Careto original del Autor of Blog

Monotone Symphony Performance- Yves Klein

A los dieciséis años, mi mejor amiga ingresó en la Escuela de Bellas Artes. Yo habría dado cualquier cosa por estar en su piel, por tener su facilidad innata para el dibujo, pero ella estaba asustada. Se rumoreaba entonces que la novatada de moda en Bellas Artes consistía en obligar a los nuevos alumnos a cubrir su cuerpo con pintura, y encerrarles por parejas en una habitación oscura donde tenían que mezclar los colores en su piel. No sé si mi amiga fue víctima de la novatada. Dejó los estudios en segundo, y creo que no ha vuelto a tocar un pincel. Yo, en cambio, no he dejado de merodear por lugares que olían a pintura, y no sé pintar. Como público, soy agradecida, fácil de enganchar. Me interesa todo. No hace falta que los cuadros cuenten historias, me quedo embobada con cualquier cosa. Me gusta la materia con la que se fabrica el arte, adoro los colores puros. Soulages y Rothko, y sobre todo Klein, me dan envidia. Fabrican materia para los sueños, espacios para meditar. No soy celosa de su éxito, no aspiro a pintar sus cuadros, sólo me habría gustado ser ellos, tener su libertad, poder cubrir superficies limpias de manchas azules, observar, oler y volver a empezar. Hay que ser artista para hacer estas cosas. No hay nadie que me lo impida, pero soy incapaz de llevarme el azul de Klein y ponerme a pintar como si supiera.

Supongo que la famosa novatada de Bellas Artes fue inspirada en los happenings de Yves Klein, que utilizaba modelos desnudos como pinceles, extendiendo pintura azul en su piel para manchar el lienzo. Un cuerpo frotado contra la tela produce formas casi abstractas. Lo que el público intuye, aunque no haya presenciado la elaboración de la obra, el tacto de la piel deslizándose en el lienzo, es lo que emociona. Aparte de la belleza estética del resultado, como en toda obra de arte, el valor no está en el objeto sino en lo que evoca. Por eso debemos callar. Los amantes del arte somos miembros de una secta silenciosa. La punta de los dedos manchados de azul nos identifica. Hacemos fotos clandestinas en los museos, tomamos apuntes cuando Rothko nos emociona, robamos pigmento azul en las exposiciones de Klein, material altamente reservado, lo llaman IKB=PB29=CI77007 (International Klein Blue).

Sophie Picot

Archivo de Yves Klein

Yves Klein: Le saut dans le vide (1960) Performance. Rue Gentil-Bernard, Fontenay-aux-Roses. Fotografía: Harry Shrunk

Un hombre se impulsa desde un tejado hacia el cielo mientras un ciclista pasa a su altura sin inmutarse. En la majestuidad del salto se intuye una actitud confiada ante el vértigo dominante. Viste traje de época y el empedrado no aparenta señal de truco ante el desenlace. El ángulo de impulso delata un conocimiento del juego acrobático. Incluso una rutina, un número circense exento de atención callejera. La cornisa aún tiene la huella de los zapatos por lo que se duda, una vez más, de la veracidad de la imagen. Tal vez sea sólo un acto de ilusionismo o estemos ante un fraude. El suicidio queda descartado pues no mira al suelo sino a las nubes. Está perfectamente entrenado. La  técnica oriental de un samurai que reta paredes en su lucha. El saltador es Yves Klein, un judoka formado en el instituto Kodakan, el más prestigioso de Japón. El maestro ha obtenido el cuarto dan y ha regresado a Francia para encontrarse con el rechazo de la profesión. Klein, ave humana, encuentra fisuras en  la presión de la gravedad. Lanza 1001 globos azules para celebrar el triunfo de este color. Se obsesiona con reinventarlo. Sobre el tatami, en cuerpos prestados o suspendido en el viento. Revolucionando tonos, dándole una textura hipnótica para el espectador que le cree levitar.

José Ramón Huidobro

La Reina Victoria llegó al trono en 1837, y reinó durante 63 años. Su reinado ocupó el periodo conocido como Época Victoriana, llamado así en su honor; esta época es inmediatamente posterior a la Regencia y anterior al periodo Eduardiano. Durante su reinado Gran Bretaña experimentó grandes cambios que afectaron a todas las esferas de la sociedad:  política,  economía,  cultura, ciencia y a la sociedad en general.

Globalmente, el Imperio Británico se convirtió en el gobierno más poderoso, tanto a nivel político como económico, pues casi un cuarto de la población mundial estaba bajo el dominio británico.

Esta nueva expansión del Imperio se debió principalmente a la Revolución Industrial, con una floreciente industria del carbón, el hierro, el acero y el textil. A todo ello contribuyeron  nuevos inventos como la máquina de vapor, la nueva maquinaria textil – máquinas como la hiladora multi-bobina, más conocida como Spinning Jenny, facilitaron el incremento de la producción – y, posteriormente, la llegada de la electricidad. El campo experimentó grandes cambios, debido a que los métodos de cultivo y las herramientas empleadas para la cosecha y recogida, se modernizaron.

Pero si algo cambió el paisaje inglés y causó un gran impacto en el mundo victoriano fue la llegada de los  medios de transporte de masas, sobre todo el ferrocarril, que unió los diferentes puntos del país, transportando pasajeros y haciendo posibles las migraciones del campo a la ciudad y dinamizando el comercio con el transporte de mercancías.

Paralelamente al esplendor del reinado de la Reina Victoria, Gran bretaña se vio sumida en un periodo de profundos cambios sociales: la aparición de la industria trajo consigo un aumento de trabajadores que se desplazaban del campo a la ciudad; las clases más desfavorecidas del mundo rural, buscaban una oportunidad de empleo en las fábricas para mejorar sus vidas. Pero aunque las empresas ofrecían trabajo, las condiciones laborales eran deplorables: sueldos muy bajos, lugares de trabajo peligrosos – eran comunes los accidentes, las quemaduras y la inhalaciones de gases y otras sustancias tóxicas que causaban graves enfermedades e incluso la muerte. El trabajo infantil era común – de hecho representaba el 25 por ciento de la población laboral activa. En 1844 un Acta prohibió que los niños de 9 a 13 años trabajaran más de 6,5 horas al día, y  las mujeres y los jóvenes de 13 a 18,  no más de 12 horas diarias.

En las ciudades industriales aparecieron casas construidas para los trabajadores de las fábricas, baratas e insalubres, donde las  familias, habitualmente muy numerosas, vivían hacinadas en una habitación. Esto, unido a las infames condiciones laborales, trajo consigo una lucha por conseguir reformas sociales, que promulgasen los derechos de los trabajadores, una mejora de las condiciones de vida, educación, y participación en política. Los obreros canalizaron sus protestas a través de la creación de asociaciones de obreros, los Trade Unions, que buscaban mediante medidas de presión , como las huelgas, conseguir mejoras laborales.

Y en medio de todo ello, el mundo de las letras y de la ciencia emerge con algunos de los nombres más grandes que ha dado la la historia inglesa.

LA CASA VICTORIANA: ARRIBA Y ABAJO

Para los Victorianos la familia era el eje central de sus vidas, y el hogar, el lugar idílico donde cuidarla. El modelo familiar de esta clase media y alta era la propia Reina Victoria y su amado esposo Alberto. El matrimonio real y sus 9 hijos eran el espejo en el que las familias británicas se miraban: un hogar pacífico, amoroso y respetable. En el  rol familiar el padre era el encargado de mantener a la familia, y sus decisiones eran incuestionables. El papel de la mujer era el de ser buena esposa y madre – de hecho hasta 1882 una mujer casada era propiedad de su esposo; la mujer era como decía el poeta “el ángel del hogar”. Un libro de referencia para todas ellas era Mrs Beeton’s Book Household Management, escrito por Elizabeth Beeton donde la autora daba consejos para convertir a la mujer en una perfecta ama de casa y anfitriona – sus libros llegaron a vender dos millones de copias. (Puedes obtener una copia de su libro en e-book en el catálogo del Project Gutemberg en el siguiente link http://www.gutenberg.org/etext/10136)

Las familias eran, frecuentemente, numerosas y los niños eran criados con reglas estrictas, donde la obediencia era parte esencial de su educación. La vida de los niños se desarrollaba en las habitaciones de juegos o nurseries, donde las niñeras o nannies se ocupaban de sus lecciones , juegos y comidas.

La visita dominical a la iglesia y las veladas cantando alrededor del piano – todas las jóvenes eran instruidas en piano y canto – , jugando a las cartas, o haciendo labores mientras el padre leía en voz alta pasajes de la Biblia, eran parte de la vida cotidiana de la familia victoriana.

Los sirvientes vivían en la planta baja. El número de sirvientes en una casa dependía de la capacidad económica de la familia. Las familias de clase alta contrataban a un gran número de sirvientes; cada uno de ellos usaba un uniforme diferente según su trabajo y su rango dentro del staff de los sirvientes. Todos ellos se reunían en el hall habilitado para ellos.

LA CLASE TRABAJADORA

Evidentemente, la vida de la clase trabajadora era más dura, y su principal ocupación en la vida era la supervivencia. En una familia de clase baja trabajaban habitualmente todos los miembros. Los niños desarrollaban múltiples trabajos, algunos muy peligrosos y de extraordinaria dureza. Las mujeres, cuyos salarios eran menores a los de los hombres, trabajaban como sirvientas, costureras o en la industria textil; incluso hubo mujeres que trabajaban en las minas, aunque la rígida moral victoriana consideraba que no era un trabajo propio de mujeres, no por los riesgos que entrañaba, sino porque creían que la cercanía de hombres y mujeres en un espacio reducido no era moralmente aceptable. Aquellas mujeres que habían tenido la suerte de haber tenido acceso a una preparación cultural, podían trabajar como maestras o como nannies instruyendo a los hijos de las familias ricas.

Charles Dickens denunció en gran parte de su obra, las condiciones en las que vivía la clase trabajadora, la dureza de la vida en las insalubres casas de obreros, la explotación a la que eran sometidos por las empresas, y el trabajo infantil, poniendo en evidencia la supuesta rigidez a la vez que la hipocresía de la moral victoriana.

“Every time it rains it rains
Pennies from heaven.
Don’t you know each cloud contains
Pennies from heaven.”

Pennies from heaven (Dinero caído del cielo)

Director: Herbert Ross

Año: 1981

País: Estados Unidos

107 min.

Fotografía: Gordon Willis

Música: Marvin Hamlisch

Guión: Dennis Potter

Reparto: Steve Martin, Christopher Walken, Bernadette Peters, Jessica Harper, John McMartin, Vernel Bagneris

Una joya oculta del cine musical (¿?), debida más al descomunal y excéntrico talento de su creador y guionista Dennis Potter, que apareció en los albores de la creación de este sitio con su fundamental obra maestra de la arquitectura narrativa “The Singing Detective”, más que al limitado talento de Herbert Ross. Un director artesanal y aplicado sin mayores aportaciones ni personalidad, aunque con otro título merecedor de rescate, aunque solo sea por su descabellada premisa: “Elemental Doctor Freud,1976” donde se especulaba con un encuentro entre Freud y Holmes con el objeto de tratar la adicción de este (la solución al 7% del título original), un trabajo que adaptaba una exitosa novela del también director Nicholas Meyer (autor de ese simpático pastiche que es “Los pasajeros del tiempo”, con H.G.Wells persiguiendo a Jack el Destripador hasta el presente). Aunque hay que reconocer  que Ross da lo mejor de si mismo con una dirección elegante e intermitentemente ingeniosa (el cambio de decorado sin solución de continuidad en el maravilloso número titular, mostrando cruda y estilizadamente al carácter ensoñado y artificioso de todo el invento de una manera aplastantemente sencilla. Muy de inspiración Bob Fosse, incluso en el físico del actor y en la coreografía. De hecho no sería descabellado que la misma existencia de este film, es decir que alguien decidiera su financiación no tuviera tanto que ver con lo que Potter hubiese llamado la atención, como con el éxito de “All that Jazz” en el 79, buscando así seguir la vía del musical adulto y post-moderno),tanto en los brillantes números musicales como en la desoladora sordidez del retrato de la América de la depresión, un cambio con respecto a la Inglaterra de post-guerra de la serie original que beneficia al conjunto y enriquece sustancialmente los referentes.

Aun así estos aciertos estéticos y atmosféricos se deben casi por igual a la extraordinaria fotografía de Gordon Willis (operador de “El Padrino”, por cierto) que reproduce tanto la luz y la tristeza de los cuadros de Hopper (citados explícitamente en varias composiciones que remite a trabajo míticos como “Nighthawks” o “New York Movie”, este usado también por Scorsese en un memorable número musical con Liza Minelli en “New Yor, New York” un título a reivindicar con no pocos paralelismos con este “Pennies from heaven”) como la chispa y la picardía de los musicales de los 30 (antológico el de un lascivo Christopher Walken) con la reproducción entre irónica y fetichista de los números típicos de Busby Bekeley (el del banco es el ejemplo más mimético) e incluso lograr fusionar ambos en un memorable final, un final en el que la magia del cine, el poder de lo imposible termina por imponerse como un estadio mental superior que permita, sencillamente, sobrevivir.

Pero en el mundo de Dennis Potter nada es tan fácil, ni nada está tan claro, así que incluso ese final rompecorazones tiene trampa y cartón, porque no debemos olvidar que todo es ficción, lo fantaseado y lo otro.

Así que lo que tenemos es una historia desesperada, seca y demoledora (un vendedor de canciones en crisis matrimonial se enamora de una maestrilla, formidable Bernadette Peters con sus ojos de cervatilla, a la que abandonará. Al tiempo es perseguido sin saberlo por la violación y asesinato de una joven ciega, en realidad asesinada por un vagabundo al que había ayudado anteriormente) sublimada a través de ensoñaciones escapistas con forma de comedia musical (atención, los personajes no cantan sino que realizan “playbacks” sobre los cantantes de la época), en un dispositivo que Lars Von Trier hereda en “Bailando en la oscuridad” (hasta el punto de parecer casi un “remake”, cuanto menos uno espiritual) pero que aquí se lleva mucho más lejos, haciendo que los personajes incluyan en medio de sus diálogos estos arrebatos cantarines, que funcionan por igual como fugas mentales y descolocantes comentarios irónicos que chocan, en la mayoría de los casos, brutalmente con lo que se está narrando (insuperable la escena “post-coitum” de Martin y un fabulosa Jessica Harper como su pasivo-agresiva esposa) o que en una fantástica (literal y figuradamente) escena se conviertan en Ginger y Fred protagonizando la misma película que están viendo.

Todo ello amalgamado por las obsesiones habituales de Potter, desde las personales (la frustración sexual, la penuria vital y material, la construcción/búsqueda de la identidad) hasta las “profesionales” (la deconstrucción-utilización del imaginario popular desde una óptica ambigua que comprende por igual la ternura nostálgica y la lucidez lacerante, la reflexión sobre el impacto de esta cultura popular sobre las mentalidades e incluso los sueños, los mecanismos del relato y de la ficción misma o la ilusión que esta provoca, tanto sobre el espectador como sobre el propio autor), un “corpus” abrumadoramente complejo que el autor inglés siempre lograba plasmar con la  facilidad de los genios. Sin que sirva de precedente, como se suele decir, Potter , con la ayuda de Ross que tiene el buen gusto de no desperdiciar, ni vulgarizar un material de semejante potencia(lo cual explicaría su rotundo fracaso económico), supera cinematográficamente su “Pennies from heaven” televisivo de 1978, en virtud de una estética mucho más vigorosa, del rico “backgroud” que por si solo convoca el traslado de la acción a América, de una trama que gana al estar más comprimida o de que, por supuesto, el cine suponga el lugar insuperable para una película que habla sobre vivir en las películas.

Esto no quiere decir que la serie sea desdeñable, es más me imagino que el impacto que un trabajo de estas características causaría en el público inglés de la época, no hay que dudar de que aquello era, literalmente, “lo nunca visto”. Pero Potter no solo tenía aquí mas medios, también era mejor escritor, y aunque su arte funcione en todo su esplendor metalingüistico y en toda su maravilla narrativa en el medio televisivo, esta es una pieza superior, algo que no ocurrió con la adaptación de “El Detective Cantante”, básicamente porque incurría en un error de base: el original estaba hecho para la televisión, no en televisión, “para” la televisión. Es decir con el objetivo de explotar todas las posibilidades expresivas y narrativas de un medio.

Más allá de estas disquisiciones teóricas, un gran film prácticamente olvidado e invisible, de una densidad inabarcable (en algunos aspectos esto era lo que intentaba Coppola en “Cotton Club”, pero no le salio) y que se redondea con colosales actuaciones/actores que comprenden y ejecutan a la perfección la dificultad interna de todo el invento: combinar los dos registros que se manejan constantemente incluso en un mismo plano. Una especial mención para un Steve Martin estremecedor, cualquiera que haya visto la película no podrá olvidar su interpretación final de “Pennies from heaven”, la única vez que un personaje canta con su voz, el momento en el que la magia se esfuma convirtiéndose en la tristeza infinita, lograda con una tonta canción alegre y una voz rompiéndose. Aunque, bueno…no del todo, nunca del todo. Porque sino, ¿quién querría ver las películas?

Esta noche, paso a paso, hasta terminar trompa!

Dik F. Liu

Según cuenta la leyenda, un día del año 1410, en la ciudad de Brujas, un joven pintor de veinte años, llamado Jan Van Eyck (1390-1441), puso a secar un cuadro al sol, pintado al temple y tratado con aceites. A los dos días, cuando fue a ver el cuadro para comprobar la marcha del secado, comprobó que la pintura se había cuarteado. Desde aquel día Van Eyck no cejó en buscar un aceite que secara a la sombra.

Después de probar con aceites y resinas de todas clases, encontró que mezclando una pequeña parte de “barniz blanco de Brujas” con aceite de linaza, obtenía una mezcla que permitía secar las pinturas a la sombra sin dificultad. El pintor empezó entonces a pintar con barniz blanco de Brujas y aceite de linaza, aglutinando con ellos las mismas tierras de colores que usaba para pintar al temple, comprobando así que los colores respondían mejor y que mientras secaban, el pintor podía rectificar o repintar sin que se diluyeran los colores anteriores. Jan Van Eyck había descubierto entonces el mejor medio para pintar, la pintura al óleo.

Casi todas las grandes obras están pintadas sobre lienzo, que será el soporte más utilizado para este medio. El lienzo aparecerá tensado sobre un bastidor, lo que hace que posea una receptividad única a la pintura y a la pincelada. Convenientemente usada la pintura al óleo, cambia muy poco de color durante el secado, aunque a largo plazo tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas y la lentitud del secado permite retirar pintura y repasar zonas enteras.
Una técnica importante dentro de la pintura al óleo será la veladura, que aparece como una capa transparente aplicada con el pincel sobre una zona del cuadro, con el fin de pintar un color o de modificar un color ya pintado. La veladura está constituida por pintura al óleo diluida en aceite de linaza y esencia de trementina. La técnica de aplicación es semejante a la acuarela, consistente en aplicar sucesivas capas de color hasta lograr el matiz deseado, pero con una diferencia importante; mientras el buen acuarelista intenta conseguir el color con sólo la primera capa, el pintor al óleo de veladuras, ha de llegar al color deseado, mediante varias capas o veladuras, para conseguir así la transparencia, luminosidad y riqueza de color propias de esta técnica.

Discípulos de Van Eyck como Antonello de Messina (1430-79) extendió el uso del óleo a Italia y sobre todo a Venecia. La humedad reinante en esta ciudad dificultaba la pintura de frescos y los pintores venecianos recibieron con agrado la oportunidad que el óleo les ofrecía. A causa de su flexibilidad el óleo se prestaba perfectamente a la pintura sobre lienzo; podría pintarse un cuadro de gran tamaño en el estudio y transportarlo enrollado hasta su destino.

Los venecianos, entre los que se encuentra Tiziano (1490-1576), sentaron las bases de la pintura al óleo. El siguiente paso importante lo dará Rubens (1577-1640) cuya obra despliega todas las posibilidades técnicas del óleo. Rubens influyó directamente en Velázquez (1599-1660), a quien conoció en Madrid y también sin duda sobre el más grande de los técnicos, Rembrandt (1606-69). Por supuesto cada maestro desarrolló e implantó sus propias variaciones de técnica. Tanto si el proceso de capas sucesivas era sencillo como si era complicado, ellos aplicaban cada capa con gran vitalidad y con las menos correcciones posibles.

Podemos hablar de diferentes técnicas de pintura al óleo. A un nivel básico existen dos tipos de pinturas al óleo: las obras cuidadosamente concebidas que se elaboran trabajosa y lentamente con muchas capas sucesivas de pintura, y la pintura directa o alla prima, que suele terminar en una sola sesión utilizando colores opacos que oscurecen los que se encuentran por debajo. Casi todos los pintores de paisaje pintan alla prima. Los estudios de paisaje de Constable (1776-1837) muestran las ventajas de esta técnica. La pintura aparece excitante, es aplicada libremente y a menudo la frescura del color expresa mejor el momento que muchas de las obras de estudio más trabajadas.

La pintura al óleo, que ya en el siglo XVIII se preparaba y se vendía comercialmente, convenientemente contenida en vejigas de piel animal, siguió progresando, tanto en su empleo como en su proceso de fabricación, durante el siglo XIX.

La creciente demanda de obras que surgió con la Revolución Industrial, se vio satisfecha en gran medida por un tipo de pintura de salón que seguía formas degradadas del método tradicional. Ahora se trataba de pintar no simplemente mejor que los otros artistas, sino de forma diferente.

Con la llegada del Impresionismo, la pincelada se hizo sólida y de color opaco, con modulaciones de opacidad y transparencia, restregados y veladuras. Era éste un método que respondía a las necesidades artísticas de un movimiento que había nacido en la libertad que da la oscuridad. Pintores como Monet (1840-1926), o Cézanne (1839-1906), fueron despreciados en un principio como embadurnadores incompetentes.

El único error de estas pinturas y las de pintores post-impresionistas como Vincent Van Gogh (1853-90) y Paul Gauguin (1848-1903), era que la fuerte carga de pintura sobre el lienzo, hacía que sus obras sufrieran un deterioro más acelerado. Riesgos inherentes a la experimentación e innovación que estos y otros autores llevaron a cabo. El movimiento Expresionista había producido artistas que sumergían sus ideas en una feroz aglomeración de pintura, superando con mucho los empastes de Van Gogh. Paralelamente se han dado casos de pintores que trabajaban con mucha meticulosidad en superficies de pintura muy finas como Salvador Dalí (1904-1989).

Hoy en día, las variedades de pigmentos al óleo han aumentado considerablemente, debido en parte a la proliferación de tintes de fabricación química. El funcionamiento de los pigmentos comerciales actuales es bastante consistente y por lo tanto predecible. En la actualidad se pueden tomar ciertas libertades técnicas que en otro tiempo hubieran sido cuando menos, imprudentes. Y aunque suela criticarse a los pintores de óleos contemporáneos por ello, no existe ninguna razón por la que dichos óleos ejecutados con sentido común, no puedan sobrevivir tanto como los de Van Eyck. Sin embargo, algunos restauradores de museos tienen ya problemas con algunas de las obras pictóricas contemporáneas en la que la técnica pura no se tuvo demasiado en cuenta.

Fuente: mundoarte.portalmundos.com/

True History

Anna ejercía la medicina en un centro privado, a diferencia de Nuria, quien lo hacía en un hospital público. Ambas hermanas se sentían parte de una generación progresista y moderna. Sin embargo, ambas sufrían de problemas a nivel  personal. La primera no podía tener hijos con su pareja, la segunda no podía tener pareja a causa de su carácter colérico y la extraordinaria facilidad para faltar a la verdad.

Anna llevaba varios años inscrita en una Fundación dedicada a la adopción de niños caribeños cuando, guiada por un impulso, decidió realizar un viaje a Haití con el firme propósito de optimizar los permisos oficiales y regresar a España con una criatura bajo el brazo. Acompañada por Nuria, las hermanas se ausentaron de sus respectivos puestos laborables durante el tiempo necesario para consumar la operación. Ninguna tuvo el mínimo problema para ello; sus despachos serían respetados y sus vacantes justificadas.

Los niños nacidos en Haití representan el 70% de una población de 8 millones de habitantes, víctimas del analfabetismo, la explotación y las más altas cifras de mortalidad. Los datos cantan por si solos: el 10% morirá antes de la adolescencia.

Los pequeños sufren a menudo abusos sexuales, emocionales, físicos y letales por parte de los adultos. Sólo un 55% de los niños en edad escolar acude a las clases.

En el 2004, acaeció una grave crisis en el gobierno de Jean-Bertrand Aristide, apoyada con episodios violentos que culminaron con la ocupación de Haití por parte de los Cascos Azules. La ONU tiene a 8.000 soldados desplazados para garantizar la estabilidad del país aunque, entre todo el elenco de delitos, se producen 250 secuestros de niños al año. Haití es uno de los cinco países más peligrosos del globo.

Las hermanas aterrizaron sin problemas en el Aeropuerto Internacional de Port-au-Prince. Anna contaba con ciertos números de teléfono facilitados por un contacto de la embajada haitiana en España.

En la Ciudad del Sol los niños juegan con osos de peluche ataviados con chalecos antibalas, con ruedas de neumáticos y con mareantes colas de impacto. Niños que se ríen del miedo que sienten los extranjeros. Agrupados en corros alrededor de hogueras a lo largo y ancho de las calles, apostados entre individuos que caminan sin rumbo, entre Soldados Azules de la ONU y la declarada prostitución infantil. Una oferta de niñas y niños a precios de saldo.

François vive con sus padres y sus seis hermanos en Martissant, un suburbio de la capital caracterizado por la violencia y la falta de instalaciones básicas. François, a sus seis primaveras, es ya un chiquillo espabilado que se siente muy querido y protegido por su familia.

Su papá es panadero, trabaja diez horas diarias a cambio de un billete de 50 gourdes al mes, los dos hijos mayores se buscan la vida lustrando zapatos en la capital. El resto de la familia, sobrevive vendiendo baratijas en las ferias, y cuando pintan bastos, limosnando la comida en los comedores públicos de una ONG.

Un taxi llevó a las hermanas a la dirección donde suponían realizaban los trámites para las adopciones legales. Una de las monitoras sociales les explicó la dificultad para cooperar con las instituciones relacionadas, puesto que el ejército había tomado las calles y las crecientes sospechas de una revuelta armada estaba más que justificada.

Un mulato que escuchó la conversación desde la sala de espera, las siguió al salir, reclamando su atención una vez fuera del edificio.

- ¿Buscan un niño? ¿Un niño sin padres? – Les preguntó sin darles tiempo a reaccionar. – ¿Han venido para una adopción? – Se expresó en francés.

En un principio Anna y Nuria mostraron sus reservas, recordando las advertencias sobre el alto índice de criminalidad del país.

- No miedo – Insistió el mulato con una amplia sonrisa, gafas de sol y una gorra con las iniciales NY. Bien vestido, aseado y educado, mostró su perfil más civilizado.

Ignorando las frágiles negativas de las europeas, Jimmy, que así dijo llamarse, las advirtió de la precaria situación del país y en consecuencia de un probable enfrentamiento con los rebeldes.

La posibilidad de perder la oportunidad después de haber hecho un viaje tan largo las descorazonó, en cambio subir al avión con el niño en unas pocas horas excitó los ánimos de las hermanas, desvinculándolas de sus principios europeos.

El atractivo mulato las persuadió para que lo siguieran. En menos de media hora se encontraron en una taberna regentada por una obesa y negra dominicana. Las invitaron a pasar a una sala de te y las invitaron a acomodarse mientras Jimmy se ocupaba de las gestiones. En derredor se urdía una trama clandestina de personas yendo y viniendo. Las hermanas españolas observaban con recelo a través del borde de las cortinas con cierto temor a la agitación exterior. De algún modo todos allí sabían quien las había traído y nadie osó ofrecerles siquiera un gesto de hospitalidad. La sala donde se encontraban era precaria, con una mesita redonda en el centro de una alfombra de preciosos matices y cojines arrumbados a las paredes adornadas con pósters de Bin Laden, Bob Marley y el Che.

François imaginaba que construía ciudades para los niños pobres sirviéndose de unas latas abolladas y algunas piedras. Jugaba junto al surco seco que bordeaba su casa de adobe, desde allí oía cantar a mamá. Era un crío bueno y educado, siempre dispuesto a obedecer a sus mayores, a quienes quería muchísimo.

Jimmy entró como un torbellino. Sentándose frente a las hermanas, alzó un brazo hacia la enorme hostelera y pidió te para tres. Ante la exaltación de las mujeres, el mulato se quitó las gafas oscuras y les aconsejó paciencia y reflexión minutos antes de pedirles los 3000 dólares.

Fue una decisión no exenta de polémica, las hermanas permanecieron en el mismo lugar durante horas, con la conciencia recomida por haber aceptado el trato, dando por perdido el dinero y sintiéndose víctimas estúpidas de la estafa.

Cuando el mulato regresó con un pequeño de la mano, guapo y bien plantado, Anna sintió el mundo a sus pies. Al fin vería su sueño cumplido, a cambio aquel niño recibiría cariño y afecto, una buena educación y oportunidades para triunfar en la vida.

Con el niño bien agarrado, Jimmy les reclamó 200 dólares aludiendo su comisión comercial, pensando probablemente cuánto les hubiera podido sacar de más. Otros 50 pavos por conseguirles el taxi que las llevara al aeropuerto.

Aquella noche, los desesperados papás de François recorrieron el vecindario en busca del pequeño. Espantados por el riesgo del secuestro, los hermanos mayores gritaron su nombre por senderos y callejas, al amanecer el padre recurrió a las autoridades mientras la madre padecía una crisis de ansiedad.

Mientras,  por encima de sus cabezas, un avión levantaba el vuelo con dirección al Aeropuerto Internacional de Miami, donde Anna Y Nuria realizarían el trasbordo que les transportaría a España con un nuevo miembro en la familia.

Este relato está basado en una historia real. Lo único ficticio son los nombres de los protagonistas que orquestaron el secuestro.

En proceso.

"Norostro", 1990, esta obra de grandes dimensiones envolvía otra que Enrique regaló a Cesariny

"El paseo de Aurelio". Verano del 91, Cimadevilla, Gijón

Como presentación de las obras de este primer mes de 2010 voy a copiar las palabras que escribí sobre nuestro amigo Enrique Carlón, en octubre de 2008:

http://floredo.wordpress.com/2008/10/14/enrique-carlon/

“Siempre tengo que comenzar las reseñas de nuestras amistades, reconociendo que inicialmente Aranda ya había tenido contacto con ellos o los conocía, en alguna carta suya hace referencia al grupo Kula.

Nosotros contactamos con Carlón en 1991 tras nuestro primer viaje a Lisboa. Habíamos ido a visitar a Cruceiro y Cesariny y la vuelta nos acompañó Cesariny.

Con éste, salimos el 12 de Mayo hacia Gijón, Mario quería presentarnos a un pintor de allí, Carlón con quien también entablamos amistad que hemos mantenido hasta ahora. En ese viaje Carlón nos mostró varios lienzos, regaló a Mario un cuadro y lo envolvió en un lienzo que había desechado y cuando llegamos a Madrid, decidimos quedarnos con el envoltorio, ponerle un bastidor y desde entonces preside nuestra sala de estar. En una ocasión que estuvo en Madrid, nos lo firmó y lo dedicó por detrás con el texto “Rescatado del olvido por Pedro y Manolo”

Es el primer amigo común que conocimos a la vez Manolo y yo.

Participó en todas las exposiciones el Grupo Surrealista de Madrid.

Y ha tenido numerosas exposiciones individuales en diversas ciudades.

Recuerdo la de 1993 en león , Galería Tráfico de Arte. Creo que allí le compró Manolo un cuadro de los varios que tenemos en casa.

En casi todas las exposiciones que ha realizado, Manolo se ha animado a comprarle porque le gustaba mucho su pintura, su universo lírico, su libertad, el espíritu innovador, experimentador y de resultados efectistas.

Muy especialmente recuerdo la de 2001 junto a Mário Cesariny, Enrique Carlón, J.F. Aranda, en Torres Novas, Galeria Neupergama. Allí se expusieron los zapatos de Aranda. Manolo había regalado a Cesariny, como recuerdo, unos zapatos que habían pertenecido a Aranda. Mario los montó como homenaje en una tabla y los expuso. Tras su muerte, ese objeto fue a parar a la Galería Perve y Manolo quiso recuperarlo, pero el precio era desorbitado. Este hecho entristeció mucho a Manolo. Pero le quedaba el buen recuedo de haberlos visto expuestos.

Junto a ellos, Enrique recitó un poema de Artaud para lo cual había diseñado una escenografía con una cama antigua.

Hemos visitado su hogar y sus talleres en diversas ocasiones y siempre ha sido muy generoso y nos ha regalado alguna obra.

Él, junto a su compañera nos han visitado varias veces. Siempre nos han mostrado cariño.

A Manolo le parecía un personaje muy relevante de la cultura y a menudo se lamentaba de que no tuviera mayor proyección.”

“yuhm-ee…Paint-ing”

Casa en la Playa

Jomagú 2009, 24×17 pulg. acrílico sobre papel

Esteban Ruiz. Título: La Busca de Averroes. Dimensión: 200 x 400 cm. Soporte: Arpillera sobre bastidor. Técnica: Mixta. Fecha: 2008.

Descripción conceptual

“La busca de Averrores” es el décimo cuento de los diecisiete que integran “El Aleph“. En el cuento, Borges nos presenta a un Averroes tratando de comprender la Poética de Aristóteles.

“La busca de Averroes” es la historia de un estrepitoso fracaso por parte del Comentarista por comprender los conceptos de “comedia” y “tragedia“, al ser el teatro una costumbre ajena a la cultura árabe. Lo que más preocupa al protagonista de la historia es su comentario acerca de la “Poética” de Aristóteles, donde encuentra los términos de “tragedia” y “comedia”. Nadie, en el ámbito del Islam, comprendía lo que querían decir”.

Tras meditar sobre el tema, su atención es distraída por el cantar de unos niños que juegan en la calle, abajo, representando uno de ellos- subido a los hombros de su amigo, que figuraba ser el alminar- el almuédano, y el tercero la congregación de fieles. Poco tarda en terminar el juego, y Averroes ignora que la respuesta se ha manifestado delante suyo: el concepto del teatro, desconocido por el Comentarista, acaba de mostrarse en un inocente juego a partir del cual cobrarían sentido la comedia y la tragedia.

“Aristóteles denomina tragedia a los panegíricos y comedias a las sátiras y anatemas. Admirables tragedias y comedias abundan en las páginas del Corán”

Tras el fracaso, todo se disipa, todo desaparece. La ley de la causalidad nos lleva a un absurdo, para poder entender la tragedia y la comedia, necesitamos un previo, que es el teatro. Así fracasa la busca de Averroes

“El tema de “La busca de Averroes” es éste: si yo elijo a Averroes como protagonista de un cuento, ese Averroes no es realmente Averroes, soy yo.

Por eso, voy evocando a Averroes y al final, al final del relato, comprendo que ese Averroes es simplemente una proyección mía; entonces hago que se mire en el espejo, se mira en el espejo y él no ve a nadie, porque yo no sé qué cara tenía Averroes, y así el cuento se diluye.

Cuando dejo de pensarle, Averroes desaparece.

Analizamos aquí la eterna búsqueda de la identidad y con ella la necesidad de análisis e introspección para poder reconocernos a través de las ideas que configuran nuestro pensamiento. Si no realizamos de una manera constante este ejercicio, que nos propone de una manera muy aguda Borges, perderemos nuestra identidad y desapareceremos, nos diluimos en la masa y en su pensamiento común, homogeneizado, dirigido.

Esta fatuidad de las ideas, que aparecen y desaparecen, nos sorprende al conocer que sistemas de representación, como el teatro y sus conceptos de tragedia y comedia que fueron tan populares el la historia griega, pueden llegar al olvido por la desidia de los hombres, incluso en un gran erudito.

La importancia del contexto en la Córdoba medieval, que en ese momento es el centro del renacimiento intelectual y sensible del mundo, es de vital importancia para comprender el argumento por donde nos deriva el autor. De ahí las descripciones tan detalladas y placenteras que nos relata el autor.

“Sentí que la obra se burlaba de mí. Sentí que Averroes, queriendo imaginar lo que es un drama sin haber sospechado lo que es un teatro, no era más absurdo que yo, queriendo imaginar a Averroes, sin otro material que unos adarmes de Renan, de Lane y de Asín Palacios. Sentí, en la última página, que mi narración era un símbolo del hombre que yo fui, mientras la escribía y que, para redactar esa narración, yo tuve que ser aquel hombre y que, para ser aquel hombre, yo tuve que redactar esa narración, y así hasta lo infinito. (En el instante en que yo dejo de creer en él, «Averroes» desaparece.)“
El mundo lo configura nuestros pensamientos. Si dejamos de imaginar, el mundo desaparece

Descripción técnica

La obra consta de dos telas sobre bastidor y tablero de 200 x 200 cm cada una lo que nos dá una superficie total de 200 x 400 cm. La arpillera es protegida con una imprimación de carbonato cálcico y látex que la estabiliza y sirve de superficie para pintar. La técnica pictórica es mixta aunque el óleo cuenta como protagonista. Con diferentes cargas de pintura extendida con plana se configura sobre un fondo muy rico en matices, las figuras principales, que van tomando sentido con el contraste que le configura el betún de Judea.

La Busca de Averroes.Vista general de la sala.

La sexta Mirada.

La Sexta Mirada es una exposición comisariada por Esteban Ruiz que se exibió en el Instituto Cervantes de Bruselas y en la Casa Gongora de Córdoba en el año 2008 y 2009

Texto de Comisariado

Esteban Ruiz

“Todo lo que ahora era verdad, había sido alterado. Todo lo que ahora era verdad, había sido verdad eternamente y lo seguiría siendo. Era muy sencillo. Lo único que se necesitaba era una interminable serie de victorias que cada persona debía lograr contra su propia memoria. A esto le llamaban “control de la realidad”. (…) Saber y no saber, hallarse consciente de lo que es realmente verdad mientras se dicen mentiras cuidadosamente elaboradas, sostener simultáneamente dos opiniones sabiendo que son contradictorias y creer sin embargo en ambas; emplear la lógica contra la lógica, repudiar la moralidad mientras se recurre a ella, creer que la democracia es imposible y que el Partido es el guardián de la democracia; olvidar cuanto fuera necesario olvidar y no obstante, recurrir a ello, volverlo a traer a la memoria en cuanto se necesitara y luego olvidarlo de nuevo; y, sobre todo, aplicar el mismo proceso al procedimiento mismo. Ésta era la más refinada sutileza del sistema: inducir conscientemente a la inconsciencia, y luego hacerse inconsciente para no reconocer que se había realizado un acto de autosugestión“.
George Orwell, “1984″

Es complejo pensar sobre Córdoba si caer en tópicos. Recabar en lo heredado y no quedarse anclado en ese tiempo. Pero, aun así, es necesario conocer ese relato para poder vestir un argumento que funda la emoción impregnada de su historia, con el increíble legado intelectual que esta ciudad ha regalado al mundo.

Nuestra estética actual, en su construcción, pasa necesariamente por Córdoba y su estoicismo. Los conceptos,” honestum”, “pulchrum”, “bonum” y “decorum”, “utile” y “aptum” los relaciona Cicerón en su “De Officis”, bebiendo del las tradiciones platónicas, aristotélicas y estoicas, pasando luego a San Agustín.
Otro camino es el de Avicena que bebe de fuentes griegas. “La belleza o decorum, dicen los arabes, es la cualidad que posee una cosa cuando es tal como debe ser”. Organizan el ritmo y revisan con el álgebra la relación del hombre con el espacio, situandolo de la manera mas certera que ha permanecido hasta nuestros días.
Aristóteles incide en el saber y el estoicismo en el hacer. Entre los romanos, Cicerón concibe la retórica como una disciplina y Quintiliano como un arte practico, “el arte es una capacidad que procede metódicamente, es decir, con orden”. Por eso los estoicos contemplan los dos matices aproximandose ya, en muchos aspectos a la concepción moderna del arte.
Ciceron insiste en el carácter disciplinado del arte. El arte, dice, presenta dos formas: como saber y como realización: “Ars duplex, una in ascientia, alia in actu” (el arte es doble, teórico y practico) (1)

Quiero estas referencias, para argumentar el guión de la exposición “La Sexta Mirada” en la que reencontramos nuevas vías de interpretación del desarrollo creativo, basado en la erudición del proceso intelectual y articulado gracias a la referencia que nos une: Córdoba.

Retomamos con la selección de estos ocho artistas, al estudioso, al analítico, al imaginativo, al comprometido, al coherente con su entorno físico y emocional.  Y reivindico como nefasto en el arte, la relegación que han tenido las formas de pensamiento artístico, llevadas a cabo  a través del análisis y la observacion de los hechos.

Las obras presentadas por los artistas, aunque locales en su enfoque, se hace universales por la transcendencia de los conceptos. Aunque, vuelvo a repetir,  afrontadas desde lo local, desde lo que se conoce, y desde donde hay una verdadera implicación emocional.

Llevamos demasiado tiempo sufriendo la justificación de un arte global creado fuera de las instancias artísticas y siguiendo la estela de los discursos sociales y económicos que reivindican un Global Village.

Este multiculturalismo, es una manera de reprimir la individualidad que fundamenta el humanismo, ya que no respeta en absoluto lo que dice respetar; la singularidad.

“Esta contradición del pensamiento globalizado hace que exista un poderoso descuadre, una contradicción, una desconexión considerable entre la acción realizada y el objetivo perseguido”.(2). Camus nos insiste también sobre la intensidad del descuadre entre la acción y el fin u objetivo en  “Le Mithe de Sisyphe”

Finalmente, nos hemos arropado en la globalización cultural para denostar otras formas diferentes de pensamiento, y nos escudamos en ella para anular cualquier conato de individualidad que se oponga a la uniformidad impuesta desde las estructuras generadoras de ideas. Hoy es bien visible una estética homogeneizada, estructurada dentro de una industria cuyo objetivo es el consumo de productos artísticos. Sin mas. Este consumo se articula en la anulación del individuo y de sus referencias que, al fin y al cabo, son las que nos confieren la riqueza de la diversidad de opiniones.

Al contrario de lo que podríamos pensar y de los objetivos que nos propone esta globalización en sus postulados, hoy, tras la imposición de este sistema que propone evitar los problemas que se derivan de las diferencias culturales, nos encontramos, en realidad, en una gigantesca “cage aux folles”, con enfrentamientos violentos, y la mayor intransigencia cultural que haya tenido el ser humano a lo largo de su historia.

El arte es interpretación, en el momento que se aunan los criterios de interpretación y se homogeneizan, entramos en un arte dirigido. El arte solo cabe desde la individualidad del creador y desde su libre interpretación de esta realidad; y esta individualidad, es la que genera e identifica el arte.

Si Voltaire escribiera hoy un nuevo “Traité sur la Tolérance“, posiblemente ampliaría su crítica mas vehemente a la globalización, como paradigma de la intolerancia.

Me ha parecido emocionante, sugerir a los artistas que intervengan a partir de una lectura de su ciudad, verdaderamente cercana e influyente en la argumentación de sus obras. Esto ha hecho posible la construcción de una exposición con gran solidez en sus fundaciones y resistente a cualquier embite externo. Soy consciente del enfrentamiento que esto supone con estéticas que considero humo creativo y que en muchos aspectos se han diluido junto a logros sociales. Estas se escudandose en la inmediatez, en lo instantáneo, el placer de lo inmediato e inconsecuente.

Considero justo, por lo valioso que tiene esta exposición, comenzar a poner en cuestión un arte que se ha supuesto exclusivo por su intransigencia con los artistas intelectuales, sobre todo en entornos locales y debido a la mediocridad de los analistas.

Este arte con pies de barro se empiezan a desmoronar como la economíaque los ha mantenido. Por el contrario, nos encontramos en “la sexta mirada”, por parte de los artistas, con un ejercicio de honestidad y compromiso, que permanecerá en nuestra memoria y nos hará descubrir una ciudad que aunque haya sido redescubierta en múltiples ocasiones, nos va ha facilitar una nueva lectura que la hará mas cercana a cada uno de nosotros.

Esteban Ruiz

(1) Edgar de Bruyne. “la estética de la edad media”
(2)Christian Morel. “Les Décisions Absurdes” Sociologie
des erreurs radical et persistantes.

La Sexta Mirada

Imagenes y enlaces

Imagenes del montaje de la exposición en Bruselas e inauguración con el Ministro de Asuntos exteriores Miguel Angel Moratinos

Talleres Internacionales de Arte Contemporaneo

El Día de Córdoba

20 minutos

ABC

Diario Córdoba

RTVA

Supersticiones

Si, aunque parezca increíble, en el penúltimo día del año los galvenses inauguran una muestra de pinturas, titulada “SENTIMIENTOS PRIMARIOS”, de la artista plástica ALICIA SAVINO.

Vamos a decir que la apertura se realizará el día 30 de diciembre de 2009
a las 20,30 hs.en  el Museo de Artes Visuales “ORLANDO RUFFINENGO”
RIVADAVIA 781.

Sin duda,una bella oportunidad de despedir el año con arte, luz y un brindis por el año que fenece…

Nada como un buen vino para alzar nuestras copas y brindar con vosotros, deseando que este año que se aproxima continuemos regalándonos lo mejor de nosotros mismos.

Un abrazo ebrio de ilusiones compartidas…

Feliz 2010 y más.

Animación video, creación de una obra, poesía y banda sonora de Tito Di Pippo.

Paisaje de Castilla

Hoy presento un  nuevo óleo que acabo de terminar cuyo motivo es el paisaje castellano.
De manera que para poder verlo en su integridad con los ojos que se debe mirar este tipo de paisajes paso a insertar a continuación un extracto de un libro de Miguel Delibes titulado Mi vida al aire libre”:

“Evoco el silencio del monte, un silencio seco, transparente, al que las fumaradas del aliento espesaban. De tiempo en tiempo el graznido destemplado de una corneja. Las mañanas en que la bruma levantaba nos sorprendía de pronto el “coreché” de una perdiz. “