, o envolvimento seguro e controlado com problemas particulares que pertencem a um universo de ocorrências possíveis com qualquer um, e que, por isso, nos dizem respeito diretamente.

De fato, qualquer um dos três filmes em foco corresponde a essa expectativa de maneira mais rica, cinematograficamente, que um filme como, por exemplo, o supervalorizado As Horas (Stephen Daldry, 2002) – inclusive no tocante a atuações memoráveis, o que a indústria explorou muito como rótulo do filme de Daldry (afinal, estão presentes as estrelas Meryl Streep, Julianne Moore e Nicole Kidman). Longe Dela, por si só, mostra o quanto estigmas como esse são úteis ao mercado, sendo que a aceitação massiva de uma idéia de “qualidade” pode ser mais um resultado da geografia da distribuição dos filmes, junto com o imaginário impetrado pela indústria, do que um juízo construído pelo próprio público. Nesse sentido, Julie Christie, que também atuara em A Vida Secreta das Palavras, se destaca no filme de Pooley, interpretando uma mulher acometida pelo mal de Alzheimer, sendo devidamente acompanhada por todo o elenco.

Em todo caso, o cinema angustiado de Coixet e Pooley é menos distinto do cinema hollywoodiano de gênero do que as diretoras parecem acreditar – tanto que, em uma passagem de Longe Dela, Fiona (Julie Christie) afirma que não vai muito ao cinema, cansada que está das “bobagens americanas” que sempre são exibidas (o Canadá é um dos maiores mercados de Hollywood). Essa passagem do filme é muito curiosa, pois sugere exatamente a camada do público para a qual a obra se direciona. Sugere ainda, o que também é muito curioso, uma autoconsciência quase ingênua desse cinema que se acredita de ruptura.

Tudo isso é muito propício para o fortalecimento do “cinema cult”, aquele que reúne um certo rol de cineastas e seu público em nome de alguma coisa que nunca se sabe bem o que é, mas que deve ser diferente do que não é, ainda que isso também careça de qualquer definição mais segura. Um cinema que se limita a se disfarçar de oposição, pois permanece engajado em encontrar soluções internas para as crises da narrativa hegemônica, satisfazendo a um público que não ousa colocar em xeque a sua formação como espectador, ainda que, para garantir um certo status, filie-se à nova onda de anti-americanismo que entrou em voga na nossa década, contestando os filmes hollywoodianos apenas pela sua origem – e jamais pelo que eles são, verdadeiramente.

Resulta de lo más socorrido utilizar la manida frase “el libro es mejor que la película” cuando nos referimos a una cinta cuyo argumento se ha basado en la obra literaria de algún escritor/a. Lo que olvidamos es que muchísimas de las cintas que visionamos utilizan y adaptan historias ya escritas por otros/as. La diferencia radica en el hecho de que algunas de esas obras literarias son conocidas por el gran público y otras no. Pienso en estos momentos, y a modo de ejemplo, en “El perfume” de Patrick Süskind cuya adaptación al cine hizo correr ríos de tinta antes y después de su estreno, ya que la novela en la que se basaba había sido un éxito editorial y, lógicamente, mucha gente podía opinar sobre la dualidad película-novela y sobre el buen o mal hacer de Tom Tykwer, su director.

No sé si Philip Roth es un autor medianamente conocido en este país, así que se puede afrontar la opinión sobre “Elegy” (2008) desde dos puntos de vista: el de la persona que nunca ha leído nada de Roth y la de aquélla que, al menos, se adentró en la lectura de “El animal moribundo”, novela que sirve de base argumental a la última película de Isabel Coixet. Yo voy a optar por esta segunda opción.

Valga a modo de introducción comentar lo (des)afortunado del título escogido porque podría llevar a error a los seguidores de Roth, puesto que éste tiene otra novela titulada precisamente así, “Elegía”. A pesar de ello, ciertamente la película es un largo lamento por algo que se ha perdido (la juventud) y, por lo tanto, la elección de “Elegy” no va desencaminda del todo.

Si partimos del hecho de que la novela de Roth no llegó a entusiasmarme del todo (de hecho no me han entusiasmado ninguna de las obras que he leído de él, si exceptuamos la hilarante y surrealista “El pecho” y la desoladora “Patrimonio”), la lógica libro bueno-película mala dicta que “Elegy” me haya gustado aún menos y en parte es así.

Si algo debo reconocerle a Roth es la inquebrantable fidelidad a sí mismo que destilan sus novelas, algo que no he observado en Coixet. Considero que tanto Roth como Coixet son creadores (cada uno en su género) algo sobrevalorados, pero mientras uno me inspira mucho respeto la otra (casi) no me merece el más mínimo.

Sí, “Mi vida sin mí” (2003) me pareció una película más que aceptable (maravillosa la escena en la lavandería), pero “La vida secreta de las palabras” (2005), salvando a los magníficos Sarah Polley y Tim Robbins me resultó, por momentos, una soberana tomadura de pelo amplificada por ese Javier Cámara realizando titánicos esfuerzos por parecer un actor serio. Y ahora nos llega la Coixet y nos planta esta adaptación que pervierte el espíritu de la novela (dejando a parte algunos cambios manifiestos en la trama que tampoco alteran el producto final) para convertir la historia de David Kepesh y Consuela (¿¿Consuela??) Castillo en una empalagosa peliculilla romántica repleta de frases de filosofía barata tan del gusto de alguno de los directores españoles que jalonan este país (véase, por ejemplo, León de Aranoa) y saturada de una voz en off que cuenta lo que en realidad se debería mostrar. Además, uno de los momentos más logrados y sobrecogedores de “El animal moribundo” es la muerte de George en la que Coixet desaprovecha (otra vez) la oportunidad de tocar la fibra sensible (no confundamos con sensiblero) del espectador.

David Kepesh es un maduro profesor de literatura que alterna sus clases con distintos programas radiofónicos y televisivos y alguna que otra crítica literaria en el New Yorker que le han conferido cierta fama. Animal solitario donde los haya, abandonó a su mujer y a su hijo para vivir una vida de independencia y de falta de compromiso amoroso que le lleva a tirarse a toda mujer hermosa que se cruza en su camino (principalmente sus alumnas) sin implicarse emocionalmente: el sexo por el sexo. Consuela Castillo es una de ellas: una estudiante cubana que deja prendado a Kepesh y con la que, finalmente, consigue acostarse siguiendo un ritual en el que el profesor obnubila a sus pupilas con su basta sapiencia y ellas caen rendidas a sus pies. Sin embargo, la jugada se vuelve en contra de él puesto que los años no perdonan y empieza a sentir algo que nunca antes había experimentado: los celos que surgen cuando alguien quiere de verdad. La juventud ha quedado atrás y surge el miedo ante la posibilidad de que Consuela se enamore de alguien más joven.

A partir de aquí se desarrolla la agonía de ese animal, ya moribundo, que era Kepesh y así lo vemos sucumbir a toda una serie de sentimientos desconocidos hasta entonces por él.

El Kepesh de Roth es un hombre cínico, divertido, hedonista y algo cabroncete que experimenta cómo todos aquellos postulados que defendía a capa y espada sobre las relaciones amorosas van haciéndose añicos frente a la fuerza arrolladora de Consuelo (sí, con “o”) y a ese desconocido “encoñamiento” que ella le provoca. En este sentido es interesante la paulatina evolución del personaje, evolución que Coixet no ha sabido solucionar. Kepesh (interpretado por un más que correcto –como siempre- Ben Kingsley) cae bien desde el principio cuando considero que no debería ser así y, por lo tanto, su metafórica agonía no resulta tan reveladora como en la novela.

“El animal moribundo”, además, destilaba erotismo (mucho erotismo) por los cuatro costados y “Elegy” aboga por escenas muy líricas, pero mojigatas en exceso y eso sin olvidar la manifiesta falta de química entre Kingsley y Cruz. La pasión (tan presente en Roth) se suplanta por una frialdad muy “bonita” acompañada de una música muy “bonita” con planos muy “bonitos”. Nada más.

Junto a David y Consuela, aparecen los personajes de George (un poeta amigo de Kepesh encarnado por Dennis Hopper), Carolyn (una antigua alumna del mismo con la que se acuesta regularmente y que interpreta Patricia Clarkson) y Kenny (aquel hijo al que abandonó, y que todavía no le ha perdonado, a cargo de Peter Sarsgaard).

En cuanto al apartado interpretaciones ya he comentado sucintamente que la actuación de Kingsley me parece de lo más correcta, aunque no da el tipo como David Kepesh. Hopper, Clarkson y Sarsgaard salen más que airosos de sus papeles, aunque éste último aparece poco y da la sensación de que está puesto ahí como un pegote y Pe… pues hace de Pe.

Que no, que esta vez tampoco voy a poderme sustraer a la famosa frase y voy a tener que acabar esta reseña sentenciando que “el libro es mejor que la película”.

Trailer de la película

Para ver la ficha de la película, pinchad aquí

Briony   

                                                         The Secret Life Of Words - Isabel Coixet (2005)

Josef: I thought um, you and I, maybe we could go away somewhere. Together. One of these days. Today. Right now. Come with me.
Hanna: No, I don't think that's going to be possible.
Josef: Why not?
Hanna: Um, because I think that if we go away to someplace together, I'm afraid that, ah, one day, maybe not today, maybe, maybe not tomorrow either, but one day suddenly, I may begin to cry and cry so very much that nothing or nobody can stop me and the tears will fill the room and I won't be able to breath and I will pull you down with me and we'll both drown.
Josef: I'll learn how to swim, Hanna. I swear, I'll learn how to swim.

El cine de Isabel Coixet no había despertado mi interés hasta ahora. De hecho, no he visto "Mi vida sin mí", ni "La vida secreta de las palabras", dos títulos que, por cierto, muestran ya por sí mismos mucha de esa pretenciosidad de la que se critica a la cineasta española. Al no tener como referencia los precedentes, he visto Elegy, sin prejuicios y sin conocer la obra en la que está basado "El animal moribundo" de Philip Roth. Evidentemente, sin esos referentes no estoy en condiciones de hacer una crítica fundamentada y completa, pero trataré de valorar la hora y cincuenta minutos de película desde la perspectiva del espectador ocasional.

El primer acierto de Coixet está en el reparto, especialmente en Ben Kingsley, magnético durante toda la película, y capaz de echarse a su espalda el peso de algunos momentos particularmente "blandos" del minutaje. Él es David Khepes, ese hombre maduro, profesor universitario, cualificado colaborador radiofónico y televisivo, una celebridad "para entendidos", que durante toda su vida ha arrastrado su incapacidad para el compromiso. La mirada de Kingsley refleja todos los miedos y deseos de ese hombre cerca de los sesenta años que cae rendido a los pies de una joven alumna (Penélope Cruz) que le hará replantearse la mayoría de sus valores.

Nuestra "Pé" está correcta, incluso notable en algunas escenas, gracias, sobre todo, a su capacidad para transmitir la sensibilidad de determinadas escenas (especialmente en los últimos quince minutos), sin embargo, el personaje no tiene la profundidad del maestro, es más, en ocasiones resulta superficial y simple (aquí la culpa no es de Penélope Cruz, evidentemente). Todo lo contrario que los secundarios, apenas esbozados en algunos casos, pero muy interesantes en sus intimidades. Así, Patricia Clarkson es una amante ocasional del protagonista, hastiada con su vida y que transmite los miedos a envejecer del escritor, al género femenino. Dennis Hopper es el amigo poeta, un ejemplo de moralidad falso; mientras Peter Sarsgaard es el hijo rencoroso, que termina aceptando que la naturaleza amorosa de su padre no es tan diferente a la suya.

Al margen del tratamiento de los personajes - de largo lo mejor de la película -, Coixet logra que las escenas sexuales entre Kingsley y Cruz no sean grotescas, sino poéticas y hasta sensuales, lastradas, eso sí, por cierto aroma cursi en momentos como el de la playa (que nos lleva a recordar algunos de los vicios publicitarios de Coixet). La directora sacrifica el lado lacrimóngeno en aras del relato, lo que quizás reste emoción al conjunto, pese a lo poético de la mayoría de planos. Es como esa poesía culta, que leemos, aplaudimos, hacemos como que entendemos, pero no consigue tocarnos la fibra sensible.

'Si no les gusta el cine español se están perdiendo películas como "Tesis", "Abre los ojos" (mucho mejor que su versión americana), "Los otros" y "Mar adentro". Viva Amenabar. Pero también "Los amantes del Círculo Polar", "Lucía y el Sexo" o "Caótica Ana". Viva Julio Médem. O "Princesas" y "Barrio". Viva Fernando León de Aranoa.

Me he permitido citar a mis tres directores españoles preferidos y sólo las películas que a mí personalmente más me han gustado. Sin embargo hay muchas más películas españolas reseñables: "Todo sobre mi madre", “Volver” y "Hable con ella", de Almodovar; "Historias del Kronen", de Montxo Armendáriz; "La comunidad" o "El día de la Bestia" (¿ésta sí, eh?), de Alex de la Iglesia; "Los peores años de nuestra vida" o "El otro lado de la cama", de Martínez Lázaro; "El perro del hortelano", de Pilar Miró; "La niña de tus ojos", "Belle Epoque" o "Two Much", de Trueba; "Noviembre" o “El Bola”, de Achero Mañas; “Planta Cuarta”, de Antonio Mercero; “Mi dulce”, de Jesús Mora; “Báilame el agua”, de Josecho San Mateo (mucho mejor que el libro); “Mataharis” y “Te doy mis ojos”, de Iciar Bollain; “Mi vida sin mí”, de Isabel Coixet; “Habana Blues”, de Benito Zambrano; y un largísimo etcétera. Creo que con éstas tienen para empezar…' 

No he escrito nada, y los efectos de cortar en seco con los kriyas y la meditación se han ido notando, haciendo especial crisis esta mañana, que dejé de castigarme y me senté veinte minutos. Me hizo bien, pero tengo la sospecha de estar al borde de algún tipo de recaída, obviamente a años luz de mi historial: no es ESE tipo de recaída; es una vuelta más en la espiral, si, pero hace tiempo que esta espiral es ascendente. Este post podría ser una válvula, un desahogo al estado presente, pero voy a dejarlo madurar un poco más, y sólo haré una resumida crónica, y un par de críticas. Surface surfing.

Estos días, a pesar de la semi reclusión, cada día, menos hoy que solo bajé a dar un paseo hasta el Vips a por el periódico, he salido un ratillo. Ha sido en orden descendiente: el jueves me pasé casi todo el día en la calle, salvo la siesta; por la noche salad dinner en casa con el Xabi y Depard con Lola (hacía mucho que no había una auténtica perra en casa) y episodios de "Curb Your Enthusiasm". El viernes cine y japo con Monik y Gallo. Luego comento "Elegy". Ayer, low impact gym y Modigliani con Tugramola (qué bien redescubrir a Moïse Kisling). Por la noche vi "Clapham Junction", el telefilme de Channel 4 que merecería un post aparte... y el mini concierto presentación del "Hard Candy" de Madonna en el Roseland Ballroom de New York. Aprovecho el tema para repasar e disco...

A mi me gusta mucho "Hard Candy". No sé, yo no soy muy crítico con Madonna; no soy talifán de toda la vida. He vivido entera toda su carrera, la ví en su Blond Ambition Tour en el 90 en Madrid, pero no era fan. Me hice fan (muy) en "Ray of Light". Es un discazo, que además coincidió con una época mía muy propicia para la electrónica espiritual que planteaba. El concierto de "Music" en Barcelona fue un punto bien álgido en mi vida. Y a partir de ahí los discos fueron a peor, pero no mis ganas de que me gusten ni la energía que les puse.

Y "Hard Candy" es muy coherente en esa evolución. Cambia de sonido, se rodea de valores seguros, y en las letras suaviza y atomiza bastante el mensaje para hacerlo más accesible, para todo público.
Ya se ha dicho de todo: que si se ha volcado al R&B para recuperar al público americano (no creo que sea para tanto, sigue muy electrónica), que si hay muchas canciones malas de relleno, que si las fotos del libreto son muy feas, que qué viejuna canta (eso en el mini concierto ha quedado más que patente)... así que no voy a incidir en esas cosillas, más bien comentaré rarunadas de las mías.

Parece que llevo tanto escuchando "Candy Store" (el leak estaba en un compilado mío del año pasado) que no sé si me gusta o es que me he acostumbrado... "I've got candy galore" es mi frase favorita. "4 Minutes" ya la he comentado, y me parece un temazo, y el momento especial, ese "don't be a PriMa-donna". Ahora estoy con las remezclas. "Give it 2 Me" es muy Madonna de siempre, genial para el gym, y mi parte favorita es el "to the left, to the right", por el canal derecho y el izquierdo respectivamente. Qué risa. Las letras en general de este álbum me parecen bastante infantiloides, pero yo me empeño en mi afán de ver a qué se refiere y con qué me identifico. El "I can go on and on and on" suena a manía compulsiva que te cagas...

"Heartbeat", al igual que un par de otros temas del disco, me han recordado en sus armónicos, en las melodías, a comienzos de los 2000, a esos temas house del Pioneer, la época de Ultra Naté y el Lady. En este en concreto, ese momento en que Madonna... ¡canta!, y hace una nota aguda que a ver cómo se apaña en los directos con la voz de cazallera que se la pone... "Miles Away" es otro ejemplo de que tampoco ha cambiado tanto y se agarra a valores seguros como el "Love Profusion", y lo bien que hace, porque suena fenomenal. Llevando la letra a mi terreno, me hace pensar en que, con algunas de mis parejas, me pasaba al revés: en los momentos que no estaba con ellos, NO los echaba de menos...

"She's Not Me" es una de mis debilidades. Musicalmente me encanta, con todos sus cambios y tal, pero es la letra lo que encuentro lo más encantadoramente bobo del mundo: "ella no es yo, no tiene mi nombre". En cualquier caso, me he pillado a mi mismo usando el leit motif como mantra para mis asuntos fóbicos sociales, cuando no entiendo a alguna gente que me rodea. Repito varias veces el "She (o He) is not me", y se me pasa.

Los cambios de ritmo a fragmentos chunda chunda techno house de ésta y de la siguiente, "Incredible", supongo que están muy pensados para los directos: se puede hasta visualizar el cambio de escenario y luz y la entrada de los bailarines para una sesión acrobática, probablemente dando un respiro a la señora mayor. El comienzo de "Incredible" es una chulada, pena de rimas absurdas : "one of those things, when everything"... Madre mía...

"Beat Goes On" al principio me gustaba menos que el leak, pero ahora me encanta: las campanitas, ese ritmo disco, la cámara... hasta el rapeado de Kanye va bien. "Dance 2 Night" es muy 80's: el 4x4, el bajo, los cambios... y el homenaje al "Kiss" de Prince: "You don't have to be beautiful, you don't have to be rich"... Y me gusta que hace un poco de voz pitufa, ese gran estilo musicovocal...

Ay, "Spanish Lessons"... ¿Por qué Marisa, por qué? De cualquier otro cantante que no tenga una hija llamada Lourdes María León, pensaría que es hasta racista. Lo más curioso es que ni siquiera dice bien las cosas que dice en español: ¿siniorita?, ¿yo soy loco? Y todo el mundo sabe que "entiendo" es... otra cosa. Anyway, ya la he cogido cariño.

"Devil Wouldn't Recognize You" me dio bajó al principio porque no era el "You Could Be The Devil" que puse en mi recopilatorio. No me enloquece, pero es verdad que es muy Madonna, la temática y las voces dobladas bastante trebble. Y por último, "Voices": un temazo medio trip hop que deja muy buen sabor de boca, con una letra más que digna.

Este disco es mi banda sonora de la temporada, sobre todo en mi Poyota y en el gym, al que estoy yendo poco por motivos, pero pronto retomaré la vigorexia. Dicen que viene a Madrid esta vez; esperemos que así sea y bailaremos juntos, cantando a vivavoche.

Una de cal y otra. "Elegy", de la Coixet, me gustó bastante más de lo que me esperaba. A priori, el planteamiento no me chanaba mucho: la pareja no me atraía, el tema se me hacía lejano, y al leer en una entrevista que la directora creía que a Philip Roth no le había gustado mucho cómo había quedado, pues eso, poca gana. Pero no, debí haberme dado cuenta que un libro de Roth es una base estupenda, no fácil de maltratar. Tampoco soy un especialista en él, pero de adolescente leí "El lamento de Portnoy" (de a biblioteca de mi padre) y me impactó bastante.

Casi todo lo que me gustó fue de manera tangencial. El tema de la edad me afecta, bastante, pero no me identifico con un señor de más de 50 años. La juventud en el amor y el sexo me atrae, mucho, pero no se me plantean brechas como la de la peli (aún). Sí que me resuenan, y mucho, asuntos como la diferencia entre hacerse mayor y madurar, y el tema que plantea Dennis Hopper cuando dice que la belleza física no nos permite acceder a las persona. Me hace pensar en lo opuesto también: cuando una belleza no nos llega o no nos es afín, se descarta a la persona que hay detrás.

Algunas cosas que me molestaban, eran resueltas en algún momento, o comentadas al menos. Como el componer un personaje sobrehumanamente perfecto para que te creas que a su edad pueda interesarle a la chica, que cuando te han dicho que es profesor, crítico de arte en la tele y la radio, escritor, pianista, luego va y resulta que además es fotógrafo y tiene un cuarto oscuro en casa... ¿Cómo sería la historia si él hubiera sido un poco memo? ¿La superioridad intelectual es parte del atractivo, o justifica el desequilibrio? Cuando pensé que qué fácil nivelarlos cuando hacia el final a ella le pasa lo que le pasa, ella misma lo dice, y eso me gustó.

Penélope no me gusta mucho, y esta peli no es excepción. Ben Kingsley también me dejó frío, pero ocurre que, sobre todo al comienzo de la relación, la poca química ayuda mucho a la actitud dubitativa que deben manifestar. Va muy acorde además a una trama de ritmo irregular (la primera mitad de la peli son tres o cuatro personajes, y de repente empiezan a aparecer un montón más), pero yo soy muy amante de las des-estructuras y lo meandroso. Lo que menos me gustó quizás fue la voz en off (¿es del todo inevitable en las adaptaciones literarias?) y el trato a lo cubano: excesivamente esteriotipado.

La Coixet aprueba sobradamente su aventura americana como directora de encargo, aunque consta por ahí que lo pasó bastante mal con los productores y trabajando sola. Pero aparte de todo lo demás, me hizo mucha gracia su homenaje a Zapatero (a quien le hizo los spots de la campaña electoral), metiendo a saco en un diálogo la Alianza de Civilizaciones, en la fiesta en casa del profesor al comienzo de la peli. No me extraña que el presidente fuese al estreno y todo. ¡Grande Isabel!

Efecto piel de gallina.

Es una penica que la citada moza madrileña no interpretase un papel protagonista en la creación de Fritzl. Pé ha llegado muy lejos para ná. Partiendo de Alcobendas alcanzó en su meteórica ascensión la meta de Los Angeles, aunque por méritos no debería haber pasado de Alpedrete. Y eso que en éste último caso el sendero hubiese sido mucho más corto y menos pesado para nosotros. La chiquilla es un tostón, por mucho que enseñe pechuga a diestro y siniestro. Decía Bardem en “Jamón, Jamón” que sus pechos sabían a tortilla de patatas. Qué insulto a tan insigne manjar. Sus tetas no saben a nada, ni a agua pura del Lozoya. La chica lleva ya una retahíla de películas incoloras, inodoras e insípidas que no vale ni la pena relatar. Es casi tan inaguantable su gesto en escena como el de su exnovio, el chico de las alzas, el Cruise. En fín.

Decía Carlos Pumares que lo mejor que había filmado Isabel Coixet (ella le llama a él “ese señor bajito que habla de cine”) era el anuncio de las compresas Ausonia con alitas. En el pasado no estaba de acuerdo con semejante afirmación. “A los que aman” me pareció un buen ejercicio de estilo (qué se puede esperar de cualquier cosa en la que acto de presencia el genial Albert Plá); “Mi vida sin mí” me conmovió, y Sarah Poley estaba cojonuda en su papel; “La vida secreta de las palabras” olía un poco a cartón mojado en su trama central, pero se salvaba por su puesta en escena, por sus personajes secundarios y por el paisaje rústico agobiante de la plataforma petrolífera perdida en el Mar del Norte. Sin embargo, “Elegy” es un alegato a la pretenciosidad, a lo vacío de contenido y a la estética de anuncio de desodorante Fá. La búsqueda de la belleza por la belleza y del sentimiento por el sentimiento es lo que tiene, que acaba haciéndote que te la cojas con papel de fumar. Los wateres del sentimiento huelen a orín y a estiércol recién mingitados, no a colonia para niños. Philip Roth no aparece ni por el forro en la película. Dennis Hooper está, como casi siempre, pésimo, caricatura de sí mismo; por su parte, Penélope y Ghandi deberían ser fusilados. Todo ello es un monumento a las pasiones de corcho y poliexpán, caro y por encargo.

Estos días he pasado por algunas decepciones. Hasta hace poco idolatraba las obras de Denys Arcand “El declive del imperio americano” y “Las invasiones bárbaras”. Tengo el cartel tamaño gigante de esta última esperando para ser colgado en la pared del salón de mi casa. La ví por vez primera durante una época en la que pasé por diversas convulsiones vitales y esa película parecía puesta allí a propósito. Pues bien, no se puede negar que el director canadiense es un tipo con retranca y estómago, pero el excesivo histrionismo de Jean-Marc Leblanc y el retorcimiento de las imágenes surrealistas cagan y lastran “La edad de la ignorancia”. Una pena, pues el fondo de la historia no está nada mal y la acidez de su autor se ve incluso debajo de las más intrincadas capas de maquillaje. “La edad de la ignorancia” (joder, con qué titulo la han españolizado… el original es “L´Age des tenébres”) se queda en un mero intento, en el primer gatillazo perpetrado por un gran fornicador.

No hablamos de gatillazo, sino de pelotazo, cuando vemos a Zaplana encaminarse hacia el retiro de oro de telefónica, el lugar donde se le abonarán los servicios prestados al país del trinque y a sus capitanes trincones. A partir de ahora no podrá practicar su deporte favorito; ya no podrá lucir su cara bronceada por los rayos u.v.a en la tribuna del congreso, ni regalará a sus fieles las típicas dosis del más grueso surrealismo de las que iba plagado su discurso. El príncipe Eduardo I de Terra Mítica a buen seguro que añorará con el tiempo su pasado glorioso y dará rienda suelta en su imaginación a los deseos de venganza. Soñará con construirse un zulo bajo su palacete de Benidorm, encerrar en él a Soraya Saenz de Santamaría y cubrirla hasta la extenuación de sus gónadas mientras suenan los compases del “Let love rule”. Todo es posible en este mundo, sobretodo si tienes dinero en abundancia. Para el resto de los mortales la vida es sueño, y los sueños, sueños son, como dice la canción de Calderón. Yo fabulo con ser, en ese segundito suyo de oro, Paul Scholes.

gachas@excite.com

Año: 2008

Director: Isabel Coixet

Reparto: Ben Kingsley, Penélope Cruz, Dennis Hopper, Patricia Clarkson

Esta película llegaba a nuestras carteleras el fin de semana pasado, con mas promoción por parte de los medios en torno al desnudo de Penélope Cruz que a la película en si misma.

Teniendo en cuenta que a la estrella española le acompañan en el reparto, actores de la talla de Ben Kingsley, el inolvidable Gandhi o Dennis Hopper, cuando menos merecía darle una oportunidad. Cierto es que sabiendo que la dirección está a cargo de Isabel Coixet me echaba un poco para atrás ya que no recuerdo ninguna película de ella que no me haya aburrido.

El caso es que Isabel Coixet lo ha vuelto a conseguir, ha convertido la adaptación de la novela de Philip Roth "The dying animal", una historia con bastantes posibilidades, en una película aburrida, lenta, con un sin fin de planos eternos y una reiteración hasta la saciedad de la voz en off que ni las buenas actuaciones de sus protagonistas consiguen salvar del suspenso.

Como ya pasara con "La vida secreta de las palabras", creo que hay un exceso de intentar el lucimiento personal y eso se nota.

Entrando en lo que es el argumento de la película, aborda desde un punto de vista intimista la forma de pensar de un profesor de universidad (Ben Kingsley) cuando comienza una relación con una de sus ex estudiantes a la que saca mas de 30 años de edad.

Si bien las intervenciones de Dennis Hopper o Patricia Clarkson son bastante secundarias, juegan un importante papel para acercarnos a la personalidad de nuestro protagonista.

Una historia de erotismo y supervivencia que no logra conmover que pienso que era una de las intenciones del novelista.

Valoración - 4.5/10

En general està bé, llàstima del ritme.
Trailer

Web

-Elegy: Pe(nélope Cruz) se hace pasar por veinteañera universitaria que entabla tórrida y tormentosa relación con profesor maduro, interpretado por el últimamente desinflado Ben Kingsley (ya dio lo mejor de sí en Gandhi y La lista de Schindler), en una película de la rarita (por ser suave) Isabel Coixet a partir de la novela de Philip Roth El animal moribundo; como he dicho otras veces, tendrá su público.

-Expediente Anwar: tengo mis dudas con este thriller político; lo mejor, a priori, es el reparto, con Jake Gyllenhaal, Reese Whiterspoon (sí, en fin...), Meryl Streep y Alan Arkin; la CIA y sus métodos contra el fundamentalismo islámico, puestos en tela de juicio; colocarle un interrogante.

-Rompiendo las reglas: una especie de A todo gas pero en el cuadrilátero, con el gancho de una especie de mezcolanza de artes marciales como innovador (y garante de buenas tortas) deporte; Djimon Honsou desaprovecha aquí su talento como mentor del niñato de turno.

-Las ruinas: la enésima cinta de terror teen, aquí con la (floja) excusa de las pirámides mayas como exótico entorno para que dos parejitas de tontitos se jueguen el cuello; muy prescindible.

-Mil años de oración: cambio de tercio; drama en América pero con protagonismo chino.

-Dos polis en apuros: pues parece que en Canadá también se apuntan al rollo de las buddy movies con leit motiv policial, un poco a lo Dos policías rebeldes, sólo que aquí sin Smith-Lawrence; no parece muy apetitosa.

-8 citas: la españolada de turno; ¿para qué tirar el dinero?

Junto a Isabel Coixet la vemos embutida, destacando hombros y pecho y remarcando su ausencia de caderas y culo. Mal. Tampoco me convence la combinación de colores, ni los tejidos.

Mucho mejor la directora de la película, a pesar de ir de negro y no tener ni la edad ni el cuerpo de la actriz. Parece mentira que con un vestido tan sencillo y unas simples botas luzca mejor que toda una star.

Y en el estreno más de lo mismo pero en dirección contraria, ese vestido se ve demasiado pesado e informe; otoñal y apagado a pesar de las lentejuelas (ay, esos brillos bajo los flashes). Le hace bajita y poco cosa al lado de una guapísima y estilosa Sonsoles Espinosa que se la come en la foto (esto es un look propio y no el impostado de la Bruni)

Nos gusta más la Pe del catálogo de verano de Mango. ¿A que sí? Lástima que las prendas decepcionen tanto al verlas en directo...

La cineasta catalana Isabel Coixet, que divendres estrena a Espanya el seu últim treball, 'Elegy', ha avançat avui que la seva pròxima pel·lícula, 'Map of the Sounds of Tokyo' ('Mapa dels sons de Tòquio'), tindrà una seqüència final rodada a Barcelona.

Coixet, rodarà a la capital japonesa aquesta pel·lícula, el guió de la qual ja està finalitzat i que estarà centrada en un home obsessiu que col·lecciona sons i dones. La cineasta ha fet aquestes declaracions en una entrevista a 'El Club' de TV-3 recollides per Europa Press.

'Map of the Sounds of Tokyo' estarà produïda per la companyia espanyola Mediapro, que produeix l'última pel·lícula de Woody Allen, 'Vicky Cristina Barcelona', i que ha signat un contracte per finançar els tres pròxims treballs del particular cineasta novaiorquès, i es rodarà a Tokio, meitat en anglès i meitat en japonès.

Documentales que ponen al descubierto el tremendo flagelo de la pobreza

Sin que estos videos dejen de ser un elemento de reflexión para todos, sus contenidos pueden no implicar la aceptación por mi parte.

Documental producido por Javier Bardem en el que nos muestra 5 historias de gente olvidada e ignorada por el mundo desarrollado. Cada historia esta dirigida por un director diferente. Isabel Coixet dirige "Cartas a Nora", donde nos analiza el problema del mal de chagas en Sudamérica. Win Wenders dirige "Crímenes invisibles", donde nos descubre las violaciones sistemáticas sufridas por las mujeres de la República Democrática del Congo. Fernando León de Aranoa dirige "Buenas Noches, Ouma". Aquí, Aranoa da al descubierto los secuestros de niños en el norte de Uganda, los cuales son secuestrados para convertirse en niños soldados. Mariano Barroso dirige "El sueño de Bianca". La historia se inspira en la enfermedad del sueño, la cual se da en África y para la cual existe una cura pero que pocas veces llega a África. Javier Corcuera dirige "La voz de las piedras". Corcuera da a conocer el actual estado de los refugiados de la guerra colombiana, que continúa desde hace más de 50 años.

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Título original: Le cauchemar de Darwin (Darwin's Nightmare)
Nacionalidad: Francia
Genero: Documental/Naturaleza
Duración: 1h,46m
Director y Guionista: Hubert Sauper
Año: 2004
Productora: Coproducción Francia-Austria-Bélgica
En la década de los años 60, en el corazón de África, una nueva especie animal fue introducida en el Lago Victoria como un pequeño experimento científico. La perca del Nilo, resultó ser un voraz depredador que arrasó con todas las especies autóctonas de este gigantesco lago. El nuevo pez se multiplicó rápidamente, y hoy en día sus blancos filetes siguen siendo exportados alrededor del mundo. Enormes aviones de carga de la antigua Unión Soviética llegan diariamente para recoger los últimos cargamentos de pesca y, a cambio, descargan su mercancía… Kalashnikovs y munición para las innumerables guerras que tienen lugar en la parte central del continente. Esta explosiva industria multinacional de peces y armas ha creado una desoladora alianza globalizada a orillas del lago tropical más grande del mun-do: un ejército de pescadores locales, ejecutivos financieros internacionales, niños sin casa, ministros africanos, comisarios de la Unión Europea, prostitutas tanzanesas y pilotos rusos.

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Documental dirigido por Miguel Barros y coproducido por EL DESEO y PRODUCE+,que denuncia las injusticias en el reparto y explotación agrícola de la tierra cultivable en Brasil, y muestra como el Movimiento Sin Tierra está luchando para mejorar las condiciones de vida de millones de familias brasileñas marginadas en el campo y las ciudades.
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Los indígenas Barí resisten desde hace siglos en la zona limítrofe entre Colombia y Venezuela. Hoy en día su lucha continua desde su santuario de la Sierra de Perijá. Dirigido y escrito por Ángela Mimiaga. Con la participación de David Segarra, Thairon Martinez y la cooperativa Ecourbano.

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En la costa de Cautín, con 4000 paquetes se arma la carga. Pequeñas caravanas de carretas en un épico, sacrificado y lento intersectan el nervioso y veloz transcurso del asfalto moderno. Después de una semana de ventas pregonando el Cochayuyo por la ciudad, los hombres de la costa, consiguen el dinero para comprar otros víveres.

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El bautizado como 'campamento de la esperanza', montado en pleno paseo de la Castellana por los trabajadores de Sintel es el escenario de este documental, que muestra la cara más fea de la privatización: el paro, la calle, la cruenta lucha entre los intereses de los trabajadores y los intereses de los capitalistas. En vísperas de las elecciones de 1996, Cándido Velázquez, el entonces presidente de Telefónica, vende la filial Sintel al empresario cubano-estadounidense Jorge Mas Canosa por 4.900 millones de pesetas. Desde ese momento, la compañía comienza su caída. Cada vez más pérdidas y menos trabajo. A la vez, pero sin que se haga público, se produce una descapitalización de Sintel hacia paraísos fiscales. En 1999, estos empresarios deciden deshacerse de Sintel por 333 pesetas. La empresa se encontraba en suspensión de pagos, con sus trabajadores en huelga y enormes deudas. En esta situación los trabajadores ya no tenían nada que perder, y un grupo de ellos decide instalarse, como protesta y de forma provisional, frente al Ministerio de Ciencia y Tecnología, en pleno Paseo de la Castellana. Lo que empieza como un simple acto de protesta, va creciendo y creciendo hasta convertirse en un enorme campamento construido con lo que la gente de esa rica zona de Madrid va desechando. Más de 1.500 trabajadores —a los que después se unieron sus familias— ocupando en torno a un kilómetro del Paseo de la Castellana y pidiendo algo tan simple, obvio y humano como un trabajo, su trabajo, el que les habían robado. Pere Joan Ventura dirige este documental sobre un guión de la periodista Georgina Cisquella y del mismo director. Ventura consigue que nos convirtamos en uno más de los trabajadores de Sintel, que sintamos lo que sienten y que nos demos cuenta de que en cualquier momento puede pasarnos lo mismo que a ellos. Bajo la música de Manu Chao y del Reverendo se hilvana una historia triste, la lucha de un grupo de hombres, mujeres y niños, por un derecho fundamental: el trabajo.

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Elche es una ciudad de más de 200.000 habitantes sustentada económicamente en una industria que está siendo deslocalizada. En los dos últimos años, el paro ha aumentado un 52% y en 2004 la actividad industrial ha caído un 70%. “Sumergidos” centra su mirada en los trabajadores y trabajadoras, en sus condiciones de trabajo y en sus posibilidades de hacer frente a la situación. Muestra el fin de una industria y de una forma de producción, e intenta mostrar los problemas con los que conviven los trabajadores del sector, afrontando las paradojas del sistema, con discursos enfrentados y testimonios de primera mano. El cortometraje hace un recorrido por una industria basada en el clandestinaje y la economía sumergida.

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Tres historias protagonizadas por seres que viven en la espalda del mundo: unos niños peruanos que trabajan en una mina para subsistir, un kurdo exiliado en Estocolmo cuya mujer está encarcelada y un preso que permanece desde 1986 en el corredor de la muerte esperando su ejecución.

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"El crédito de los pobres" analiza la historia y el presente de ese fenómeno alternativo de préstamos, muchas veces inferiores a los 100 dólares, que las instituciones financieras ofrecen a personas emprendedoras para salir de la marginación. Los beneficiarios son ya millones de personas en los países más desfavorecidos.
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"Durante el rodaje comprobamos un viejo tópico: la realidad supera a la ficción. Y a veces es difícil traspasarla a la pantalla. En una semana vivimos tres dramáticas muertes infantiles en directo, pero sólo una está en la película. Suficiente para expresar la desesperación y la impotencia de la gente. Necesaria para señalar que la inmunización y la prevención de enfermedades, con higiene, medios económicos, mayor dotación de los hospitales, vacunas, medicamentos asequibles, sigue siendo un objetivo prioritario en el siglo XXI." Pere Joan Ventura

La vida efímera es uno de los cortos perteneciente al largometraje de ficción "En el mundo a cada rato." En esta obra el director barcelonés Pere Joan Ventura nos lleva conocer la vida de Vicenta, nacida de madre española y padre guineano, que regresa a Malabo, la ciudad que dejo cuando era niña para trabajar en el Hospital General. Ella no recuerda Guinea y a través de su trabajo cotidiano va descubriendo la verdad. Las enfermedades y plagas que azotan al continente africano. Este corto es uno de los más dramáticos de toda la película. El guión es de Georgina Cisquella.

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“Los niños todavía piensan que el mundo puede moverse por la risa y el juego. No utilizan el dinero. No saben usar la ambición para pisar al de al lado y no han instalado aún en su disco duro el concepto del odio y la destrucción. Los niños contagian inevitablemente su amor a la vida y su forma de mirar. Era fácil intuir que haciendo una película a medias con un buen puñado de ellos de una aldea perdida en el África subsahariana íbamos a aprender más nosotros que ellos. Pero nadie hubiera imaginado tanto. Ni tan hermoso. Ni tan útil. Ni tan imprescindible”. Javier Fesser

Binta y la gran idea del realizador español Javier Fresser es un cortometraje que es parte de la película En el mundo a cada rato . El corto se filmo en Senegal con la ayuda de UNICEF. Este cortometraje fue candidato al Oscar® como mejor cortometraje de ficción por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Binta tiene siete años, vive en una aldea al sur de Senegal y va al colegio. Su prima Soda no tiene la misma suerte; a ella no se le permite aprender las cosas que ignora de este mundo. Binta admira a su padre, un humilde pescador que, preocupado por el progreso de la humanidad, está empeñado en llevar a cabo algo que se le ha ocurrido.

Fuente: http://canaldocumental.blogspot.com/2008/04/binta-y-la-gran-idea.html

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El reportaje reconstruye el caso de Miwa, joven congoleño que sufre tetraplegia tras la brutal agresión recibida hace ocho meses por parte de un miembro de un grupo neonazi. El documento contará con los testimonios de Jesús Vázquez, Santiago Carrillo, Francine Gálvez, Joaquín Cortés, Pedro Zerolo y Samuel Etoo, personajes que en algunas ocasiones se han sentido discriminados por su condición ideológica, racial o sexual. El exhaustivo seguimiento del caso de un joven congoleño víctima del brutal ataque de un cabeza rapada constituirá el hilo conductor de 'Racismo: amenaza en la calle', reportaje de investigación que Telecinco emitirá esta noche, a partir de las 23:45 horas, y que ofrecerá imágenes y testimonios inéditos de los miembros de un grupo neonazi afincado en las inmediaciones de la zona de Barcelona en la que la pasada semana tuvo lugar la agresión a una joven ecuatoriana en el suburbano.

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El documental refleja: (i) La estrategia de la Revolución Bolivariana para llevar adelante un proceso de transformación por la vía pacifica. (ii) El nacimiento de una nueva constitución para cambiar las reglas del juego político y cómo el pueblo y los militares se abrazan a ella para revolucionar el país. (iii) El enfrentamiento entre una poderosa oligarquía que no quiere someterse a las nuevas reglas del juego y el desbordado río de pobres aferrados a su constitución y a su presidente que batallan para llevar adelante el justo proceso transformador. (iv) Destaca el papel de la prensa opositora en la conducción de la contra revolución y la lucha por controlar la industria petrolera.

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Este interesantísimo documental expone un enorme, gigantesco y preocupante problema que está hundiendo en la pobreza e incluso llevando al suicidio a una cantidad increíble de familias en Estados Unidos: las deudas de las tarjetas de crédito. Con total impunidad y completa libertad, los bancos buscan a estudiantes, enfermos, e incluso personas con problemas mentales para que sean sus clientes… Buscan a la persona que más probabilidades tiene de llegar a la bancarrota, porque según el documental, ese es el mayor beneficio de los bancos: las deudas millonarias que están obligados a pagar los morosos y que aumentan día a día… Esta situación beneficia enormemente a los bancos pues tienen derecho a embargar bienes, las casas, etc, que es realmente lo que persiguen, al tiempo que siguen presionando más y más a sus clientes para que paguen con intereses cada vez mayores. Y para lograrlo no dudan en hablar con los vecinos o incluso a los jefes para avergonzarles.

Título original: Les glaneurs et la glaneuse Director: Agnes Varda País: Francia Año: 2000 Frances con subtitulos en español.

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El documental muestra la realidad de muchos niños rusos sin hogar, en particular de un grupo que vive en la Estación de tren de Leningradsky en Moscú. De la mano de los realizadores Hanna Pollak y Andrej Celinski, nos adentramos en sus vidas, rutinas y sus sueños rotos. Niños que para sobrevivir tienen que mendigar, robar y prostituirse. El documental nos muestra la abrumadora crisis a la que se enfrenta Rusia, concretamente Moscú, por medio de los relatos de estos niños que viven en condiciones deplorables, y que a su vez en muchas ocasiones se enfrentan a la brutalidad policial y a la muerte, que de forma directa o indirecta se cruza en sus vidas. Aproximadamente hay 30.000 niños sin hogar en Moscú que duermen en escaleras, cubos de basura, estaciones del metro, entre las tuberías del suministro de agua caliente, en túneles subterráneos o en las alcantarillas. Que tienen que buscarse la vida como pueden y sobrevivir al duro invierno. Muchos de ellos huelen el pegamento para contener el hambre y escaparse del violento mundo que les rodea. Con todo, consideran que la vida en las calles es una alternativa mejor a la que ya han experimentado, incluso en sus hogares. Cada año 100.000 menores abandonan sus hogares para vivir en las calles de Moscú.

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A crise no Tibete me fez pensar sobre os saharauis, com quem tive contato anos atrás durante uma viagem ao Marrocos. Dando continuidade ao post anterior, gostaria de falar de um documentário chamado INVISIBLES, 2007, produzido pelo ator espanhol JAVIER BARDEM (sim, o gato, que ganhou o Oscar!) e os MÉDICOS SEM FRONTEIRAS.

Através do olhar dos diretores, Wim Wenders, Isabel Coixet, Fernando León, Mariano Barroso e Javier Corcuera, INVISIBLES conta a histórias de 5 crises esquecidas por todos nós, mas que nunca deixaram de existir: 2 enfermidades mudas e 3 conflitos armados, basicamente localizados na África e América do Sul.

Para saber mais: INVISIBLES

Fim de semana, a gente cai no Brasil, Tem Índio na Rede e Cinema no Deserto!

Laboratorio 987-sala de proyectos del MUSAC- presenta a partir de hoy, 13 de Marzo, su nueva programación, que se iniciará con un diálogo entre la obra de los artistas Iván Grubanov y Ángel de la Rubia, centrado en la reflexión sobre nuestro pasado más reciente, la huella de la memoria, la historia y las connotaciones políticas en la sociedad actual. Una vez más esta sala, anexa al resto de dependencias del museo y de programación independiente, vuelve a estar a cargo de Tania Pardo, responsable de programación y comisaria del espacio.

::MENTES-INQUIETAS::

"Leo con estupor en todos los periódicos la noticia de que Barbie ha roto con Ken y se ha echado en los brazos de un surfero de Santa Bárbara. El estupor no es porque la muñeca de cintura imposible prefiera un tipo de pelo descolorido y bermudas caídas al cursi de Ken, que seguramente saldrá del armario un día de éstos, sino por el rango de noticia y el espacio abrumador que le han dedicado: casi tanto como a los progresos en el idioma británico de nuestra futura reina e incluso más que a la nueva víctima de Jennifer López, el cadavérico Marc Anthony (al que le auguro un magro futuro). Según me han dicho varios barbiólogos (que los hay), parece ser que lo de Barbie es una estrategia publicitaria de Mattel para frenar el avance del fenómeno Bratz, las muñecas con la cabeza grande, cuerpo pequeño y labios enormes en los que no se ha escatimado perfilador (de hecho se parece un poquito a ET), que están arrasando y que empiezan a arrinconar a Barbie en el desván de la mediana edad y los juguetes rotos. De hecho, Barbie había sufrido una operación de reducción de pecho, destinada a normalizar, sin mucho éxito, sus proporciones. Barbie es el equivalente muñequil de Celine Dion (por favor, que no la dejen salir de Las Vegas, que ya la veo en el Fórum con Phil Collins), y las Bratz son modelo chupachup, cabeza grande y cuerpo minúsculo, como el de Christina Aguilera (aunque últimamente Christina Aguilera parece que quiera convertirse en una Bratz de carne y hueso, con más bien poca carne).

Bien mirad, no es sorprendente que una noticia así ocupe páginas en la prensa diaria. Después de todo, ¿Qué diferencia hay entre ese falso idilio y el fotomontaje de portadacon que nos obsequió hace unas semanas cierto periódico de Madrid que regala a sus lectores piezas del maletín de belleza de la señorita Pepis?"

A lo largo de los años, Barbie ha sido enfermera, pediatra, veterinaria, profesora, mamá, diseñadora de modas, dentista… Las Bratz no tienen de momento oficio ni beneficio (de hecho son las candidatas perfectas al jacuzzi de Gran Hermano o a la academia de UN paso adelante). Son meras portadoras de accesorios, desde sillas de peluche rosa hasta móviles forrados de piel de leopardo, sofás hinchables, zapatos de plataforma que harían las delicias de Fabio MacNamara, camas dalinianas con labios a lo Mae West a modo de cabezal… Son unas horteras de tomo y lomo, cuyo himno es precisamente Beautiful, de Christina Aguilera. Las puertas de los institutos están ahora llenas de niñas de 13 años con calentadores, plataformas y microfraldas.

El idilio de Barbie con un surfero, al que presumiblemente le dobla la edad, parece destinado a avivar el interés de las nuevas generaciones en ella. Es un idilio amañado, como los de Sara Montiel o Marujita Dïaz, el idilio a la desesperada de una muñeca perfecta pero madurita que ve cómo unas quinceañeras horterillas y cabezonas están a punto de desbancarla en el corazón de las niñas. No es un idilio imposible. Ahora podemos ver cómo Keanu Reeves (al que resulta difícil imaginar sin la sotana de Matrix, es como que le falta algo…) cae fascinado en los barzos de Diane Keaton en Cuando menos te lo esperas. Pero Diane Keaton y Barbie, aunque de la misma edad, son mundos aparte. Y finalmente Diane Keaton, como cualquier persona en su sano juicio, escoge a Jack Nicholson. Probablemente porque Keanu tiene un puntito de Ken. Más bien un puntazo.

Barbie contra Bratz. Por ISABEL COIXET
Dominical, 14 de marzo de 2004

"Yo odiaba a Barbie, fíjense. Tan rubia ella. Tan gringa. Cursi como la madre que la parió. Cada vez que la veía, pensaba que la peliteñida esa de cinturita de avispa y guardarropa era perfecta para tirarla en paracaídas sobre un campamento de chetniks serbios. El odio venía de antiguo. Cuando era jovenzuelo, figúrense, hace la tira, a mi hermana Marili le regalaron una Barbie por reyes, o por su comunión. Y recuerdo con desaforado odio mediterráneo a la repipi de mi hermana jugando a las casitas con aquella muñequitas escuchimizada que se parecía a las tías de los anuncios del Reader's Digest y alas que salían en las portadas de las novelas de Daphne du Maurier y Vicky Baum que leía mi tira Pura: Barbies Dulces Sueños, Barbie en el Lago de los Cisnes, Barbie y sus Animalitos Mimosos, etcétera. Para echar la pota. Yo aprovechaba cuando mi hermana estaba en el colegio para ahorcar a la muñeca en el hueco de la escalera; y al volver ella con la banda de alumna predilecta puesta se pegaba unas llanteras de órdago al ver a su muñeca girando en el vacío con un hilo bramante atado al cuello. Lo de mi otra hermana, Petunia, era más bonito si cabe; cada vez que se acercaba al moisés de su muñeco Tumbelino y lo destapaba, se lo encontraba apuñalado con un abrecartas de mi padre que tenía forma de daga moruna. Pero en fin. El capullo de Tumbelino no tiene nada que ver con esta historia. Odiaba a Barbie, insisto. Por su pinta y por lo que representaba, ese estúpido aspecto de superioridad étnica, de norteamericana impasible, de ejemplar madre de familia blanca, protestante y anglosajona, segura de que su nación confía en Dios y viceversa, con su pinta de Doris Day bulímica -sólo tolero a esa torda haciendo de señora de MacKenna en El hombre que sabía demasiado-, aséptica, pulquérrima, de sexualidad descafeinada del tipo tú a Boston y yo a California, un martín seco al volver el esposo del trabajo en la clínica -médico o arquitecto cualificado, por supuesto, con prestigio y viruta- y luego, figúrense: oichss, querido, cómo pretender que yo te haga eso. La puntita nada más.
Con esos antecedentes me senté el otro día a hojear el periódico junto a una niña que jugaba poniéndole vestiditos a una muñeca que al principio me pareció una Barbie, pero luego comprobé que no lo era. Más bien tenía pinta de putón verbenero. La muñeca. Así que le pregunté a la tierna infanta cómo se llamaba su pavita. "Bratz", dijo, mirándome con mucha desconfianza y mala leche. Al principio pensé que la niña eructaba o me estaba insultando, pero luego deduje que no. A ver si la criatura es hija de inmigrantes, me dije, y todavía no chamulla bien la lengua fascista del Imperio, o sea, esta jerga infame que se inventó Franco. Así que fui a preguntarle a mi hija, que no tiene edad de muñecas pero se infla a ver la tele, como todos los de su quinta. Y despejé la incógnita. Bratz, me dijo, es el nombre de la rival de Barbie. Que no te enteras, papi.

Picadísimo por mi ignorancia, me puse a investigar. Y resulta que la Bratz esa, como la Santísima Trinidad, es una pero en realidad son tres: Cloe, Dana, Jade, con dos amigos que se llaman Dylan y Eitan. Por lo visto son unas pájaras de aquí te espero: cabezonas, de ojos grandes, con curvas sinuosas, que se visten bajunas y apretadas, en plan Gran Hermano, o sea, vil gallofa. Dicen todo el tiempo genial, buen rollito, oye tía, kedamos y wapa, no le hacen ascos a nada, y claro, arrasan. Ellas son las culpables de que a la pobre Barbie de toda la vida le haya venido una depresión espantosa, agravada por el hecho de que su hija Nelly creció, cambió su nombre por el de Myscene, y le ha salido un poquito puta, tal vez por la mala influencia de sus amigas íntimas Madison, Chelsea y Nolee, que a su vez se lo hacen con Ellis, River y Brian, unos chicos modernos amigos suyos. En cuanto a Barbie, para más drama, el novio aquel que tenía, Kent, le salió más maricón que un palomo cojo. Así que ella se lió con un muñeco australiano y cachas, cambió de vida, ahora se hace llamar Flava y ya nos e viste de Laura Ashley, sino de rapera estilo Madonna; y a sus cuarenta y tres tacos -que ya es tener poca vergüenza- ha decidido, al fin, practicar sexo oral. O sea, que se arrastra por el fango. Imagínense. Quién me iba a decir que un día echaría de menos a aquella Barbie de mi juventud: tan recatada, tan pulcra, tan honesta. Que era una calientapollas, sí. Pero oigan. También era una señora".

"Barbie era una señora”
Por ARTURO PÉREZ-REVERTE
El Semanal, 21 de marzo de 2004

En Hechizos: Un artículo con cojones.

PARIS JE T'AIME is a compendium film of shorts directed by various international film industry luminaries, on a theme made explicit by the title. If I describe it as a mixed bag, I won't really be saying anything at all -- these things are ALWAYS mixed.

For some reason they're generally kind of nice though, even if the weak segments outnumber the good. You have the pleasure of knowing that however bad the current bit is, something if not better, at least DIFFERENT will be along soon.

I sort-of enjoyed the typically pointless Coen bros episode with Steve Buscemi committing the fatal error of establishing eye contact in the Tuileries, the Alfonso Cuaron long-take exercise with an extravagantly shambling Nick Nolte, the Gus Van Sant meet-cute (is acceptable to simply recycle romcom cliches only with gay characters? Anyhow it was very nicely directed), the Nobuhiro Suwa yarn with Willem Dafoe as a phantom cowboy in the Place de la Victoires, the usual sort-of aimless but inexplicably compelling Olivier Assayas, and the Richard LaGravanese, which like many of the films was content to rely ENTIRELY on star power rather than actual ideas, but knew how to use its stars (and Fanny Ardant speaking English is a SENSATION! Bob Hoskins speaking French is...weird, but sweet, somehow).

The above segments passed the time, but seemed woefully un